2019年最佳爵士專輯

這張專輯感覺上是這位新奧爾良土著在過去十年中不斷追求的作品，其深厚的音響根源始於2012年的Christian aTunde Adjuah，並持續發展到2017年的Centennial Trilogy專輯。如果Ancestral Recall是在才華橫溢的小號手轉型為多樂器演奏家首次發行指揮專輯近20年後才發行，那麼對於那些雙臂交叉的純粹主義者來說，輕易就能否定它在爵士音樂中的地位了。那些跟隨Scott的奧德賽之旅的人都知道他的實力是真正的，他對於將對這個類型的深刻理解應用於新形式的承諾。在“預言”中，複雜化機器的嗡嗡聲與原本的聲音會話，還有“雙重意識”的豐富層次感。他在“我擁有夜晚”中分享了Saul Williams的演唱表現詩，伴隨著快速的西非多節奏，後來在“之前”中，Elena Pinderhughes的長笛在小號的吼叫和土著節拍中輕盈起舞。一曲引人入勝的突出作品“Forevergirl”保留了Radiohead組曲的所有細膩和古怪，卻沒有任何藝術搖滾的漫遊。

在Philip Bailey的廣泛唱片作品中，愛會找到方法是眾多值得注意的錄音中的一個亮點，證明了一個傳奇行為在晚期的突圍是可能的。稱他的最新專輯為回歸似乎有些反效果，而這種感覺在監督這個優秀的專輯時是不合時宜的，它使他的假音與當前爵士世代最耀眼的明星們相互輝映。Robert Glasper和Kamasi Washington聯手創作了充滿生命的“神聖聲音”，這首曲子讓人想起後者的天堂與地球的美學，與Bailey的出現讓它變得宏偉。至於Talking Heads的翻唱，他對難以翻唱的“此生一次”改編，重新配置了流動和拍號，使其保持在新鮮的邊界上。相比之下，“Billy Jack”致敬一首Curtis Mayfield的經典，而“Just To Keep You Satisfied”則是對Marvin Gaye的歌曲庫的一個真誠致敬。

在1968年，次中音薩克斯風手Peter Brötzmann以及他的八重奏走進了不來梅的一個地下室，錄製了自由爵士的開創性專輯《機關槍》。參與的玩家中有鼓手Han Bennink，他與他的固定合作者再次回到這個場地，五十年後重聚。為了慶祝這一時刻，鋼琴家Alexander Schlippenbach——他是他們的德國同輩，也是地球團結樂隊的成員，完成了這個三重奏。考慮到這段歷史與傳承，不難想像五十年後...通過“甜露短狗”及“壞酒鬼”的瘋狂衝刺，忠實地重新檢視了1960年代的混亂能量。在清晰的同名曲中，他們慢慢加熱，而不是迅速炸製。

在討論爵士音樂中新興或新興人才時，家族樹的話題常常會冒出來。也許這與美國本土音樂類型是由前輩和老兵精心培養的更多的是遺產而非職業有關。這位打擊樂手Donald Dean的孫子曾與靈魂爵士演奏者Les McCann有著不小的合作，這位仍然相當年輕的鋼琴家在發行這張必不可少的Stones Throw錄音前早已植根於這一傳統之中。身為充滿活力的洛杉磯圈子的一部分，他曾與Kamasi Washington和Thundercat等人合作，Jamael Dean與共同製作Carlos Niño聯手，創作出本世紀的杰出的錄音專輯之一。考慮到他的重要合作夥伴對新世代預測的偏好，黑色空間錄影帶在眾多曲目中經常探討宇宙領域，如在迷人的“Kronos”和“Akamara”上。專輯的中間部分也弥漫著當地節拍風格，隨後在自由流動的結尾“Emi”中再次流出。即便如此，Dean在聲場中也能出類拔萃，操控“Adawa”的起伏流動。

儘管我個人在這個類型中的品位無疑更傾向於前衛實驗或嘻哈混合，但有時對於一次正統搖擺的渴望幾乎難以抵抗。為了滿足這種渴望，阿爾托薩克斯手Markus Howell以這張由可靠的Posi-Tone品牌發行的歡樂首秀來解決困擾。把握！整個專輯捕捉了在夜總會中聽到直接爵士音樂的聲音與感受，卻又不會被收費或兩杯酒的最低消費困住。在一支充滿活力的小六重奏手中，他的活潑原創作如“戰爭”和同名曲與Jimmy Heath的“Bruh Slim”及Joe Henderson的“Out Of The Night”的輕鬆版本相得益彰。

在過去十年的爵士樂中，Kendrick Scott的同名樂隊是最迷人的樂隊之一，迄今為止並未出現任何顯著失誤。對於該樂團的第二張Blue Note專輯，以及休斯頓鼓手自為夢之隊的努力我們的觀點以來的第一張專輯，這位指揮/作曲家提供了一種冥想，關於在生活中克服面對的障礙，無論是個人的還是創意的。製作人Derrick Hodge幫助Oracle實現其預言，Jahi Sundance的調音盤零技術也相當重要，正如在“地平線”和“窗戶”中的表現所示。因此，牆變成橋反映了Scott本質的重新點燃，模態先例和即興靈感偶爾為Boom Bap的感情屈從，卻不會打破或失去形狀。正是這種微妙使得這張專輯成為必須重複聆聽的作品。

對於Lionel Hampton和Cal Tjader而言，振動琴通常並不是爵士愛好者在專輯中最想尋求的主要樂器。然而，在2018年的兩張最佳爵士專輯——James Francies的《Flight》和Makaya McCraven的宇宙存在中，他的出現使你如果錯過了Joel Ross的藍音標籤的首張專輯，就真的太過於愚蠢了。從開頭的獨奏到夢幻般的結尾，開場曲“Touched By An Angel”急切地辯明了歡迎音符進入突出地位的必要性。此後，王者製造者從未超過10分鐘，但即使在像“是愛驅動著你”和“已經太晚了”這種相對簡短的曲目中，Ross仍然如同一位魔法師般迷人。

熟悉Bruce Lamont在像Bloodiest和Brain Tentacles這樣極端樂隊中表現的聽眾可能會因“Sick Gazelle”三重奏迷幻專輯的开場曲“Atlantic”而感到震惊，這是一個更深情的後搖滾編曲。與前Sonic Youth鼓手Steve Shelley與吉他手/貝斯手Eric Block合作，這位芝加哥薩克斯風手/歌手不再依賴重金屬的雷鳴，而是選擇了一種在哀愁與夢幻之間的思索氛圍，在奧杜姆的四首曲子中交織。雖然在這裡並不特定於某個類別，但爵士音樂表現出緩慢的自由落體，Lamont在悠長而緩慢的“太平洋”中演奏著一連串漂浮的音符。節奏突然在“Laguna”中加速，其顫動的搖滾節奏因無形的聲音而受到干擾，而不是幽靜的薩克斯。

精明的哈萊姆居民以及那些前往The Shed的演出者都看到Anu Sun在舞台上表現，他不斷地吸引觀眾，無論活動落在何種場地。一位Robert Glasper的緊密工作夥伴，在重塑Miles Davis的專輯Miles Ahead中貢獻頗豐的帶領者，Anu Sun在紅色王者中探討了宏大而個人的問題。在奴隸制遺產與當前美國種族主義之間建立起邏輯聯繫，像“KAEPtain AmeriKKKa”和“SONset Reprise”這樣的曲調圍繞類別靈活地表達觀點。他巧妙地將複雜和細緻包裝成熟悉的形式，以及“Afro Blue”和“Hit Me Back”的深夜R&B groove，使得這張專輯每次聽都是如此充實的體驗。

David Torn的動態音樂作品與多樣的德國品牌ECM擁有長達35年的歷史，他1984年的單曲專輯最佳計畫為其音樂和電影的漫長生涯奠定了基礎。雖然他最近在這個品牌下以獨奏和阿爾托薩克斯手Tim Berne的Snakeoil項目錄製了專輯，金指的太陽中，這位吉他手/作曲家的魅力依然不減，而其同名三重奏與Berne和打擊樂手Ches Smith合作。長達一網絡情景喜劇的曲子“Eye Meddle”展示了三位音樂家在其主要樂器上的高超技藝，電子音效也隨之穿插，與Torn的作品相呼應。Berne再次將事情引導至意想不到的地方，在“Soften The Blow”中，他的開場音符被來自循環的緊迫性所束縛。隨著時間的推移，他擴展這種感受，薩克斯的層次造就了一種複雜的氛圍，而吉他的廢棄音樂則成為Smith尋找每次擊打的依據。“在這些歡快混亂的書末過程中，(*Spartan, Before It Hit*)”中的強化樂團運用一種龐大的Torn作品，似乎為一部沒有任何人見過或可能不存在的電影準備的背景音樂。