En introduktion till Tori Amos

Hon har spelat piano sedan hon nådde upp till pianot, denna eldröda prästdotter experimenterade redan med komposition vid tre års ålder, en process som underlättades av att hon såg sångstrukturer som kalejdoskopiskt ljus—ett symptom vanligt associerat med ljud-till-färg synestesi. Snart skickades hon iväg till Baltimores prestigefyllda Peabody Conservatory of Music, en relation som inte varar länge. Med Amos kärlek till rock och pop visade sig vara ingen match för en sådan konservativ miljö, tillbringade den spirande musikerns tonår med att finslipa sina färdigheter i olika gaybarer och pianoställen innan hon flyttade till L.A. för att jaga sina drömmar.

Trots att hon snabbt säkrade ett sex-albumavtal med Atlantic Records, var det ingen lätt väg till alt-rockstjärna, ett bäst-glömt projekt med titeln Y Kant Tori Read gjorde lite för att antyda om det råa och stärkande materialet som skulle följa. Med sin synthpop-insats som inte imponerade på vare sig publik eller skivbolag, var det tillbaka till ritbordet för Amos. Vad som följde var en serie släpp som samtidigt passade in i den exploderande alternativa rockrörelsen samtidigt som de krockade med dess apatiska natur.

Genom att öppet hämta inspiration från sin religiösa uppväxt, kamp för identitet och sexuella uppvaknande, sökte Amos modigt att utforska den mänskliga erfarenheten genom könspolitik, minne och en rejäl dos mysticism. Genom att följd sina egna instinkter skar hon en distinkt väg i en industri överfull med arga män beväpnade med gitarrer. Hennes kritiker kallade henne en Kate Bush-imitation, andra klagade på att hennes texter och person inte var tillräckligt tillgängliga, men detta gjorde lite för att stoppa låtskrivaren från att samla en armé av “Toriphiles,” åtta Grammy-nomineringar och ett knippe egendomliga hitlåtar. I huvudsak blev hon det kompromisslösa långfingret till toxic maskulinitet som disenfranchised tonåringar behövde.

Än idag står hon som en kompromisslös, självständig artist som bara en dåre skulle våga ifrågasätta. Med 15 studioalbum under bältet finns det många stämningar och toner att utforska. Här är en bra startpunkt.

Little Earthquakes (1992)

Med sitt tidigare band verkligen dött och begravt tog det Amos över ett år av finslipning för att övertyga Atlantic att stödja hennes soloprojekt—det var väl spenderad tid. Genom att ta allt dåligt, alla misstag och all hyckleri från de senaste åren, tappade Amos in i något rått och omöjligt att ignorera. Spöklik pianomusik och passionerade sånginsatser ackompanjerar texter fyllda med bibliska bilder, tomt sex och en längtan att känna sig lycklig i sin egen hud. Från det lekfulla tinkrande i “Silent All These Years” till den skrämmande självbiografiska berättelsen “Me and a Gun,” de 12 spåren på albumet känns aldrig något mindre än hjärtknipande ärliga.

Vid 28 års ålder hade Amos äntligen funnit sin röst och i processen blivit en äkta kultstjärna i Storbritannien, knäckte topp-20-listorna, och fick lysande recensioner överallt i USA. Som hon berättade för Rolling Stone 2009: “Detta var en verklig vändpunkt i att kravta vilken typ av liv jag ville leva. Det var en verklig början.” Det var ett unikt personligt släpp som hjälpte till att tvätta bort överflödet från 80-talet och öppna dörren för de kvinnliga låtskrivare som snart skulle följa.

Under The Pink (1994)

Med en nu fast förankrad fanbas, drog sig Amos tillbaka till New Mexico för att skapa det akustiskt drivna Under The Pink. Medan hon tydligt omfamnade sina klassiska rötter, valde Amos modigt att injicera lite Grunge-era attityd i ett andra album fyllt med dämpade melodier och svepande stråkar. Singeln “Pretty Good Year” använde sig av Pixies signaturljud högt-tyst-högt dynamik med stor effekt, medan den självsäkra “God” tar tydlig sikt på Den Allsmäktige—föreslår kanske att vår skapare skulle behöva en kvinnas hjälp. Nine Inch Nails-mästarhjärnan Trent Reznor gör till och med ett gästuppträdande, och lägger till återhållsamma bakgrundsvokaler till fansens favorit “Past The Mission.”

Albumets egentliga centrum, dock, är “Cornflake Girl,” Amos mest kända låt som fortfarande låter lika fräsch som när den spelades in. Gospel, barockpop och gammal hederlig rock ’n’ roll smälter samman för att skapa en av de mest distinkta spåren som någonsin krigat överst på topplistorna. Trots att nästan hälften av låtarna passerar femminuters-märket, Under The Pink sålde över 2 miljoner enheter världen över och cementerade Amos som en av eraens mest originella låtskrivare—ett självmedvetet uttalande från en artist nu fullt medveten om sina krafter.

Boys For Pele (1996)

Med vulkangudar, diande av griskultingar och Lucifer själv, är det rättvist att säga Boys For Pele är ett verk av en psyke förbannad på rådande förhållanden. Sönderfallande relationer och män som i allmänhet var rövhål tvingade Amos att ompröva patriarkatet och i processen sitt eget hantverk. Resultaten var hennes mest obevekliga och spännande skiva. Hennes första självproducerade släpp, Amos tredje album kastar djärvt in cembalo, jazzlicks och till och med några industriella beats över en 18-spårs odisseé som ingen annan.

Svår att greppa för vissa fans på den tiden, har skivans djärva karaktär och feministiska influens bara nyligen börjat uppskattas fullt ut, en 33⅓ series essä dedikerad till detta seminala släpp är för närvarande under arbete. Med spårnummer som refererar till egyptisk mytologi och psykedeliska droger som hjälpmedel i skrivprocessen, finns det mycket att packa upp. Det är en fängslande lyssning, som Amos berättade för Daily News då: “Ibland skulle vreden få mig att ta ett steg tillbaka, jag började leva dessa sånger när vi separerade. Vampyren i mig kom fram.” Det är hennes vildaste konstnärliga uttalande i en karriär fylld med stora idéer.

Scarlet’s Walk (2002)

I sin första samling nytt material detta århundrade, visade Amos att hennes öde inte var knutet till hennes samtidiga eller hennes tidigare skivbolag, och valde att släppa ett konceptalbum som utforskar Amerika efter 9/11. En ljudlig bilresa av sorter, Amos sjunde studioalbum ser henne anta rollen av den titulära Scarlet när hon utforskar sitt hemland. Det finns glamour, indianhistoria, erotik, flygplan, taxibilar och en hälsosam mix av det heliga och det fördömda.

Efter att ha spenderat över ett decennium med att turnera världen över, tog Amos denna möjlighet att utforska den varierade historien om USA och dess karaktärer på ett sätt som är lika biografiskt som fantastiskt. Märkbart en ny fas i hennes karriär, är det en mer avslappnad lyssning jämfört med hennes tidigare verk, men en som belönar publiken med upprepade lyssningar. Den gamla elden har ersatts med en känsla av nostalgi och över tid blir Scarlets resa din egen.

Night of Hunters (2011)

Julaftnar, orkesterbearbetningar och musikaler har alla fyllt Amos schema under det senaste decenniet. Hennes passion för experimentering har aldrig vacklat, med Night of Hunters som kanske står som hennes mest unika släpp på de senaste 15 åren. Genom att ta inspiration från ursprungliga kompositioner av Chopin, Bach, Schubert och fler, ombearbetade Amos några av deras mest ikoniska stycken och lade till sina egna signaturteman om moderskap och mytologi. Genom att välja ut sina favoritmusiker från exempelvis Berlin Philharmoniker, är Amos 12:e släpp en pampig lyssning, en som fångar naturens mystiska kraft med lätthet.

Hennes första album som verkligen släpper moderna inslag, dess 14 akustiska spår framhäver bara vilken otrolig pianist ikonen är. Tre decennier in i en karriär som rättvist kan beskrivas som klassiskt korsning, är den dystra Night of Hunters finner låtskrivaren för första gången fullt omfamna etiketten. Vid tidpunkter svävande, vid andra tårframkallande—Amos visar än en gång att oavsett skepnaden är hennes förmåga för en emotionell koppling till sin publik sällan matchad.