av Rudolph Santarromana
Jag vill att ni alla ska uppleva lite ny musik i helgen. Ta ditt Vinyl Me, Please-album för månaden, din cocktail och sätt dig i ett rum med ett fönster. Placera nålen i skåran och lyssna på ett komplett album. Sätt telefonen i flygplansläge och koppla bort från världen.
Vi lever i en alltmer digital värld. Vi är vana vid att få det vi vill ha omedelbart. Du kan få vilken information du behöver inom några sekunder, och dagens barn kommer inte att veta hur det är att faktiskt äga en ordbok eller behöva lära sig att göra något utan en hjälpsam Youtube-video. Har du någonsin velat lära dig en låt på gitarr eller piano och letat upp noter eller ackord utan att någonsin sätta dig ner och försöka lära dig hela instrumentet? Jag erkänner att jag har gjort det förut. Vi fastnar i en fälla där vi är så fokuserade på slutmålet att vi ibland kan glömma hur viktig resan eller upplevelsen som helhet är. Men det är den resan som skapar dagens musikaliska genier. Detta holistiska synsätt på musik är inbäddat i Suzuki-metoden för musikutbildning.
Vad är Suzuki-metoden, undrar du?
Suzuki-metoden är baserad på hur vi lär oss vårt första språk som spädbarn (det kallas också 'modersmålmetoden'). Vi har ingen förförståelse för språk som grund, men ändå lär vi oss att förstå språk. Detta görs genom att börja i ung ålder och omge barnet med en miljö som de kan imitera. Vi pratar med bebisar och lär dem namn genom att upprepa 'mamma' och 'pappa' åt dem tills de imiterar dessa ljud och säger 'mamma' och 'pappa'. Istället för att säga att barnet har fel, leder ständig positiv förstärkning av dessa små vinster till att barnet sakta förbättrar sina färdigheter, tills 'mamma' blir 'mor' och 'pappa' blir 'far', och detta sker innan de ens lär sig läsa. När det finns en grundläggande förståelse, börjar barnet att läsa och skriva. Det finns inga tester, nivåer av prestation eller mått på behärskning i sättet vi lär oss språk, och detta är hur Suzuki-metoden lär ut 'musikens språk'.
Chicagoinfödda Andrew Bird är en samtida musiker som vuxit upp med Suzuki-metoden och visar vilken typ av musiker denna metod kan utveckla. Han började spela en version av fiolen gjort av en skokartong vid fyra års ålder. Enligt Bird:
”Jag är verkligen tacksam för att Suzuki-stilen jag växte upp med var ganska trogen 'inlärning genom att lyssna' och 'modersmålkonceptet'. Det har haft en enorm påverkan på vilken typ av musiker jag är.Om betoningen skulle ha varit på att läsa musik, tror jag att jag skulle ha blivit annorlunda. Noterna fanns där framför oss men de var bara en del av ceremonin att spela. Det var rent av genom örat. Sedan hade vi grupplektioner och privatlektioner en gång i veckan och det var väldigt socialt. Min mamma var mycket engagerad. Hon kom till allt och hon började faktiskt spela (fiol) med mig det första året.
Jag är mer tacksam för Suzuki-metoden än någon annan musikmöjlighet jag har fått.
Musikaliskt sett är det viktigaste med det att, eftersom jag inte lärde mig att läsa musik direkt, skapade jag en direkt koppling till det som fanns i mitt huvud. Det gör att musiken inte bara går in i örat utan också kommer från mitt huvud och in på mitt instrument. Och som författare, kompositör och improvisatör—när jag tog steget från klassisk repertoar till folkmusik eller jazz under åren, var det inte ett stort steg. Och jag såg andra musiker runt omkring—folk på konservatoriet—som inte kunde röra sig åt vänster eller höger utan de skrivna noterna.”
Med en loopbräda, flera instrument och en förmåga att vissla vilken melodi som helst, är han verkligen en enmansorkester som får inspiration från allt som omger musik. Bird förklarar i sitt TED-samtal hur till och med saker som 'självdestruktiva' feedbackloopar som uppstår när en mikrofon och högtalare är för nära varandra kan inspirera honom, som i låten ”Eyeoneye”. Enligt honom handlar låten om “personer som varit så framgångsrika med att skydda sig själva från hjärtesorg att de slutar med att göra skadan själva.” Utöver låtskrivandet ägnar han särskild uppmärksamhet åt detaljer när det gäller sina liveframträdanden. Akustiskt har varje spelplats sina nyanser i det ljud som produceras, och för musiker som Andrew Bird spelar dessa nyanser in i varje framträdande. Enligt Bird, “När jag nu är på turné och spelar på en annan teater varje kväll 'stämmer' vi rummet, jagar basfällorna och stående vågor för att ge lyssnaren det mest jämna och breda ljudspektrumet. Det finns vissa frekvenser som resonerar medan andra är livlösa. Ibland vägrar rummet att ge efter och jag måste överväga att spela andra låtar som fungerar i det rummet” (www.AndrewBird.net). Andrew Bird ger sig ut på en världsturné turné denna vår, och om han kommer till ett område nära dig, rekommenderar jag varmt att du går och ser honom.
Denna vinter återupptog Andrew Bird sina intima “Gezelligheid”-framträdanden (det holländska ordet översätts ungefär till 'mysigt' eller 'pittoreskt') fyra kvällar i rad i Chicagos Fourth Presbyterian Church, och jag var där. Det var inte första gången jag såg honom live, men jag skulle säga att det var min favoritföreställning. Innan dörrarna öppnades gick säkerhetspersonalen längs kön och bad alla att inte använda sina telefoner för bilder, videor, inspelningar av något slag, eller användning överhuvudtaget—det var trots allt i en kyrka. Och ärligt talat skulle en inspelning inte göra upplevelsen rättvisa. Det vore som att berätta en historia, se den oimponerade blicken på din publik (även om jag inte kan se era ansikten just nu) och avsluta med, ”du måste ha varit där,” vilket vi nog alla har gjort förut, så jag ska spara mig från att gå ner den vägen. Det jag vill säga är att uppmärksamheten på detaljer var tydlig, både akustiskt och visuellt, och de kom bra samman med evenemangets intima atmosfär. Varje show har trots allt en historia knuten till sig som kapslar in hela upplevelsen.
Med idén om omgivningarna i åtanke är “Ett nytt pågående projekt av [Bird’s] kallat Echolocations en förlängning av Gezelligheid där [han] 'spelar för rummet' vare sig det är en kanjon i Utah eller en 1700-talsakvedukt i Lissabon.” Den första i 'Echolocations'-serien släpptes tidigare i år. Echolocations: Canyon spelades in i Coyote Gulch-kanjonen i Utah. Lyssna noga, så kan du höra ekot mot stenkanjonens vägg och vad som låter som en ström av vatten på marken i denna ambienta komposition. Framtida planerade delar av Echolocations inkluderar: River, City, Lake och Forest.
Creating of Echolocations: Canyon
Soundcloud of Echolocations: Canyon
Andrew Bird fortsätter att skapa och spela in musik och är en stor förespråkare för musikaliskt deltagande bland ungdomar tack vare de positiva upplevelser han hade som barn. Bird spelade på The Hideout vid avslutningen av hans Gezelligheid-serie 2015 i Chicago och alla intäkter gick till Andrew Bird-stipendiet som är avsatt för att betala för musiklektioner för elever på Chicago High School for the Arts. Han säger, “Musik gör ditt liv rikare... Det skapar olika människor med olika värderingar. Värderingar som går djupare än strävan efter pengar och materiella ting.”
Så nästa gång du försöker komma någonstans, tänk på din resa och de fördelar upplevelsen kan föra med sig. Involvera alla dina sinnen och var närvarande i ögonblicket. Dessa upplevelser kan leda till något mer fullständigt än vad du ursprungligen hade tänkt dig. För Andrew Bird är musik mer än bara rätt kombination av ljud och instrument—det speglar också dina omgivningar. Musik är trots allt en upplevelse, eller hur? Det är därför vi älskar vinylskivor. Vikten av skivan i våra händer, uppskatta det stora albumomslaget, skönheten i den svarta, rosa, lila, röda eller genomskinliga skivan, och höra de första knastret när nålen hittar skåran, allt låter dig veta att det är på riktigt. En digital telefonskärm kan inte erbjuda en sådan upplevelse.
Gå med i klubben!
Gå med nu, börjar på $44
