När han i mitten av 1970-talet var sideman åt McCoy Tyner, drog denna saxofonist regelbundet jämförelser med sin föregångare Sonny Fortune och den bortgångne John Coltrane. Hans egen Bridge Into The New Age från 1974 för Prestige fortsatte den senare’s tradition på ett utmärkt sätt och förblir en välrespekterad skiva från sin tid. Men vid årtiondets slut hade Azar Lawrence övergått till funk och disco precis som många av sina jämlikar och spelade på skivor av Le Pamplemousse och sin egen kortlivade Chameleon. Hans återkomst till jazzvärlden på denna sidan millenniumskiftet kom som en hyllning till Trane, något som fortsatte genom 2016’s Frontiers med Al McLean. Som sådan håller hans senaste insats Elementals jazzens spirituella idiom i fokus, även om den knappast kvalificerar sig som en retro angelägenhet. Backad av en kvartett som inkluderar kollegan från 80-talet, boogie-sessionmannen Munyungo Jackson och Leno-erans Tonight Show-trummis Marvin Smith, utforskar Lawrence östliga vägar på “Solar Winds” och “African Chant,” innan han återvänder till USA för “Koko.” En trogen hyllning till Coltranes 1962-version av standarden, “It’s Easy To Remember” glider fram med klass och elegans.

Med all respekt för oktetter, nonetter och alla slags ambitiösa storband finns det något så tillfredsställande i att uppleva en högkvalitativ trio i aktion. Visst kan besväret med att samordna en armada av musiker för även den mest grundläggande framträdandet förbluffa både gamla och naiva. Men när en triad presterar på topp, som Theo Hills grupp tydligt gör här, se upp. En bekant ansikte på New York-scenen, pianisten jobbar på stadens olika etablissement, en etik som framgår av hans andra bandledaruppsättning på så många år. Tillsammans med basisten Rashaan Carter och trummisen Rudy Royston, visar han prov på fingertoppskänsla genom en serie original och tolkningar som är fulla av skicklighet. Han hedrar Jaki Byard med en intensiv version av “Cyclic Episode” och kanaliserar pre-Miami Vice Jan Hammer med en fusion av stil för “Thorn Of A White Rose.” På andra ställen går Hill elektrisk för “Retrograde,” en fritt strömmande fest som förstärks av rytmsektionen med en titel som nickar med insiderinformation till en improvisationsteknik.

Vid en nyligen månadslång residency på West Village-redaktionen som delar sitt skivbolags namn, presenterade Robert Glasper en ganska omfattande vy av sitt spann. Från täta trio-datum till stadiga nätter som firar Miles Davis och Mulgrew Miller, växlade bandledaren mellan lägen varannan dag som om han presterade styrkeprover. Mot slutet av körningen tog pianisten fram de stora vapnen, R+R=NOW. Ett samarbete från kust till kust med moderna jättar som Terrace Martin och Christian Scott aTunde Adjuah, denna samling av maestroer skulle var och en kunna och regelbundet leda själva. Alla tillsammans nu, Collagically Speaking firar klanens sammanlagda styrka. Glasper sköter tangenterna, klämtar ner på “Change Of Tone” medan Brainfeeder-alumnen Taylor McFerrin — son till sånglegendaren Bobby McFerrin — och Martin delar på synthesizeransvaret på de flesta låtar, vilket ger kosmiska nöjen som “By Design.” Även med så mycket utrymme upptaget av de tre, gör rytmsektionen bestående av Derrick Hodge och Justin Tyson långt mer än att bara hålla tiden. Och Scott gör givetvis sin grej på trumpet, särskilt imponerande med “The Night In Question.”

Solo basspelning lyser inte upp en klubb på samma sätt som, till exempel, en pianist som arbetar i ett hörn kan göra. Trots den inneboende djupet existerar instrumentet oftast i strukturer som en sofistikerad stödstråle, beundrad för sin ofattbara styrka och smidighet. Inte älskad för ensamma egenskaper, men den dubbla basen i veteranen Barre Phillips händer blir likväl ett föremål av finslipad förundran. Presenterades i tre namngivna stycken som bryts ner i fjärdedelar och femtedelar, End To End visar årtionden av trohet och plikttroget arbete, en dramatisk avslutning på arbete som formellt inleddes med 1968 års Journal Violone. Vad som särskiljer de oroande fängslande sektionerna av varje, som svänger mellan plockade och dragna toner, har mer att göra med Phillips’ val än något som är uppenbart för utomstående. Med tanke på de hypotetiska nyfikenheterna i deras omgivning, känns tvillingarna “Inner Door, Pt. 4” och “Quest, Pt. 4” som en nödvändig ryggrad, upprepade fraser ger stabilitet och spänning. I pauserna framträder hans andning som ett ambient element i den mest Eno-betydelse av ordet.

Chicago skryter med en av de mer ljudligt mångformiga hip-hop-scenerna i landet just nu, med känsliga gatukonstnärer och trap-house-skräckelser som respektive kräver och befriar uppmärksamhet både i sina samhällen och bortom. Bland dem som trivs i den tidigare, följer Noname upp 2016 års kritikerrosade mixtape Telefone med en annan chapbook till en beat. Mer Q-Tip än Ken Nordine, hennes ordjazz blandar personliga berättelser med träffande observationer, hennes insiktsfulla blick ligger ofta på hennes egen bakgård. “Blaxploitation” blottlägger hennes stads hyckleri, nämner South Side och Wicker innan hon breddar sin åtalshandling med nationell skala. Hon gräver ner i detaljerna av 20-nånting sexualitet på titellåten, och ger en skarp insikt om givande och tagande av interpersonella relationer. Kampande med dödlighet och mindre berömmelse på “Don’t Forget About Me” och reciterar ett semi-sekulärt credo över “Regal” tvingar lyssnarna, men instrumentationerna håller dem fast. Vad Noname och co-producent Phoelix har åstadkommit musikaliskt här transcenderar neo-soul-mallens temperament, vilket skapar något särskilt avstämt för de gemensamma känsligheterna hos erfarna jazzkännare och lyriska rapfans.

Från Kendrick Lamars To Pimp A Butterfly till Brainfeeder-album i dess kretslopp kan Västkustens Get Down-inverkan på samtida jazz inte överskattas. Kamasi Washingtons triple-disc triumf The Epic gjorde inte bara honom och hans samling av utmärkta instrumentalister till några av de hetaste namnen inom genren detta decennium, det revolutionerade också samtalet om denna musik från förfluten tid till nutid. Efter några år av att turnera världen i det expansiva albumets seismiska svall, behöll saxofonistens storslagna återkomst denna sommar samma energi. Ett dubbelalbum med en tredje skiva klurigt gömd i förpackningen, Heaven And Earth lever upp till maximalismen som antyds av sin titel. Inspirerad av det kosmiska och klassiska, utvidgar hans senaste samling universumet av hans skapelse. Den fräcka av att leda med en cover av Bruce Lees Fists Of Fury-temalåt döljer en genuin filmisk omfattning till dessa inspelningar, uppenbar på voluminösa nummer som “One Of One” och “Vi Lua Vi Sol.” Vokalgrupper oohar och aarar, när orkestral flair tillför ytterligare prakt till den överdådiga avslutningsceremonin av “Will You Sing.”

I den smärtsamma öppnaren “Vibrations” verkar något diaboliskt spela in. Broar det existentiella avståndet mellan krautrock och hip-hop genom linsen av free jazz, är denna samling av osannolika allierade sysselsatta med något. När beaten faller på “Cyclical / Physical” tar omfattningen av det där något form, MC Dälek droppar poetiska och djupa rader över en noggrant konstruerad, metallisk storm. Saxofonisten Mats Gustafsson, som noise-entusiaster kan minnas från en smashing Roskilde-set 2005 tillsammans med Sonic Youth och Merzbow, gör sin närvaro mer påtaglig på den efterföljande eponymiska låten, gradvis strider mot rapperns knopp som pekar i takt med fellow Fire! trummisen Andreas Werliins rytmer. Orkestrerat på något sätt av Fausts medgrundare Hans Joachim Irmler, Anguish är årets mest oväntade jazzhybrid och, i tyst efterklokhet, dess mest effektiva. Medan hårdrock och indie-rap har gjort denna dans tidigare, ger detta rebelliska försök lekfulla resultat, varje bidragsgivare representerad kompromisslöst. Däleks Jersey-brända röst och Gustafssons övernaturligt skickliga spel dominerar ofta, men även reflekterande instrumentaler som “Brushes For Leah” erbjuder ingen lättnad från den existentiella plågan av affären, en genre-thriller född ur trasiga genrer.

En kraftkälla av ett ställe över musikstilar, har Houston gång på gång visat sig vara ett centrum för jazztalang. I traditionen av samtida spelare som Chris Dave och Robert Glasper, kommer staden igenom med pianisten James Francies. En invandrare i New York med kopplingar till The Roots och Chance The Rapper, leder han sin första fullängdsuppsättning i den ringa ålder av 23. Utöver den ungdomliga energin som är uppenbar över hela dess 11 låtar, uppvisar Flight skicklighet som går bortom åren under sin ungefär en timmes längd, kanske delvis på grund av producenten Derrick Hodge’s medverkan. Med inslag av hip-hop och R&B utförda väl av en besättning befolkad delvis av fellow Houstonians, något som tydligt berättas mitt under den hektiska “Crib,” blandar Francies debut akustiska med elektrisk medan han förblir modern genomgående. Den nästan psykedeliska lugnet i “Dark Purple” kontrasterar med den spännande, backiga “Sway,” även om båda låtarna passar albumets övergripande estetik. En ensam cover, “Ain’t Nobody” manifesteras mer flytande än Chaka Khans briljanta, om än daterade, elektro-original.

Cabaret kan ibland sabotera sig själv, dess intimitet prickad med små fallgropar och brister. I sådana utrymmen lämnas en sångare och en pianist ensamma med lite utrymme för fel, knappt något hörn eller vrå för att dölja brister. Samtidigt ger potentialen för ärlighet en spänning till händelserna, presenterade en nivå av ofullkomlig excellens värt att sträva efter. Och eftersom vi pratar om Cécile McLorin Salvant och Sullivan Fortner, två absoluta ädelstenar i den urbana tuffheten, kommer det senare scenariot i spel. På The Window, deras varma duodatum, befäster 2010 års Thelonious Monk International Jazz Competition-vinnare ytterligare sin status som den bästa vokal-jazzartisten av sin generation. Oförglömliga standarder och showlåtar som Stephen Sondheims “Somewhere” blandas med franskspråkiga favoriter och Broadway-nyfikenheter. I den tredje kategorin ger “The Gentleman Is A Dope” en skarp komisk lättnad före tyngden av Ella Fitzgeralds “Trouble Is A Man.” Oavsett om de är idiosynkratiska eller förväntade, kommer hennes val till liv med förödande skönhet, intensitet och sårbarhet. De få nappar som spelas framför en applåderande publik knastrar precis som de som presenteras utan.

Den unge Minneapolis-innvandraren och tredje generationens jazzman påbörjar sitt album inte olikt ett beat tape, dess “River Song” hörs som prime Dilla. Men låtens gradvisa framträdande som djup kosmisk soul, upplyft av en tidigare Chance The Rapper sångare J Hoard, fångar perfekt Javier Santiagos kompositionella briljans på piano och tangenter. Precis som den mytiska varelsen av dess titulerande ursprung, framträder Phoenix med eldigt tryck, den glödande röda produkten av en studiemedveten utövare. En oförbehållsam uttryckning som varar ungefär lika länge som de flesta Adult Swim-program, titelspåret vibrerar på en högre frekvens, Fender Rhodes är en statslös glädje för vindkontroller och saxofon för att ytterligare berika. Den initiala värdefullheten i “Gaia’s Warning” jämnas snart ut och njuter, medan “Abyss: Light” betonar sin brådska mellan hopp och hopp. Leftfield hip-hop avslöjar sig igen mitt i den galna percussionistiska upptäckten av “Tomorrow,” ett bevis på sin tid som en engagerad beatsmith. Vid albumets avslutning, den berusande och hälsosamma avfärden av “Alive,” är det uppenbart att vi har att göra med någon kapabel av stjärnglans.