必備的10張Krautrock黑膠唱片

Can: Tago Mago

Can 很可能是這份名單上最知名的名字，這是有充分理由的。他們的影響遍佈於隨之而來的音樂中（如 The Fall、Sonic Youth 和 Radiohead 等）。第一和第二面充滿了 funk 節奏的即興演奏，由 Jaki Liebezeit 的強力鼓點驅動，而第三和第四面則展現了前衛作品的狂熱。

Tago Mago 是關於控制的。這些松散的即興演奏在剪輯室中被仔細拼湊在一起（“Halleluhwah” 竟然在超過 18 分鐘後仍感到簡潔），而第二張光碟的失控彙聚成了近乎祈禱般的美麗。

Neu!: Neu!

鼓手 Klaus Dinger 和吉他手 Michael Rother 曾在 Kraftwerk 的早期形態中短暫合作，然後離開組成了 Neu!（缺少鼓手的空缺促使 Ralf Hütter 和 Florian Schneider 開始用電子音樂和鼓機創作 Kraftwerk 音樂）。“Hallogallo”，Neu! 自名專輯的第一首歌曲，瞬間用 Dinger 獨特的 motorik 鼓點擊中你：鼓舞人心的低音和小鼓模仿了高速公路的聲音。這張專輯的許多部分都由節奏驅動，Rother 龍蝦的氛圍吉他帶著 Dinger 的引擎攀上宇宙高峰。Wilco 基本上整個拷貝了“Hallogallo”為他們的歌曲“Spiders (Kidsmoke)”，而“Negativland”中被旋轉反饋包圍的咆哮低音無疑也給 Sonic Youth 一些啟發。

Guru Guru: UFO

如果你想了解 Guru Guru 的聲音，不妨看看 UFO 的第五首曲目：“Der LSD-Marsch”（“LSD 行軍”）。他們1970年的首張專輯是必不可少的酸搖滾 -- 聲音宏亮而粗獷，充滿了律動。Guru Guru 能夠鎖定一種只有吉米·亨德里克斯（Jimi Hendrix）能匹敵的猛烈，但帶有更具實驗性的風格，這種風格只能在1970年代的德國搖滾場景中產生。想像只有三個音樂家會發出如此多的聲音是難以想像的 -- 鼓手 Mani Neumeier 在他垮塌的鈸聲上吼叫，而 Uli Trepte 的低音則在 Ax Genrich 的吉他獨奏表面下輕輕起伏。

值得慶幸的是，Guru Guru 並不像名單上大多數樂隊那樣短暫。Neumeier 仍在樂隊中繼續展演，包括與日本迷幻搖滾樂隊 Acid Mothers Temple 的合作，這個合作被稱為 Acid Mothers Guru Guru。

Cluster: Zuckerzeit

並非所有的 krautrock 樂隊都創造了浸透酸味的吉他搖滾。Cluster 創作了一些定義流派的專輯，卻幾乎不是“搖滾”。Dieter Moebius 和 Hans-Joachim Roedelius 這對二人組在他們的前兩張專輯中創造了一種原型工業、陰暗的電子音樂。因此，當他們在第三張專輯上讓音樂變得更明亮時，他們毫不保留地將其命名為 Zuckerzeit，即“糖的時光”。像“Caramel” 這樣的歌曲為電子流行音樂奠定了基礎。即使使用鼓機和合成器，Cluster 也突破了定義他們更成功的同伴 Kraftwerk 的剛性，創造出更具空間感和即興的電子音樂。

Faust: IV

Faust 在 1971 年到 1973 年之間發行了四張專輯（還有與前衛作曲家 Tony Conrad 的合作）。它們都是必不可少的，但 IV 可能是最好的起點。像“The Sad Skinhead”和“Jennifer”這樣的歌曲比他們之前的任何作品都更加旋律化。儘管它是他們最容易接觸的作品，IV卻仍然是 Faust 的作品。開場曲“Krautrock”是一段近 12 分鐘的噪音和反饋岩石，而“Just a Second”則特別包含了激烈的電子噪音。顯然，Faust 也不打算成為一支傳統的搖滾樂隊。Virgin 拒絕了他們的第五張專輯，樂隊不久後便解散。

Amon Düül II: Yeti

西德的政治藝術公社 Amon Düül 實際上產生了兩支同名樂隊。儘管他們的名字中的 II 可能讓你以為他們只是續集，但 Amon Düül II 卻超越了他們先前的集體夥伴。他們的首張專輯 Phallus Dei 是最早的 krautrock 專輯之一，與 Can 的 Monster Movie 齊名。但他們的後續作品，1970 年的 Yeti，則稍微佔據優勢。這張龐大的雙張專輯分為作曲（第一碟）和即興表演（第二碟），但這兩部分都包含了有史以來最好的前衛迷幻搖滾。即便成為一支稍有成功的樂隊，Amon Düül II 仍堅持自己的根源，所有樂隊成員共住在一起。

Harmonia: Musik von Harmonia

在 1971 年，Cluster 的 Dieter Moebius 和 Hans-Joachim Roedelius 移居到德國福爾斯的鄉村。當 Neu! 的 Michael Rother 前來合奏時，發生了神奇的化學反應。“這聽起來浪漫 -- 就像是一見鍾情，”他在 Harmonia 黑膠再版的新聞稿中說。“我離開了杜塞爾多夫和 Neu!，搬到了福爾斯。”

Cluster 的田園式搬遷以及他們與 Rother 的合作激發了他們自己音樂的變化，遠離早期作品的噪音，朝著 Zuckerzeit 的方向發展。而 Harmonia 也改變了 Rother。在 2016 年接受《紐約客》的訪問中，他表示他“拋下了作為吉他英雄的想法”，選擇專注於“單個音符，單根吉他弦”。你可以在“Watussi”的跳動合成器下聽到他吉他的穩定轟鸣，在環境曲“Sehr Kosmisch”中聽到它的慢慢隆隆聲。

聽過 Musik von Harmonia 的布萊恩·伊諾（Brian Eno）稱 Harmonia 為“世界上最重要的搖滾樂隊”。（這三人組後來甚至與伊諾錄製了音樂，後來發行為 Tracks and Traces。）

Agitation Free: 2nd

如果你列出1970年代最偉大的即興樂隊，你可能會提到 Grateful Dead、Allman Brothers Band 和 Agitation Free。好吧，可能不會提到最後一個，但如果你聽過 Agitation Free 的被遺忘的經典 2nd，你可能會如此。定義這些美國樂隊的藍調吉他交錯肯定在那裡，但 Agitation Free 卻有著完全獨特的風格。Lutz Ulbrich 和 Stefan Diez 的旋律吉他傳達著純粹的自由感。“Laila” 的雙吉他在彼此之間旋轉，然後在旋律上以八度的距離聚合，就像某種宇宙版本的“In Memory of Elizabeth Reed”。吉他絕對搶眼，但低音始終伴隨在旁。Michael Gunther 自如地與旋律共舞，就像 Phil Lesh 與 Dead 的表演一樣輕鬆。

La Düsseldorf: Viva

一旦 Neu! 解散，Klaus Dinger 組成了 La Düsseldorf -- 雖然不如他早期的樂隊那麼知名，但同樣影響深遠。David Bowie 甚至稱他們為“1980年代的聲音軌跡”。他們同名專輯為 Bowie 和 Brian Eno 提供了柏林三部曲的藍本，但其後的專輯，1978年的 Viva，是 La Düsseldorf 完善其音色的地方。Bowie 說的相當準確；Dinger 和他的團隊將 Neu! 的音色穩穩推向未來。像“Rheinita”這樣的歌曲的美妙氛圍合成器和 20 分鐘的史詩收尾曲“Cha Cha 2000”聽起來並不太空靈或實驗，但肯定是下一個十年即將到來的先驅。

Tangerine Dream: Alpha Centauri

擁有超過 100 張專輯的他們（說真的！），Tangerine Dream 對於新手來說可能會讓人卻步。在他們的第二張專輯中，樂隊已經放棄了大多數同輩的迷幻前衛搖滾，轉向深沉的氛圍合成器。不過，沒有什麼能比“kosmische musik”這個名稱更能代表 TD 的 1970 年代專輯了。Alpha Centauri 是一張過渡專輯，保持了他們首張專輯中的長笛、風琴和鼓，但層層包覆於黑暗、空靈的質感之中。中70年代的合成器和音序器專輯，如 Phaedra 和 Rubycon 是進入 Tangerine Dream 的良好起點，但 Alpha Centauri 感覺彷彿是一個黑洞的聲音軌跡，同時保持著他們原始 krautrock 的有機感。