'Heavy Lights' robusta samarbeten och lager av historier

“Jag tycker bara att efterklokhet är ett verktyg som alltid bör vara skarpt,” säger hon till Vinyl Me, Please.

Hon har också tänkt mycket på sin egen konstnärliga historia. Remy startade U.S. Girls 2007 och drev det som ett solo-projekt i nästan ett decennium, samarbetade med andra musiker och studioarbetare för sina inspelningar, men framför allt uppträdde hon live på egen hand. Allt förändrades dramatiskt för In A Poem Unlimited, där Remy tog med ett 20-personers team av sessionmusiker på inspelningen och spelade sedan låtarna live med en åttapersoners ensemble. U.S. Girls-shower gick från Remy i rampljuset till en explosiv jamboree med vilda gitarsolon, robusta bakgrundssång och en tjutande saxofon samt en hypnotisk rytmsektion.

Det var plötsligt inte bara ett soloäventyr utan en fullfjädrad band, och Remy ville föra den live-känslan in på sin nya skiva, Heavy Light. Medan en Poem-låt som “Time” låter avslappnad och ledig, så var den plattan faktiskt inspelad med nio personer över tre dagar och sedan omarbetad i månader; alla överdubs, bakgrundssång, vokalproduktion och många av de komplementära instrumenten spelades in separat.

“Det var en verkligen berörd skiva,” säger Remy. “Jag visste att jag inte ville göra det där igen; jag ville verkligen skapa ett album där allt spelades in som det är... För detta hade vi faktiskt 15 personer som spelade in samtidigt. Vi gjorde inspelningen av skivan på åtta dagar, så allt som finns på den skivan gjordes på åtta dagar av de personerna.”

Samtidigt som hon drev sin ljud framåt på det sättet, ville hon också återkalla de tidiga dagarna av projektet. Låtarna “Overtime”, “State House” och “Red Ford Radio” är faktiskt omarbetade versioner av äldre U.S. Girls-spår, och en av de låtskrivare som Remy arbetade med var hennes långvariga vän Basia Bulat, som hon alltid ville samarbeta med. Ämnet handlar mycket om Remys barndom och innehåller en mängd reflektioner över att bli gammal i förhållande till hennes liv. Men det börjar med den eldiga disco-låten “4 American Dollars,” en låt som humoristiskt förnekar själva idén om valuta mitt i en sviktande ekonomi och en brinnande planet. Det är inte en reflektion över befintlig historia utan en upplyftande reaktion på meningslösheten i materialism — ett försök att positivt påverka våra framtida historier genom att acceptera tidens förgänglighet. Heavy Light är full av täta lager som detta.

Vi pratade med Remy om att lära sig att arbeta med så många bidragsgivare, med en nick till hennes produktiva förflutna och några av de mest konceptuellt intressanta låtarna på Heavy Light. Vår konversation har kondenserats för tydlighet:

Med tanke på att du gjorde det här projektet ensam i så många år, var det en inlärningskurva för dig att behöva styra och vara ansvarig för alla dessa människor?

Ja, jag skulle aldrig ha kunnat göra detta för tio år sedan. Jag skulle ha varit så utanför min komfortzon, det skulle inte ha varit möjligt. En av de viktigaste faktorerna som bidrog till att jag ens kunde göra detta var att ta sånglektioner. När jag började med det, visade det verkligen mig vad jag är bra på, var mina styrkor ligger. Det ökade också verkligen mitt självförtroende, vilket gjorde att jag kunde vara öppen för att arbeta med andra människor.

Min svärfamilj är filmanimation och jag lärde mig mycket av dem kring hur man organiserar människor. Hur man behandlar människor väl när man arbetar med dem så att de är så effektiva som möjligt. Det betyder ett mänskligt arbetschema, det betyder mat, det betyder pauser. Det är bara ett ackumulerande av att samla fler färdigheter, ha mer erfarenhet och bara bli äldre.

Jag vet att du också arbetat med två låtskrivare på den här skivan, Basia Bulat och Rich Morel. Varför valde du just de två låtskrivarna?

Det är intressant eftersom jag återbesökte äldre låtar, så de var också skrivna med andra människor. Men de två huvudlåtskrivarna på skivan, Basia Bulat och Rich Morel, var självklara val för mig. Jag hade skrivit med Rich på Poem, jag skrev “Rosebud” och låten “Poem” med honom, och vi har ett fantastiskt, väldigt lättsamt samarbete.

Med Basia är hon min kära vän och vi hade alltid velat göra en skiva tillsammans och detta presenterade sig äntligen som en tid att göra det. Och hon var ovärderlig i processen. Jag tog mig bort från de människor jag hade arbetat med och skapat skivor med de senaste åren. Jag var medvetet sådan, “Jag behöver utmana mig själv. Jag behöver arbeta med en annan ingenjör. Jag behöver inte arbeta med min man på den här skivan.” För när man blir för bekväm kan man lämna över för mycket till andra personer, eftersom man vet att de bara kommer att ta hand om det.

Så jag ville verkligen rota om mig själv och Basia bor i Montreal och hon hade arbetat på den här studion och hon hade rekommenderat denna ingenjör och det var bara ett fräscht, mycket nytt sätt att arbeta på men också med någon som jag känner och litar på och som jag känner mig trygg med. Så jag kunde inte bara ha rivit upp mig och gått till en slumpmässig studio med en massa människor jag inte kände. Jag behövde någon där som kände mig och särskilt kände mitt tidigare arbete, som pre-4AD-arbete.

Jag gillar verkligen interludierna på den här skivan, de talade ordkollagen. Jag skulle vilja veta var de idéerna kom ifrån och varför du ville inkludera dem på albumet?

Jag gör alltid sketchar eller interludier, jag tycker bara om den formen och jag tycker att det ofta kan vara en palett-rensare för musiken. Men det är så mycket av mig på den här skivan, och jag är så närvarande i den; jag ville verkligen ge lite utrymme till andra människor att prata. Och också verkligen signalera till människor att vi behöver lyssna mer på andra, även om det är svårt. Det finns en kakofoni av människor som pratar och vi borde försöka lyssna.

Jag kom på en lista med frågor eller förslag för dessa människor att svara på. Och jag gick igenom dem med varje person och spelade in dem och tog hem dem och byggde dessa kollage, och jag skulle kunna ha gjort en hel skiva av bara det. Det fanns så mycket material där, så mycket vackert, verkligen rått material. Så jag valde de tre som jag tyckte var mest chockerande, de mest effektiva, som passade in med resten av skivan. Och de är också frågor som folk svarade ganska likt på, vilket jag tyckte var intressant.

Jag vet att de människor du pratar med i de intervjuerna är andra musiker som bidrog till skivan. Men hade du haft intima samtal med dem före dessa sessioner?

Nej. Jag menar med några av dem, eftersom några av dessa människor är mina riktigt goda vänner. Men jag gjorde bara listan med frågor, alla samlades i huvudrummet och sedan kom en person i taget in i sångbåset — jag var i kontrollbåset — och jag ställde frågorna genom talbåset. Och när personen var klar, fick de lämna och gå till pausrummet så att de inte skulle kontaminera de människor som inte gått igenom än.

Så ingen visste vad jag skulle fråga; de visste inte hur djupt eller ytligt det skulle bli. Och det var fascinerande att se de människor som omedelbart hade svar, de personer som tog ett tag att svara, de personer som var väldigt motvilliga och inte ville göra det och uppenbart var obekväma och bara ville komma igenom. Det var några människor som var där inne i 20 minuter, det blev som en bekännelsesstund, de var väldigt engagerade. Och det var några människor som var där i två minuter. Som bara sa, “Nej. Jag vet inte. Jag kan inte komma ihåg.” Det var väldigt avslöjande, det var ett väldigt intressant experiment.

Min favoritlåt på skivan är “Woodstock 99,” som inkluderar en interpolation av Jimmy Webbs låt “MacArthur Park.” Jag undrar varför du ville lägga till en del av den låten där?

Jo, låten handlar om min vän som bor vid MacArthur Park. Så när jag åkte till hans hus, var det alltid väldigt romantiskt. Och jag menar inte det i en sexuell bemärkelse, det är bara en väldigt romantisk plats att befinna sig på när man känner till den låten så väl som jag gör, och det är som “Wow, jag är här, det här är en verklig plats.” Jag brukade alltid föreställa mig hur det var på 60-talet.

Låten handlar om honom, det handlar om en konversation vi hade en gång när jag besökte honom och det handlar om våra liv. Vi föddes några månader ifrån varandra och hade ganska lika uppväxter, vi är båda musiker, men väldigt olika typer av musiker. Vi jämförde och kontrasterade våra liv och Woodstock ‘99 kom upp, och jag hade sett det på MTV och han hade sett det på Pay-per-view.

Och det var en fascinerande konversation vi hade. Det var en väldigt öppen och djup sak för mig. Och det var inte tungt, vi var på en diner. Vi satt bara där, jag var på väg att flyga från L.A. Men det var som att tiden stannade i den här konversationen och jag kände att jag kände honom och mig själv bättre och det signalerade något för mig om de kulturella artefakter som vi konsumerar och hur det formar oss. Och jag skrev låten på planet på väg hem.

Och på slutet sjunger jag om MacArthur Park: “Det är verkligen något med MacArthur Park.” Så när jag tog det till min vän Basia för att arbeta ut ackorden för det, var det som, “Vi kan inte låta bli att lägga till den låten där. Den skriker efter det, den ber bokstavligen om det.” Och den låten skrevs när den ursprungliga Woodstock ägde rum. Den fungerade på alla dessa nivåer, och när vi liksom ploppade dit en liten del av den låten där, verkligen blomstrade det och skapade en struktur för en låt som jag inte har hört många gånger, vilket är att bookenda någon annans låt med din egen.