En introduktion till Herbie Hancock

Ett år efter att han anslöt sig till Donald Byrds kvintett och spelade på olika ställen runt New York City, skapade Hancock sin egen kvintett och släppte sitt debutsoloalbum, Takin' Off, som hade Freddie Hubbard på trumpet, Dexter Gordon på tenorsaxofon, Butch Warren på bas, och Billy Higgins på trummor. Även om Takin' Off känns tamt jämfört med hans efterföljande verk, visade det att Hancock hade vad som krävdes för att elegant leda ett band, ibland ta ett steg tillbaka för att låta andra glänsa. En mix av afrokubansk rytm och gospel, “Watermelon Man” är en slank, horn-driven komposition fokuserad på en tight groove och framträdande solon (Hubbard har en stjärnprestation här). Sedan finns det “Driftin’,” där Hancock expanderar i ett blues-drivet pianoso, men det känns festligt när det spelas över Higgins stadiga percussion. När balladen “Alone and I” kommer, saktar tempot ner till ett kryp, vilket avslutar albumet på en sensuell ton.

Inspirerad av mysteriet av öppet vatten, följer Maiden Voyage resan av en ubåt och det havsliv den möter längs vägen. Men det handlar inte bara om en plågsam jätte-tub, musiken unpackar även “den graciösa skönheten av de lekfulla delfinerna, den ständiga kampen för överlevnad även för de minsta havskreaturerna, och den fantastiska destruktiva kraften av orkanen,” skrev Hancock i albumets liner notes. Baserat på premissen skulle man tro att det är ett ambientalbum gjort för att vila, men musiken här är mer äventyrlig än den av Takin' Off. Det finns “The Eye of the Hurricane,” en edgy samling av lysande solon från Hancock, trumpetaren Hubbard och tenorsaxofonisten George Coleman. Sedan finns “Survival of the Fittest,” den bästa låten på detta album: Runt sporadiska trumsolon, drar Hancock ljusa och mörka ackord från sitt piano, vilket ger låten sin robusta intensitet.

Efter Maiden Voyage, var Hancock upptagen med att arbeta med Miles Davis som medlem i hans kvintett och hade inte släppt ett soloalbum på tre år. Speak Like a Child var hans uppföljning till Maiden Voyage, och pianisten första utforskning i musik bortom jazz. Innan Miles var Hancock bara intresserad av den genren. Under deras tid tillsammans introducerade trumpetaren honom för rock och funk. “Jag började märka att Miles hade albumomslag med Jimi Hendrix eller kanske [Rolling] Stones eller Beatles,” mindes Hancock en gång. Som ett resultat började han undra om det fanns musik mellan jazz och rock, något med “element av båda men behåller och bygger vidare på sin egen identitet.” Hancock var mer intresserad av ljud än struktur på detta album. Och medan mainstreammusiken aggressivt hade speglat tidens sociala oro, tog han den motsatta vägen, släppte ett album tänkt att avge fred och kärlek.

År 1969 hade Hancock börjat bryta sig loss från jazzen. Rötterna fanns fortfarande där, men han breddade sin musik bortom de traditionella aspekterna av hans tidigare arbete. Hans konst började dyka upp på andra håll: “Maiden Voyage” soundtracked en parfymreklam, och han komponerade musiken till regissören Michelangelo Antonionis 1966-mysterier-thrillerfilm, Blow-Up. Under 1969 spelade Hancock in musik för Bill Cosbys Fat Albert-tecknad serie, och den resulterande LP:n markerade pianistens första jazz-funk-release, en väg han skulle fortsätta på nästa decennium. Givet Hancocks erfarenhet var Fat Albert Rotunda en risk, men cheferna på Warner Brothers älskade det, vilket gav honom den kreativa friheten att skapa Mwandishi.

I början av 1970-talet vände Hancock sin uppmärksamhet mot Afrika - rytmerna, folket och kopplingen hans band hade till det. Han fick namnet Mwandishi - vilket betyder “skapare” på swahili. Det väckte något. Den följande LP:n, Mwandishi, sjöd av tyst intensitet, och dess staplade trummor och texturerad elektronisk rytm var menade som en stödjande hyllning till medborgarrättsrörelsen (“Ostinato (Suite for Angela)” var dedikerad till aktivisten Angela Davis). Albumet har åldrats väl, men det var en kommersiell fiasko vid sin release 1971. De som var skeptiska hade fel; det är lätt ett av hans bästa album.

Mitten av 1973 flyttade Hancock från Warner Brothers Records till Columbia Records. Förutom hiten Fat Albert Rotunda, präglades åren på Warner av sjunkande försäljning och lågbetalda gig. Sextant var det första albumet Hancock spelade in för sitt nya skivbolag, och det sista han skulle spela in med Mwandishi Band. Historien säger att Mwandishi-eran inte fungerade, men när man lyssnar på Sextant är det svårt att förstå varför detta inte sålde bra. Lyssna på den kosmiska funken av “Rain Dance” och den stonade funken av “Hidden Shadows.” Sedan finns det “Hornets,” albumets expansiva 19-minuters mittpunkt. Det kändes som en rymdigt danspärla inspelad någonstans på Mars. Kanske var det lite för utanför för Hancocks fanbas, men med dagens återuppvaknande av soniskt utmanande konst är albumet en outtalad hörnsten i svart musik. Efter utgivningen av Sextant bröt Hancock upp Mwandishi Band och flyttade till Los Angeles med sin fru och unga dotter. Han bildade ett nytt band och spelade in ett album som skulle förändra hans värld för alltid.

När folk tänker på Herbie Hancock, tänker de på Head Hunters; det är lätt det mest hyllade albumet i hans katalog och ett av de mest ansedda albumen i musikhistorien. Enligt historien blev Hancock och Mwandishi Band bokade för att huvudävenemanget en vecka med 16 shower på Troubadour-klubben i Los Angeles. Förbandet var ett nyligen signerat trio vid namn The Pointer Sisters, och de gav en sådan fantastisk prestation att publiken reste sig, applåderade och ville att de skulle fortsätta framföra. Sedan kom Hancocks band ut, och efter en stund började vissa människor lämna. Hancock skapade ett nytt band, och efter några gig runt L.A. och Bay Area gick de in för att spela in Head Hunters. Påverkad av den rå funk-musiken från Sly and The Family Stone, ville Hancock skapa musik i samma anda, något lite mindre tankfullt och mer tillgängligt för bredare grupper av människor. “Jag visste att jag var tvungen att ta idéen på allvar,” sa han en gång 1996. “Skulle jag vilja ha ett funky band som spelade den typ av musik som Sly eller någon liknande spelade? Mitt svar var, ‘Faktiskt, ja.’” Head Hunters var en kreativ kraftansträngning. Den öppnande låten, “Chameleon,” blev en Top 40-hit. Denna version av “Watermelon Man” sampelades av hip-hop och reggaeartister. Och “Sly,” albumets längsta spår, var en formskiftande funk-nedbrytning dedikerad till Sly Stone. Hancocks musikaliska liv skulle aldrig bli detsamma.

Hancocks tidigare album, Monster, var en dansskiva rakt igenom: Ingen tankfull jazz eller funkhybrider fanns där. Efter en serie med disco-orienterade LP-skivor som bara kom och gick, återbesökte Hancocks Mr. Hands lugnet från hans tidigare arbete utan att återskapa liknande av Maiden Voyage eller Speak Like a Child. Hans 30:e album var i grunden en smooth jazz-LP gjord för Quiet Storm-radio. Från det afro-karibiska ljudet av “Calypso” till det hektiska “Shiftless Shuffle,” förutspådde Mr. Hands en annan seismisk förändring för Hancock; hans nästa stora drag placerade honom mitt i en ny genre som kallades hip-hop.

Enligt ett ord: “Rockit.” Future Shock sålde mer än 1,5 miljoner enheter, främst på grund av denna låt och video, som vann fem MTV Video Awards 1984. Medan låten hyllades som en genombrott i de tidiga åren av hip-hop, förvirrade den jazzhuvuden - som vanligtvis har hög respekt för genren och anser allt annat vara sekundärt. Men Hancock skulle inte vara begränsad av mänskliga uppfattningar, och Future Shock - med sina trummaskiner och skivskrap - var ett fullständigt steg bort från allt han spelat in tidigare, vilket återigen bevisade att han var villig att ompröva kursen, även om det alienerade lyssnare.

Joni Mitchell har märkts som en folkartist, även om hon hade spelat in med jazzmusiker i de föregående 30 åren. Hancock kunde förstå detta typ av märkning: Medan han fortfarande betraktades som en jazzpianist, hade han inte släppt ett renodlat jazzalbum sedan 90-talet. De två var själsfränder, och på River: The Joni Letters samlade Hancock en liten grupp likasinnade musiker - sångarna Norah Jones, Corinne Bailey Rae, Tina Turner och Mitchell själv - för att framföra omarbetade versioner av Mitchells arbete, som hyllade hennes stora konst. År 2008 vann den Grammy Award för Årets Album.