Margo Price kan inte sättas i en box

Det var inte nödvändigtvis så att det var fantastiskt i början av året, när Prices tredje album, That’s How Rumors Get Started, först tillkännagavs. Men under tiden mellan då och nu blev saker och ting från dåligt till värre. Självklart såg vi inte något av detta komma: inte tornadon som förödde Prices nuvarande hemstad Nashville, inte viruset som dödade John Prine och lade Prices egen man, Jeremy Ivey, åt sidan, inte heller den nuvarande rasekreckningen i Amerika.

Det är mitt i denna förödelse som Price släpper sitt länge efterlängtade uppföljare till 2017:s All American Made, ett som utökar hennes ljudpalett ännu mer för att inkludera fuzzade gitarrer, trummaskinsflourishes och souldiga stöd-körer. Ett skimrande ljust tillflyktsort som förenar country, klassisk rock och blues, är det både en tidskapsel - med nickningar till välanvända album från artister som Fleetwood Mac, Tom Petty och Neil Young - och unikt aktuellt i dess eklekticism och Prices exakta, inga bullshit-lyrik.

Där Midwest Farmer’s Daughter fokuserade på Prices bakgrund och All American Made talade till ett land för närvarande i förfall, hittar That’s How Rumors Get Started en plats i mitten. Högar av självbiografisk berättande finns i överflöd, men de talar mer till den senaste tiden än långt borta, med låtar som “Twinkle Twinkle,” “Gone to Stay,” och “Prisoner of the Highway” som fångar glädjeämnena, frustrationerna och hjärtesorgerna av att navigera världen som en framgångsrik turnerande musiker på uppgång. Även om albumet inte är explicit politiskt, har det fortfarande sina subtila stunder som påminner lyssnaren om Prices orädda engagemang att tala sin sanning, kritik åt helvete. “Du känner inte mig. Du äger inte mig,” sjunger hon på ledande singeln “Stone Me,” lika självständig som hon någonsin varit.

Från våra respektive karantäner pratade vi med Price om hennes mest ambitiösa album hittills, hennes vägran att måla in sig i ett hörn och försöka skapa i ständigt föränderliga krisens tider.

Ljudet och vibben på detta album är en sådan progression från dina första två. Vad påverkade beslutet att avvika lite soniskt med detta album?

Jag visste bara att jag inte ville fortsätta göra samma skiva gång på gång. Jag har spelat i rockband tidigare och jag visste att det bara var en tidsfråga innan jag skulle göra något annorlunda än bara, du vet, mer rotat i country. Och dessutom, countrymusikbranschen har inte direkt varit den mest välkomnande för kvinnor eller minoriteter. Jag vill bryta ut ur det lilla tänkesättet, du vet? Jag älskar countrymusik, men jag älskar inte de organisationer som driver det.

Jag tror att en av anledningarna till att så många lyssnare dras till dig är att du inte är rädd för att kalla dem ut. De första två singlarna du släppte från albumet, “Stone Me” och “Twinkle Twinkle” - du tar nyanserade, välförtjänta skott mot naturen av branschen och hur, även när du blir framgångsrik, det kan fortfarande vara orättvist.

Ja, bara ett slags annorlunda uppsättning problem. Jag menar, självklart är jag verkligen tacksam för min karriär, men det finns många hinder som folk förväntar sig att du ska hoppa igenom och förväntningar och massor av saker som jag personligen inte är villig att kompromissa med eller göra. Det har varit bra på många sätt, men på andra sätt är jag bara redo att förgrena mig musikaliskt också. Jag vill utforska andra genrer - och jag har alltid gjort det. Under de senaste 15-20 åren av att spela gitarr, och ännu längre att spela piano, har jag haft en kärlek för alla olika typer av musik och folk och blues och soulmusik... gospel och punkrock och bara klassisk rock and roll. Jag tror att du inte kan vara riktigt välrundad om du bara håller fast vid en sak gång på gång.

Albumet påminner mig om Tom Petty and the Heartbreakers’ Southern Accents på ett sätt - det finns en tråd av ditt ljud genom det, men det är så eklektiskt. Det finns några country-lutande sånger, klassiska rockspår, soul, new wave... Ville du medvetet att detta album inte bara skulle vara mer rock-lutande, utan mer välrundat överlag i att inkorporera dina olika influenser?

Jag ville definitivt måla en annan palett, ja. Jag hade gjort de senaste två albumen med pedal steel och fioler och mandolin och dobro. Jag ville göra mer som orgel- och pianodriven grejer, och det finns lite syntar där. Det finns en trummaskin på en låt - det finns organiska trummor på det också - men på “Heartless Mind” är det första gången jag införlivade trummaskiner.

Jag ville förändras innan spelet förändras. Du ser dessa genrer som blir riktigt populära - jag jämför det lite med Alabama Shakes och soul-explosionen som hände under deras tid där alla jagade det ljudet och folk ville signa band som var som dem och det blev lite trendigt att göra det - som, till och med vita människor som gör blåögd soul. Men efter ett tag är det något annat som kommer i stil. Jag tror att det är viktigt att förgrena sig, och jag behövde det mentalt. Jag behövde ta ett steg tillbaka och skriva annorlunda. Jag hade gjort mycket självbiografiskt berättande, så det var bra att bli lite mer abstrakt. Några av det är självklart baserat på mina personliga erfarenheter, men jag tror inte det är lika lätt att alltid säga vad jag talar om på detta album.

Förutom mer abstrakt berättande, finns det många sånger som är mer omedelbara än dina tidigare album som dokumenterar och tar lager av de sätt ditt liv har förändrats under de senaste åren. Har du en preferens mellan att skriva om saker som de händer eller skriva om det avlägsna förflutna när du har mer avstånd mellan dig själv och ämnet?

Det hjälper verkligen att ha utrymme och reflektion i det du gör. Som “Letting Me Down” skrevs till en gammal högstadiekompis till mig, och min man skrev en vers till en gammal högstadiekompis till honom. Det var något som jag inte hade tänkt på på ett tag, men det var väldigt terapeutiskt. Jag finner mig själv nu, när jag sitter ner att skriva under denna galna tid i historien - det är svårt att veta vad som kommer att hända. Dag för dag förändras saker så snabbt och du vet verkligen inte hur det kommer att sluta. Så, det är lite svårt att skriva om något när du är mitt i det. Tre dagar kommer att gå och några nya nyheter ur det blå träffar och vad du skrev är inte ens relevant längre.

Du hade ett otroligt stöd-band på detta album - Benmont Tench, James Gadson, Matt Sweeney, Nashville Friends Gospel Choir, för att nämna några. Hur var den inspelningsprocessen, och hur påverkade de riktningen dina låtar tog när ni alla spelade in?

Jag hade så mycket roligt att spela med Matt Sweeney och, såklart, James Gadson är en fullständig legend, tillbaka till Aretha Franklin och Bill Withers, och han spelade med D’Angelo. Han var bara så professionell och så positiv och rolig att arbeta med. Han satt bara bakom trumsetet och reste sig inte om vi inte skulle äta lunch. Han satt där, engagerad, körde tåget.

Och det var verkligen roligt att vara i ett utrymme på East-West Studio eftersom det var som om vi bara spelade i ett litet rum tillsammans. Jag kände att allting bara klistrades, även om de inte hade hört sångerna innan - jag skickade inte många demos eller något. Vi gjorde lite förproduktion och det fanns några saker, men mestadels skulle jag bara sitta ner med en akustisk gitarr i kontrollrummet och spela det, och då skulle jag säga, “Denna låt vill jag ha en Springsteen vibe.” Eller, “Denna låt vill jag ha en Fleetwood Mac vibe eller Neil Young” - vad som helst referensen var. Sedan skulle de bara helt naila det. Det var verkligen ansträngningslöst och inspelningsprocessen var naturlig.

Det finns sånger på albumet som verkar som hyllningar till dessa klassiska band. “Stone Me” känns påminnelse om Tom Pettys “Won’t Back Down;” “Prisoner of the Highway” känns som en uppdatering av Trios “Wildflowers” - allt genom din egen lins. Gick du in i några spår med avsikten att referera till andra artister, eller skrev du bara och, när de utvecklade sig själva, upptäckte du att de tog på sig liknande former?

Jag brukar skriva ner tre eller fyra referensspår. Jag vill inte bara helt ta en sång och rippa den - även om, bra öra på “Stone Me” och “Won’t Back Down.” Den, faktiskt, spelade jag mer tungt med mitt band och sen kom den ut lite mer dämpad och jag var som, “Jag vet inte...” De flesta spåren blev som jag föreställde mig, men några av dem kom väldigt annorlunda. “Heartless Mind” - jag trodde att det bara skulle ha en rak, gitarrdriven Heartbreakers vibe. När vi fick allt på det, var jag som, “Åh, detta är som Blondie eller The Pretenders.” Det var så inte vad jag förväntade mig, men jag älskade det verkligen.

Men, ja, jag skulle bara tänka på några som en referens för dem av vad jag gick för. Jag kände att det var hjälpsamt att ge någon typ av, “Okej, det här är vad jag vill att du ska låta som.” Jag hoppas att jag inte är för avledande. Det var en bra sak också att ha Sturgill och Bryan David R. Ferguson, att säga att detta låter lite för mycket som detta och vi skulle byta upp saker, bara för att se till att inget var för mycket av en throwback eller för avledande.

Du har spelat med Sturgill tidigare, men hur var det att ha honom producera albumet?

Det var fantastiskt. Jag hade lite trepidation att gå in i det. Jag visste inte om det skulle förstöra vår vänskap eftersom jag kan vara ganska åsiktsfull och jag har en mycket tydlig vision för vad jag vill göra. Men Sturgill fortsatte bara att säga “Låt mig göra ett album av dig. Jag lovar att det kommer att bli det bästa. Det kommer att vara det bästa ljudande saker du någonsin gjort.” Han var bara så ivrig att göra det, och han var fantastisk att arbeta med i studion. Han tog in David R. Ferguson, en ingenjör som var bra vänner med Johnny Cash och Jack Clement. Vi hade alla en fantastisk tid, bara skämta och skratta och äta mycket mat, eftersom jag var gravid. Det var verkligen bra att komma in i rummet och bara ge lite, ge dem tyglarna, på ett sätt, för att säga, “Hej, vad händer om vi skrev en liten brygga här?” eller, “Behöver du åtta verser till denna låt?” Och ibland är svaret ja, men ibland var jag som, “Okej, jag antar att vi kan göra det lite mer koncist.”

Du har tidigare talat lite om hur inspelningsprocessen när du var gravid var en sådan annorlunda upplevelse, särskilt i meningen att ha en mycket tydlig vision.

Jag förväntade mig definitivt inte att bli gravid. Det var som precis när vi hade samtal om att gå in. Vi hade pratat om att spela in ett tag, men så fort jag verkligen fattade beslutet att gå in där och börja allt igen, var det då jag fick veta att min man och jag väntade. Jag hade varit nykter i ett par månader bara för att jag ville; min man fyllde 40 och vi var som, “Vet du vad, vi borde ta en paus och bara bli riktigt klarhjälpda ett tag.” Så jag hade varit nykter i två månader, och sen märkte jag att jag var gravid. Jag hade redan en slags mycket klarhjälpt ny sak på gång. Och sedan naturligtvis, förstärkte graviditeten verkligen det.

Jag känner att det finns en enorm koppling mellan den kreativa processen att spela in ett album och bära ett barn. Processen tar så lång tid, den börjar liten och sedan växer allt och bygger och det blir ditt mästerverk vid tidens slut, förhoppningsvis. Det var fantastiskt. Jag hade inga problem att sjunga. Självklart, i slutet, när jag var över nio månader gravid, hade jag lite problem med att få ett bra andetag, men jag hade inget annat än tid. Vi jobbade bara på detta. Det fanns ingen deadline, och jag kände att jag kunde få allt perfekt. Det är lite som att bona också, att vara ganska specifik om mixningarna och allt det där.

Din musik har alltid varit politisk, särskilt i att inramna sätt där det personliga är politiskt. Med tillståndet av världen som det är just nu, var ser du rollen av konst och musik som ett medel för att göra förändringar till det goda, eller åtminstone som en tillflykt av slag för människor?

Jag har definitivt själv lyssnat mycket på musik, så jag kan relatera som lyssnare och som musikfan att det gör stressen lättare i verkligen osäkra tider. Det blir svårt att tänka på hur jag måste dela och marknadsföra det här albumet just nu när det finns så många andra saker att prata om. Men samtidigt vet jag att fler människor lyssnar på musik nu än de har gjort på riktigt länge. Jag tror att vi inte hade haft utrymme att ens göra det. Du vet, alla var så distraherade, levde i denna 15-minuters värld. Det är bra att veta att konsten hjälper människor. Jag hoppas bara att folk inser att artister behöver deras hjälp just nu eftersom det är svårt att försörja sig när alla kan se ditt media gratis. Det tar mycket pengar, och vi måste ta hand om våra artister i denna dag och ålder, helt klart.

Foto av Bobbi Rich