十大最佳双专辑，必备黑胶

Bob Dylan: Blonde On Blonde

正如流行音乐中的许多事物一样，鲍勃·迪伦是将双专辑引入摇滚主流的人。在此之前，爵士乐中曾有一些相对成功的双专辑，但迪伦的Blonde On Blonde在1966年初让这一形式广受关注。当时只有25岁的迪伦将自己锁在纳什维尔的录音棚，与众多录音音乐人一起工作。Blonde On Blonde成为了其中一位最伟大词曲作者创造性自信的象征，迪伦通常是即兴创作歌词。直到今天，这张双专辑依然闪闪发光，标志着迪伦广泛职业生涯中最激动人心的时刻之一。

Jimi Hendrix: Electric Ladyland

其他摇滚巨头迅速认识到双专辑是探索与实验的机会。在吉米·亨德里克斯的案例中，他着迷的对象自然是电吉他。与迪伦在纳什维尔的做法相似，26岁的亨德里克斯将录音棚视为另一种乐器。Electric Ladyland的录音是在著名的同名纽约录音棚内进行的，亨德里克斯本人制作了这张双头蓝调巨作。时长75分钟的Electric Ladyland中有两个版本的“Voodoo Chile”，其中一个作为专辑的结尾，与“All Along The Watchtower”和“House Burning Down”相连。

The Beatles: The Beatles

这也许是世界上最著名的双专辑，确实名副其实。1968年，披头士乐队将世界惊呆了，他们似乎在一个项目中总结了他们音乐个性的所有方面。这个结果发布的专辑，通常被称为The White Album，其音乐范围超过了其他乐队的整个唱片目录。在印度的冥想课程中写出大部分素材后，乐队成员在伦敦录制专辑时爆发了争吵，约翰·列侬的新搭档小野洋子无处不在，这成为了一大问题。因此，The Beatles可能成为了四人组唱片目录中最具争议的专辑，其后现代歌词引发争议，甚至据说激励了查尔斯·曼森。

Miles Davis: Bitches Brew

黑胶唱片，特别是双专辑，允许音乐发挥其张力。而在迈尔斯·戴维斯的Bitches Brew中，这里的张力尤为明显。更精确地说，是过度换气。1970年，这位大师级小号手引发了自己的大爆炸，将各种元素结合，最终彻底改变了爵士乐的规则，告别了比波普，拥抱非洲音乐。两个贝斯和三个电子钢琴确保戴维斯拥有新的调色板来丰富他的作品。其中一个贝斯是由哈维·布鲁克斯演奏的，他之前曾与鲍勃·迪伦合作，象征着戴维斯对与摇滚相关和弦进行的接纳，使Bitches Brew成为第一张超越流派并在自己的条件下创造新流派的专辑之一。

The Who: Quadrophenia

双专辑大致可以分为两种：一种提供艺术家所需的空间，另一种则提供艺术家想要的空间。谁乐队的第二部摇滚歌剧显然属于后者。在Who’s Next商业成功之后，彼得·汤申感到个人失落，谁乐队在1973年的Quadrophenia中继续踏入熟悉的水域。这支英国乐队已因其早期的怪异但辉煌的摇滚歌剧Tommy而获得赞誉。虽然那张专辑看似激进，但Quadrophenia则（相对）精致，这是一张并未受到像《弹珠巫师》这样的单曲商业成功的干扰，而是因为故事内容超越了一张专辑的容量。汤申等人讲述了吉米，一个首次成为他们粉丝的故事，背景是他们自身所处的60年代现代派运动。尽管谁乐队借鉴了自己的根源，但这个孤独男孩在城市中寻找爱的故事却与Quadrophenia中的许多音乐一样永恒。

Led Zeppelin: Physical Graffiti

双专辑可以让艺术家探索先前未知的领域，但它们同样使艺术家能够完善早期所运用的元素。1972年，罗伯特·普兰特和吉米·佩奇一起前往印度，并受到当地录音音乐人的启发。他们所做的录音为这支通常相对简约的乐队发布的最极端和多元的专辑奠定了基础。在《我在临终时》这11分钟的自由流动中，冒险感空前，聆听“克什米尔”和“在光中”更是一次证明，重金属乐队则是当之无愧的地球上最沉重的乐队。

Stevie Wonder: Songs in the Key of Life

事实证明，Songs in the Key of Life的内容非常丰富：斯蒂维·旺达在1976年的这张双专辑时长接近两个小时，且每一分钟都充满乐趣。在这里，旺达展现了双专辑的另一种完全不同的特质。该格式不仅用于严肃的概念丰饶之作：它同样也用于玩乐，充分展示多种乐器演奏和音乐才能，就像旺达在“大师公爵”、“我希望”和“她不是美丽的”这些热门歌曲中所做的那样。Songs in the Key of Life是斯蒂维的第十八张专辑，但这位R&B及流行音乐的最受欢迎人物在这里听起来依然充满热情，像一个在糖果店里的小孩。专辑所展现出的多彩画面更因旺达不仅使用合成器和萨克斯管，还与包括赫比·汉考克、乔治·本森和米妮·里珀顿在内的全明星队伍合作而愈加丰满。

Pink Floyd: The Wall

在70年代最后几周主导的乐队发布了他们的最后杰作。恰如其分的是，平克·弗洛伊德的The Wall借此机会同时反映罗杰·沃特斯对乐队明星地位的不安。The Wall几乎完全是由沃特斯构思的，他也从二战期间父亲的去世中获得灵感，专辑开头便是这一主题。在许多方面，The Wall向平克·弗洛伊德告别，项目中的主角是沃特斯和乐队原主唱席德·巴雷特的缩影，处理着沃特斯自我施加的与社会的隔离。“感到安心”和“墙上的另一砖”歌曲不仅是热门单曲，同时也呈现了平克·弗洛伊德的解体。这成为了乐队职业生涯中最引人入胜的专辑之一：他们之后还发布了三张专辑，但再也没有经典阵容，也再未能发行与The Wall相匹敌的专辑。

The Clash: London Calling

克拉什以其威胁性的斯卡、雷鬼、R&B、朋克和动力流行的混合将社会意识大声呼喊回流行音乐。 在London Calling中，乔·斯特拉默和米奇·琼斯为他们所拥有的“最后愤怒乐队”标签提出了令人信服的理由，这个标签通常被赋予他们。这张紧接着克拉什同名首专和Give ‘Em Enough Rope发行的专辑实际上成为了一张双专辑，因为两人创作歌曲的速度非常快。它使得这支英国乐队能够创造出一张关于个体主义和孤独的残酷专辑，观点尖锐，音调严厉。

Prince: 1999

王子或许是唯一一位没有想要发布双专辑的音乐家。1982年，这位紫色之王在明尼苏达的家中录音棚中进行大量即兴创作，灵感涌现时便立即录制歌曲。他的作品中有舞曲、美丽的情歌和喧闹的摇滚乐，这些很快便超过了一张专辑能够容纳的素材。“我并不想做一张双专辑，但我不断地创作，我也不喜欢编辑，”王子在同年发布1999时告诉《洛杉矶时报》。这张专辑成为了艺术家的突破之作，或许是他所发布的最有趣的歌曲。当1982年夏天原版银翼杀手发行时，王子开始将该电影的未来主义风格和主题融入音乐中。他显然成功了：专辑开场曲“1999”、“女士出租车司机”和“小红公牛”至今听来依然像明天可以发布的作品。