Filmlerdeki müzik ve temsil etmeye yardımcı oldukları alan

Boş bir otoyolda camlar açıkken akşamın kokusu arabanıza sızarken ve güneş yanınızda batarken araba sürmek ya da bir yaz günü yeşil bir çim üzerinde oturup çevrenizi gözlemlerken, o sırada ruh halinizi şanslı hissettiren bir şarkı dinlemek, esrarengiz bir duygudur. Bu meditatif anları ekrana taşıyıp onları elle tutulur hale getiren filmler vardır. Genellikle uzun çekimler ve renk, kompozisyon, aydınlatma ve seslerin tadını çıkarmamıza olanak tanıyan boyutsallık kullanırlar. Bu filmlerin müzikleri veya soundtrackleri kompozisyon içindeki alanla uyumlu olduğunda, tüm duyular sadece iki duyudan uyanır ve karanlık bir odada çok sayıda yabancıyla oturduğumuzu unutup onların dünyalarını keşfetmeye başlarız.

Sanatçı Lucio Fontana tarafından kurulan bir sanat hareketi olan Mekanizm, rengi, sesi, mekanı, hareketi ve zamanı yeni bir sanat türüne sentezlemeyi amaçladı. Fontana şöyle dedi: "Bir tablo yapmaktan ziyade, mekanı açmak, yeni bir boyut yaratmak, evreni bağlamak istiyorum, resmin sınırlayıcı düzleminin ötesine sonsuzca genişliyor." Bazı sanatçılar sinemanın dışında hepsini birleştirmeye çalışabilirler. Ancak, iyi bir filmin içine tamamen dalmış olmaktan daha büyük bir his yoktur.

Aşağıdaki filmler, hikaye anlatımlarına daha fazla çekilmeyi sağlamak için müzik ve imaj uyumu kullanarak alanı değerlendirirler. Robert Irwin'in kitabı A Conditional Art'ta, “Her gün bildiğim her sanatı aşan bir dizi şey deneyimliyordum. Hiçbir belirli varlığa bağlı değillerdi ve bazen - aslında çoğu zaman - sadece bir an sürerlerdi. Devamları, bir süre sonra başka bir şey deneyimleyecek olmamda yatıyor. Bu algısal fenomenlerin her biri tek bir şeyden değil, aksine karmaşık örtüşme, etkileşimli bütünden oluşur - bazen birçok ayrı bütünün birleşen parçalarından.” der. Bu filmler, kısa ömürlü, güzel anları hatırlatırken müzikal bir soundtrack kullanır.

Paris, Texas

"Müzik ve görüntüleri birleştirmenin heyecanı, beni hikaye anlatım sürecine devam etmeye gerçekten teşvik etti," dedi yönetmen Wim Wenders. Wenders, bu kombinasyonu 1984 filmi Paris, Texas'ta mükemmelleştirdi. Film, Teksas çöllerindeki kumullar ve mavi gökyüzünün genişliği ile açılıyor, ana karakter Travis, kırmızı bir beyzbol şapkasıyla yalnız başına bir galon su ile dolaşıyor. Boş arazinin eşliğinde Ry Cooder'ın minimal blues slide gitar şarkısı “Paris, Texas” yer alıyor. Her not aralıklarla yayılıyor, gördüğümüz manzaralar arasında titreşiyor ve Travis'in yalnızlığını yankılıyor. Cooder ve Wenders, buraya günlük hayatımızın ve duygularımızın gerçekliğinden kaçmak için değil, derinden dalmak için geldiğimizi açıkça belirtiyorlar.

Filmin ilk 26 dakikasında, Travis sessiz kalır; Harry Dean Stanton'un yüzüyle eşleşen kalp kırıcı gitar müziği başlı başına bir hikaye anlatır. Film boyunca bol miktarda sessizlik vardır. Blues gitar, Travis'in kaybolduğunu ve ne aradığından tam olarak emin olmadığını hissettiğimizde, yavaşça içeri girer ve bizi daha derin deneyime çeker. Görüntüler, boş batı manzaralarında mavi ve kırmızılarla doludur, müziğin kaybolma ve hayal kırıklığı hissini yankılar.

Woman In The Dunes

Sizi hayal kırıklığına boğan bir diğer film ise Japon yönetmen Hiroshi Teshigahara’nın sisifos miti üzerine varoluşçu film uyarlaması Woman in the Dunes olup, Japon besteci Toru Takemitsu tarafından romantize edilmiştir. Bir entomolog olan Niki, gece kalacak bir yer teklif eden köylüler tarafından bir halat merdivenle indirildikten sonra Japonya'daki kumullar içinde devasa bir çukurda bir kadınla kapana kısılır. Kadın Niki'yi besler ve ardından dostça bir sohbetten sonra kum kazmaya başlar. Kadın, kum torbalarını doldurur ve şafakta köylülere gönderir.

Ertesi sabah kalktığında, merdivenin aniden kaybolduğunu ve bir çığlık eşliğinde fark eder. Kumdan tırmanma girişimleri daha fazla kum düşmesine neden olur. Müzik, karakterin kendisini bulduğu mekanı çok daha sıkı hissettirir ve izleyiciye kaçma zorunluluğunun ağırlığını yükler.

Filmin iki buçuk saatinin çoğu sessizdir; müzik toplamda belki 20 dakika çalar. Her defasında kumlar beklenmedik şekilde akarken, katmanlı kumun güzel yakın çekim dokulu görüntüleriyle birlikte müzik çalar ve drone, yaylılar, flütler ve arp seslerinin bozulmuş sesleri görüntülerle harmanlanır ve gerilim yaratır.

Call Me By Your Name

Yer, Luca Guadagnino'nun tüm filmlerinde sadece bir lokasyon olmaktan öte bir anlam taşır — bu durum “Call Me By Your Name”de özellikle belirgindir: karakterler arasındaki boşluk, içinde bulundukları alan, ihtiyaç duydukları boşluk ve bize izleyici olarak verilen boşluk. Film, bizi kuzey İtalya manzarasında Oliver ve Elio'nun gizli aşkına tanık olmaya yerleştirir. Konuşamayız. Yargılayamayız. Sadece oturup başka birine aşık olma hissini takdir edebiliriz.

“Bence mekan, benim filmimde bir karakterdir. İster İtalya olsun, ister başka herhangi bir yer. İzleyici olarak bir karakterin yolculuğunu fiziksel olarak ve sadece duygusal yolculuğunda değil, deneyimleyebileceğinizden emin oluyorum. Birini nasıl anlayabilirsiniz, eğer figürü manzarayla bağlam içine koyamazsanız?” Guadagnino şöyle dedi. Sufjan Stevens’ın müziği de filme ek bir karakterdir. Elio’nun yaz boyunca yaşadığı duyguların ağırlığını filmin son sahnesinde Elio’nun şömine önünde ağladığı sırada izleyicinin üzerine yerleştirir. Timothée Chalamet, sahne çekilirken Sufjan Stevens’ın “Visions of Gideon” şarkısını bir kulaklık aracılığıyla dinlemiştir.

Melankolik müzik, Oliver ve Elio arasındaki boşluğu kameranın kompozisyonu boyunca temsil etmenin büyük bir parçasıdır. “Sonra görüşürüz,” diyor Oliver, Crema turu verdikten sonra Elio'yu yalnız bırakarak uzaklaşırken. O an ilk kez Andre Laplante'nin “Une Barque Sur L’océan from Miroirs” şarkısını duyuyoruz; o andan itibaren her ayrı kaldıklarında çalar ve Oliver ve Elio'yu tekrar birlikte görmeyi arzuluyoruz. Akıcı notalar mesafeyi doldurur ve izleyiciler arasında Oliver için ince bir arzu yaratır.

“Call Me By Your Name” filmindeki müzik, olgun bir şeftali toplamayı ve ısırmayı, bir ağacın yapraklarına esen rüzgarı görmeyi, gecenin bir yarısı soğuk bir nehre atlamayı, tüm bunları yaşarken aşık olmayı hatırlatır. Hayat heyecan verici ve zamanın önemsiz göründüğü anları yaşatır.

Bryan Eno, Ryuichi Sakamoto ve Angelo Badalamenti gibi bestecileri barındıran ve iki duyu alıp beş duyuyu harekete geçirme gücüne sahip olduğunu kanıtlayan filmler hakkında konuşabileceğimiz daha pek çok film var. Sakamoto şöyle dedi: “Neden eskisinden çok daha yavaş çalmak istiyorum? Çünkü rezonansı duymak istiyorum. Daha az nota ve daha fazla boşluk istiyorum. Boşluklar, sessizlik değil. Boşluk rezonansa girer, hala çınlar. O rezonansı dinlemek, büyüdüğünü duymak istiyorum, sonra bir sonraki ses ve bir sonraki nota veya harmoni gelebilir. Tam olarak istediğim şey bu.“