Ljud av introspektion: Bicep om deras nya album 'Isles'

Deras andra album Isles fortsätter Biceps tradition, och för fram deras talang för att gräva fram skivor och musikaliska tolkningar när de samplar esoterisk R&B och mjuka discorytmer tillsammans med malawiska sångare och Bulgariens stats-TV:s kvinnliga vokalkör. Med hjälp av Biceps psykedelia och melodiska manipulation får du att känna heligheten i dessa sällsynta skivor. Och även om varje lyssning kommer att framkalla en annan emotionell resa för varje lyssnare, låter för mig Isles som en hemsökt eufori.

VMP talade med dem inför albumsläppet för att diskutera techno, deras kreativa process och den märkliga upplevelsen att bli viral på TikTok.

VMP: När började temat för Isles komma in i bilden?

McBriar: Efter att vi avslutade albumet. Det kom genom reflektion. Efter att ha diskuterat de saker som inspirerade och påverkade oss, såg vi på spåren och insåg att de var en hybrid av de öar vi bott på: England och Irland. Vi närmar oss halvvägs punkten av vår tid på båda, så det är logiskt. Vi såg bara influenserna av tidig irländsk klubbmusik, alla technoklubbar och timmar av lyssnande på trance på radion, samt irländsk folkmusik. Sedan flyttade vi till London, där vi möttes av garage, drum & bass och jungle - saker som vi aldrig riktigt upplevt i Irland, eller kanske bara lite av det. Albumet reflekterar definitivt influenser från båda sidor av spektrumet. Med Isles, så fort vi uttalade det och tänkte på det, började det verkligen ge mening.

Var techno stort i Irland?

McBriar: Ja, enormt. När vi säger “enormt,” var det fortfarande extremt underground. Det fanns stora kvällar på Shine [en av Belfasts mest legendariska klubbar] där de hade runt 3,000 människor, och det var bara galet, aptiten för det. Det var en sådan intensiv upplevelse mot bakgrund av ett mycket konservativt Irland, där inte mycket intensivt händer.

Ferguson: Belfast var, på många sätt, efter resten av världen, så att ha denna framåttänkande techno var galet för oss när vi var barn; det påverkade oss starkt och var startskottet för vår kärlek till att gräva och leta efter musik. Det ledde till att vi DJ:ade och genom det upptäckte vi alla möjliga sorters musik. Det var en verklig katalysator eftersom vi båda innan dess var riktigt inne på rockmusik.

Varför tror du att techno var så tilltalande för människor som bodde i Irland då?

McBriar: Vädret (skrattar). Men nej, jag tror det är transcendensen. Du kan också släppa ut lite aggression. Det är så mycket politisk oro, vädret är inte bra. Och med techno är det musik för att stänga av hjärnan. Det finns inga sångtexter, bara fem timmar av att gå till en annan planet. Jag tror att det är därför techno är så populärt för många människor, det är en chans att verkligen koppla ifrån och gå in i sitt eget rum. Det gjorde verkligen mening i Irland då. Jag minns känslan av att gå in och uppleva ett par tusen människor i ett rum, alla med huvudena nere i becksvart mörker, och för första gången — vi var 17 — det var bara bländande.

Fanns det många andra miljöer där ni kände en sådan avsaknad av spänning mellan katoliker och protestanter i Nordirland?

Ferguson: Nej. Nästan allt annat i Nordirland är politiserat, det är svårt att tänka på något som inte är det. Även hur staden är uppdelad i olika distrikt som domineras av den ena eller andra religionen. Det var galet, skillnaden du kände på klubben. Inte att vi särskilt sökte efter det, men det kändes verkligen som en motkultur till vad som pågick utanför.

Tror du att det är något specifikt för techno, dess avpolitiseringseffekt?

Ferguson: Problemet är, om du tittar på punk och rock, är så mycket av det politiskt, men med dansmusik skriver du din egen berättelse. Du går in i din värld när du lyssnar till det. Alla får en väldigt annan upplevelse på en nattklubb än kanske någon annanstans. Jag tror att det finns mer introspektion i dansmusik, där du går in i det på ditt eget sätt eftersom det finns många luckor att fylla.

Finns det några särskilda känslor som ni försöker hitta i er musik?

Ferguson: Vi täcker mycket mark. Det finns dagar då en av oss är arg, eller glad, eller ledsen, eller vad som helst. Vi diskuterar det inte, vi bara jammar i studion konstant, och sedan är resultatet av två olika personer som jobbar vad som kommer ut. Vi har regelbundet folk som säger att vår musik är en blandning av glad och ledsen; upplyftande men ändå vemodigt. Vi är på en nivå där vi kan se det ganska starkt, trots att det inte är något vi aktivt strävar efter. Det är något som naturligt kommer fram, det måste vara något som bara finns inom oss. Det är fortfarande skrivet på ett sätt för människor att tolka det på sitt eget sätt och gå på sin egen resa med det, så att de kan placera sin egen berättelse. Det finns futuristiska scener, med några av de ljud från det förflutna — de grejer vi växte upp med. Vi har en naturlig förkärlek till gamla ’80-talssynthar.

McBriar: Vi vill aldrig leverera något helt sött eller totalt mörkt. Det är spänningen mellan dessa känslor. Varje gång vi har ett spår som känns som att det går åt ett av dessa håll, ser vi till att driva det någon annanstans. Det finns ungefär fyra eller fem versioner av varje spår på albumet, och vanligtvis tar första versionen det i en ganska grundläggande riktning, sedan tar vi lite tid och närmar oss det från en annan vinkel, sedan försöker vi skulpturera den här mångfacetterade saken. Naturligtvis, eftersom vi är två, är vi väldigt sällan på samma sida.

Finns det någonsin någon konflikt mellan er två när ni skapar musik?

McBriar: Ja, det är inte så mycket konflikt, men om en av oss är mycket emot ett visst element måste vi ta hänsyn till att någon annan som lyssnar också kan vara emot det. Om vi båda inte tror på det, kommer det inte vara en idé vi vill hålla fast vid. Det kommer från att vi båda arbetat i designbakgrunder och förstått att inte bli för fäst vid dina idéer eftersom någon i någon avdelning kommer att förstöra dem. Om du blir för fäst vid en viss idé eller vision, håller du det för nära och det påverkar det övergripande slutliga resultatet. Vi justerar och ifrågasätter och anpassar oss ständigt. Förhållningssättet måste vara samarbetsvilligt, och det finns inget utrymme för att vara självisk. Det är musikens ethos i alla fall, vi försöker dra influenser från överallt. Det är menat att vara öppet och utåtriktat. Vi har samma förhållningssätt mellan oss. Vi håller det avslappnat, vi mobbar inte den andra personen för att få vår poäng fram. Vi gjorde 150 demos, och om en av oss inte gillade spåret, skulle det skrotas.

Efter att ha turnerat med ert debutalbum så mycket, påverkade det hur ni gick in i skapandet av detta andra album?

Ferguson: Ja, definitivt. Från liveshowen lärde vi oss mycket om vad som fungerar och vad ett spår kräver för att ha lång livslängd. Vi upptäckte när vi skrev många dansspår när vi var yngre att när vi försökte sönderdela spåren, var de bara så bra som summan av dess delar. Våra spår verkade bara fungera som en komplett idé, och ju mer vi inledde liveshowen, desto mer insåg vi att delarna behövde vara lika viktiga som hela summan. En melodi behövde vara stark nog att isoleras eller passas in med ett annat trummönster för att fortfarande fungera.

McBriar: Nu försöker vi återuppfinna våra spår på nya sätt, samtidigt som vi kan få dem att låta som samma låt. Vi upptäckte verkligen att några spår bara inte tog isär sig ordentligt, medan några andra låtar vi skrivit gjorde — och dessa är de vi strävar efter. De vi verkligen kan bryta isär och spela live. Vi vill inte att spåren följer en rigid formel, vi vill att de ska vara flytande och öppna. Spåren kommer att ha ett andra liv när du ser oss live.

Hur viktigt är sampling för er musik?

McBriar: Även under de tidiga bloggdagarna, valde vi ut hiphopspår och forskade efter deras samlingar. Resan att hitta originalsamlingarna och se hur en musiker tolkade dem är en enorm inspiration för oss. Vi älskar att vara öppna och dela musik. Våra spår är inte beroende av samlingarna, och det finns inget att dölja. Vi vill att folk ska höra originalmusiken, och vi vill vara tydliga med musiksamplingarna vi använt. Vi har en webbplats där du kan läsa om alla samlingar vi har använt på detta album, eftersom vi verkligen ville betona varför denna musik har influerat oss.

Skulle ni säga att ni tar det underground till massorna?

McBriar: Vi gör bara vad vi gör. Vi kommer definitivt från en mer underground kultur, och vi lutar inte riktigt mot det mer kommersiella. Det är fantastiskt om det kopplas på den nivån, men det är inte anledningen till att vi gör det. Vi vill bara göra musik på det sätt vi vill göra den. Med Ninja Tune [Biceps skivbolag], tvingar de dig inte att kompromissa. Vi levererar musiken och de säger “Vi får det att fungera.” Du känner aldrig att du försöker uppnå något kommersiellt mål, det är aldrig en intention. Med plattformar som Spotify tenderar folk att lyssna på mer experimentell musik och är öppna för musik som är mycket mer udda, eftersom algoritmen har fått dem att uppmärksamma det. Du har människor som inte riktigt är inne på dansmusik eller som kanske inte skulle gå till skivbutiker för att gräva och lyssna på vad vi skulle betrakta som mer underground musik. Det är bara dansmusikens natur de senaste åren. Det finns klubbar i Grand Theft Auto som spelar underground dansmusik. Om du hade sagt det till mig som barn, skulle jag säga att det var den mest kommersiella formen av någon musik — att ha en klubb i ett datorspel.

När ni började, fanns det inte många uppenbara sätt att upptäcka underground musik, så er blogg hade ett syfte där. Hur känns det nu när underground verkligen verkar vara i samtal med mainstream?

McBriar: Det är allt upp till sociala medier och hur det har utvecklats. Det är svårt att tänka på något som verkligen är underground längre eller som inte har exponerats. Världen är så hyperansluten nu, men när vi startade bloggen på universitetet, kändes det verkligen som sitt eget lilla hörn av internet. Det är därför liveshowen är så viktig nu också, för i våra huvuden vet vi att folk känner till musiken, men det enda sättet de kommer att få uppleva vår tolkning av den är i en klubb- eller festivalmiljö. Vi vill skapa dessa små ögonblick i tiden på det sättet, för åtminstone ger det dig något som inte är tillgängligt vid varje ögonblick.

Ferguson: Alla vill ha allt nu.

Eftersom ni kommer från en kultur av grävande — som jag tycker är ett riktigt speciellt sätt att binda till musik — tror du att den bindningen kompromissas när musiken bara serveras till dig på en algoritmisk bricka?

McBriar: Det finns flera sätt att se på det. Nu har fler människor tillgång till mer musik, det är förmodligen en bra sak. För fyrtio år sedan fanns det människor som bara skulle lyssna på topp 10 och mainstream radio, men nu hör fler människor dessa grejer. Men det behöver definitivt läggas mer fokus på underground och rariteter. Vem vet vart strömning kommer att gå, hur länge den kommer att hålla, eller hur länge artister kommer att hålla sin musik där, men jag vet att artister behöver få mer från dessa plattformar.

Jag är intresserad av att veta hur TikTok har påverkat er sedan ert spår “Glue” blivit viral på plattformen?

McBriar: Vi hade hört talas om TikTok, men ingen av oss har det eller vet något om det. Vi har lärt oss om det nyligen eftersom vi visste att spåret hade exploderat. Det är ganska intressant, idén om något som är viral. Ursprungligen betydde en viral video att den bara skulle delas många gånger medan videon förblir densamma, men ett faktiskt virus muterar. Med TikTok kan musiken omtolkas med olika visuella varje gång den delas om, och det är mycket närmare den ursprungliga definitionen av viral, eftersom den alltid förändras. För oss kan du inte hjälpa men tänka, wow, så många människor har omtolkat vår musik. Det är en plattform som är byggd för det, där saker kan ta sin egen liv.

**Trots de många omtolkningarna, alla videor jag har sett på TikTok som använder ert spår, följer alla samma sorts vib. En slags smärtsam nostalgi.**

Ferguson: Det är roligt. Folk har använt sången för att banda tomma gator under pandemin, och det har lockat ännu mer nostalgi från folk — vad de saknar och vad de har förlorat. Det är fullt ut emo. Men vi associerade definitivt inte så starka känslor med “Glue.” När vi skrev den, placerade vi den mer i den glada änden. För oss är det skönheten med instrumental musik, att folk kan hitta sin egen mening med den.

Vad fick er att vilja återbesöka er Bicep blogg under lockdown?

McBriar: Vi hade pratat med Olly, en av våra chefer, om det, men vi märkte att det var väldigt annorlunda den här gången. Du kämpar ständigt för att få folk att ens gå på bloggen. Tekniken har blivit så beroende av att driva folk till den, till den punkt där det inte längre är vettigt. Tidigare hade det blivit en sorts destination för bloggaggregatorer, så du behövde inte riktigt anstränga dig för att få folk dit. Nu känns det som mycket bara för att få folk att läsa ett inlägg. Om vi hade postat något på vår Instagram, skulle det ha fått mycket mer interaktion. Bloggen känns bara som en daterad teknik, vilket är lite ledsen för vi tyckte alltid om att skriva om musik, tillhandahålla kontext för den och försöka föreställa oss hur artisten som skrev den kan vara. Det kan vara långt från sanningen, men bloggen kändes alltid som en bra plats att måla dessa bilder, det kändes som en fanzin för oss. Det är något som har förlorats i internet- och sociala mediekulturen.

Jag undrar hur det känns att planera en albumrelease utan att veta vad tillståndet i världen kommer att vara när det släpps?

Ferguson: För att vara ärlig, var det bara bra att sätta ett datum i sten, för annars kunde det ha varit oändligt. Musiken måste fortfarande kännas färsk för oss, och att försena den skulle ha varit skadligt för oss att behöva prata om det eller spela det live. Vi kanske inte hade känt oss anslutna till skivbolaget.