De 10 bästa ljudspåren att äga på vinyl

Pretty in Pink

I ett årtionde fullt av fantastiska bästsäljande soundtrack, fångar Pretty in Pink (1986) perfekt vad många av oss minns mest om 80-talet: high school-filmer och cool musik. Soundtracket har artister som New Order, The Smiths, Orchestral Manoeuvres in the Dark (OMD), INXS, Echo & The Bunnymen, etc., ett verkligt uppslagsverk av artister som fortfarande anses vara bland toppen av alternativ/new wave-musik. Filmen handlar om en arbetarklass tjej, Andie, som blir kär i en rik kille, Blane, och den efterföljande konflikten bland deras vänner.

En faktor som hjälper till att ge detta albums varaktighet är hur väl musiken passar med vad som ses i filmen. Bland dessa finns OMD:s “If You Leave,” en radiohit och LP:ns öppningslåt, fylld med blanka synthar, längtande texter, och kopplat till ett minnesvärt filmavslut. Det är en känslomässig höjdpunkt följd av en cool remix av Suzanne Vegas “Left of Center,” ett slags tema för Andies utanförskap. Albumet avslutas med den hjärtskärande “Please Please Please Let Me Get What I Want” av The Smiths, som hörs i filmen mjukt spelandes i bakgrunden med Duckie sittande ensam i sitt rum. Istället för att återuppleva den så kallade lyckliga slutet av filmen påminns vi om Duckies obesvarade kärlek och hur vissa människor inte alltid får det lyckliga slut de ursprungligen ville ha. På detta sätt gör soundtracket mer än att bara kompilera något av musiken som hörts i filmen. Det är den perfekta mixtapen av kärlek och liv samt att vinna och förlora.

Black Swan

Black Swan, regisserad av Darren Aronofsky, är en mörk, vriden film om Nina (spelad till perfektion av Natalie Portman), en hårt tryckt ung kvinna som erbjuds chansen att äntligen bli huvudballerinan i Swan Lake. Redan under enorm stress från sina perfektionistiska tendenser och en överbeskyddande mamma, tar rollen henne bortom bristningsgränsen. Clint Mansell, som har komponerat musiken till alla Aronofskys långfilmer, må ha varit otillgänglig för Oscar-nominering för sin framstående musik, men om det fanns ett pris för bästa adapterade filmmusik skulle han helt klart vinna. Filmen handlar om en Swan Lake-produktion, så naturligtvis innehåller den Tchaikovskys underbara balettmusik. Mansell tar denna musik och sömlöst blandar in en otrolig mängd originalcues och stycken, vilket skapar något vackert och mardrömslikt, bekant och originalt, som förstärker filmens berättelse om denna ballerinas nedstigning i galenskap.

Superfly

Curtis Mayfield var redan en etablerad inspelningsstjärna från sitt arbete med The Impressions samt sitt eget solowork när han komponerade och framförde soundtracket för filmen från 1972, Superfly. Känd för sina socialt medvetna texter, ger soundtracket en kontrast till filmens handling som, tillsammans med andra blaxploitationfilmer av sin tid, verkade glorifiera det kriminella livet. Regisserad av Gordon Parks (regissör av Shaft), stjärnar filmen Ron O’Neal som en knarkhandlare som vill lämna verksamheten efter att han tjänat tillräckligt med pengar för att leva den livsstil han vill ha på den raka och smala vägen.

Medan vi ser O’Neals karaktär etableras som en mäktig man inom sitt valda yrke, rik och framgångsrik med damerna, utmanar Mayfields texter livsstilens attraktivitet. Låtar som “Pusherman” talar om hur knarkhandlarna förtrycker dem som är beroende av dem. Hitlåten “Freddie’s Dead” berättar historien om Freddie, en missbrukare som trycks ner i knarkförsäljning för att betala av sina skulder. Mestadels instrumentala versioner av dessa låtar hörs i filmen så den lyriska påverkan hörs inte riktigt förrän man spelar albumet. Med avslutningen på den fantastiska “Superfly” kommer du genast att vända skivan för att starta den igen.

Saturday Night Fever

Soundtracket till Saturday Night Fever gick platina bara två månader efter att det släpptes 1977, förblev på topplistorna i två år, är ett av de mest sålda albumen genom tiderna, och var det första soundtracket att vinna en Grammy för Årets Album. Så ja, albumet var en monsterlåt när det släpptes. Sex singlar från soundtracket toppade också listorna vilket gjorde musiken oundviklig.

Det går inte att förneka popgeniet hos Bee Gees med hitlåtar som, “Stayin’ Alive,” “How Deep Is Your Love,” “Night Fever,” “More Than a Woman” och “You Should Be Dancing.” Vid den tidpunkten var de ett band i förändring, deras ljud började just utvecklas till disco/pop och det var perfekt timing när de blev ombedda att bidra med låtar till filmen. De skrev också Yvonne Ellimans låt, “If I Can’t Have You,” en annan hit. Filmen är en coming-of-age berättelse om Tony (John Travolta), en ung man från Brooklyn som avskyr sitt jobb, bor med sina föräldrar, och endast får glänsa när han och hans vänner går till en disco klubb på lördag kvällar där han är kung på dansgolvet. Musiken symboliserar glitret och glimten av det bättre livet som Tony vill ha och det är en riktig banger. Från de första tonerna av Bee Gees’ “Stayin’ Alive” till det över 10 minuter långa episka avslutet “Disco Inferno” av Trammps, kommer du att längta efter att fånga en partner, komma ut på dansgolvet och brinna ner stället.

Tron: Legacy

Daft Punk och Tron. Det är en kombination gjord i himlen. Tron: Legacy (2010) är en uppföljare till 1982 års Tron, som fortsätter berättelsen om Kevin Flynn som, efter att ha laddats ner till sin tidigare arbetsgivares huvudram, upptäcker att dataprogram existerar som levande varelser i cyberspace. I uppföljaren får vi veta att Flynn försvann flera år efter händelserna i Tron, och hans son Sam uppmanas att undersöka ett mystiskt meddelande, och hamnar i en virtuell värld som hans far skapade.

Vinylversionen är fantastisk av två skäl: 1) det är freaking TRON och 2) du får sju bonuslåtar som var exklusiva för olika återförsäljare och/eller CD-versioner av musiken. Så du får både musiken och dessa bonuslåtar i ett och samma fysiska paket. Det är ett riktigt filmmusik, fullt av såväl hjältemodiga som mörka teman. Daft Punk utmanade sig själva genom att kombinera orkestral och elektroniska element, där det orkestrala lyfter fram storslagenheten i filmens virtuella värld och det elektroniska påminner oss om teknologin som är involverad. Att lyssna på detta album på egen hand är som att resa genom en ambient värld full av ljuslandskap och en pulserande avgrund och du kommer inte vilja komma tillbaka.

The Mack

The Mack soundtrack släpptes 1973 på Motown Records. Den var komponerad och framförd av Willie Hutch som fram till den tiden hade gjort en del solaarbete för ett annat bolag innan han flyttade till Motown där han skrev och co-skriver låtar för artister som Jackson 5, Marvin Gaye och andra innan han släppte sina egna album för Motown. Filmen medverkade Max Julien, Richard Pryor och Roger Mosley (T.C. från Magnum P.I.) och medan filmen lider av ett ojämnt manus, höjs den av Hutches soundtrack som fortsätter att hålla upp som en fantastisk samling av soul- och R&B-nummer.

LP:n börjar starkt med “Vampin” och “Theme of the Mack” som sätter upp berättelsen om en nyss frigiven brottsling som ger sig ut för att bli den största och tuffaste hallick i staden. Som Motown-artist ger Hutch albumet det kännetecknande ‘70-tals Motown-ljudet med några trevliga beats och mjuka vokaler. Hutch saktar sedan ner med “I Choose You,” en sensuellt R&B-nummer (som skulle bli grunden för den betydelsefulla "Intl Players Anthem" av UGK och Outkast). Spår på sida 2 som “Slick” och “Brother’s Gonna Work It Out” var hits på R&B-listorna vid den tiden, och det senare blev samplat och coverat av många artister såsom Public Enemy, The Chemical Brothers och Chance the Rapper, och det är ett enastående albums avslutning. I panteonen av '70-tals blaxploitationfilmer, The Mack kanske inte är så väl ihågkommen men dess soundtrack förtjänar att bli det.

City of God

City of God är en 2002 års kriminaldrama om unga män som växer upp i City of God-förorten i Rio de Janeiro, berättad främst ur Rocket, en aspirerande fotografs perspektiv, som lever i slummen men inte vill ha det kriminella livet. Den utspelar sig under 60-talet till tidigt 80-tal och visar tillväxten av drogklaner i Rio:s slumområden, utan att vika undan eller glorifiera våldet i det liv som skildras. Nomineringen och vinsterna av många filmpriser, gör den till en av de mer slagkraftiga gangsterfilmerna av de senaste 15 åren.

Tillsammans med originalmusik komponerad och utförd av Antônio Pinto och Ed Côrtez finns brasilianska samba-, funk- och psykedelia-låtar som tar oss igenom filmens olika tidsperioder. Mer traditionell samba representeras med låtar av artisten Cartola och Wilson Simonals “Nem vem que não tem.” Under 70-talet har samban mer funk-influenser i låtar som “Na rua, na chura, na fazenda” av Hyldon, Raul Seixas' “Metamorfose Ambulante” och Tim Mais “No caminho do bem.” Pinto och Côrtez tar dessa influenser och mörkar dem i sina stycken genom filmen. Musiken är visceralt och för in tittaren i Rockets värld där korruption är överallt och kompromisser måste göras för att överleva.

Rushmore

Rushmore (1998) är en coming-of-age-film om en tonåring, Max, som navigerar och kontrollerar sin värld genom sina många fritidsaktiviteter, skapar vänskap med en sorgsen affärsman (Bill Murray) och förälskar sig i sin privatskolelärare i första klass (Olivia Williams). För dem som inte är bekanta med Wes Andersons äldre filmer var det just Rushmore, hans andra långfilm, som först visade vad som har blivit hans signaturstil, och introducerade skådespelaren Jason Schwartzman (Max) och gav nytt liv åt Bill Murrays karriär. Det gav också oss ett av de bästa soundtraken från 90-talet, som kombinerar lekfullhet, folk och rockmusik för att perfekt matcha filmens berättelse.

Musiken består främst av 60-tals brittiska invasionartister som Who (“A Quick One While He’s Away”) och The Kinks (“Nothing In This World Can Stop Me Worryin’ Bout That Girl”) samt Cat Stevens (“Here Comes My Baby” och “The Wind”). The Creation’s “Making Time” som hörs i början av filmen där vi introduceras för Max och hans många klubbar markerar en av de mest minnesvärda karaktärintroduktionerna i film och gjorde denna relativt okända garage rock-låt oförglömlig i samband med Rushmore. Mark Mothersbaugh komponerade de barockinspirerade styckena och dessa lekfulla mellanverk fungerar för att framhäva Max’ excentriciteter och ge introspektivitet till karaktärerna. Det är både ett muskulöst och känsligt soundtrack som passar bra till denna berättelse om en självupptagen tonåring som växer till manlighet och lär sig tänka på andra.

La Planète Sauvage

1973 års La Planète Sauvage (även känd som Fantastic Planet), regisserad av René Laloux, är den där konstiga animerade filmen som är både science fiction-social kommentar och psykedelia-drogfilm. Animationen använder nästan bokliknande illustrationer med en stopp- och rörelsestil som ger den en original, andra världslig känsla. På planeten Ygam lever en gigantisk blå humanoid ras kallad Draags och människor, kallade Oms, som för länge sedan har tagits från jorden av Draags för att leva som husdjur, några av dem lever som djur i det vilda. Efter att hans mor dödades av unga Draags, hittas en spädbarn Om och tas om hand av en ung Draag-flicka och han växer upp och lär sig om Draag-kultur och teknologi, till slut rymmer han och vidarebefordrar denna kunskap till sina med-Oms där en kamp för frihet uppstår. Unik animationsstil plus en udda historia gör detta till en slående film, men när du lägger till musiken har du något helt oförglömligt.

Komponerad av Alain Goraguer, en långvarig samarbetspartner till sångaren Serge Gainsbourg, beskrivs musiken ofta som Pink Floyd möter Shaft. Detta franska pop-, rymdålders-funk mästerverk är fullt av galna beats och funky ‘wah wah’-effekter och har samplats av många artister genom åren som DJ Shadow, J Dilla och Madlib (på Quasimotos The Unseen). Den ursprungliga pressningen av detta album är mycket samlarvärd och lyckligtvis återutgavs den i slutet av 2014 så det finns fler rimligt prissatta kopior där ute.

Purple Rain

“Kära älskade, vi har samlats här idag för att ta oss igenom detta som kallas liv…” och med den inledande raden börjar ett av de största filmmusiken genom tiderna. Du kan läsa mer om vad vi hade att säga om Princes bortgång här så jag kommer bara att fokusera på musiken. Purple Rain släpptes 1984, med Prince i sin filmdebut. Det var en smash-hit den sommaren, fick singlar som toppade listorna världen över, och såldes i miljoner kopior och blev ett av de mest sålda soundtracket någonsin. Det vann två Grammy Awards och en Oscar för Bästa Originalmusik, den sista gången detta pris har delats ut.

Purple Rain var Princes sjätte album och kom efter hans hit, 1999. Han var ganska välkänd hos R&B-publiken men Purple Rain var hans crossover-album, den som bevisade för världen att han var en megastjärna. Prince kombinerade skickligt funk, rock, new wave och R&B, och visade upp sina otroliga gitarrkunskaper och heliga shit, vilket ett album. Det kickar igång med min personliga favorit, “Let’s Go Crazy,” de roliga strängerna/syntarna i “Take Me With U,” den fantastiska långsamma brasan av “The Beautiful Ones,” den funky rocklåten “Computer Blue,” och den råa “Darling Nikki.” Sedan kommer en av de bästa sida 2:or av något album: “When Doves Cry,” “I Would Die 4 U,” “Baby I’m A Star” och den episka avslutaren, “Purple Rain.”