10 Undervärderade och förbisedda 90-talsalbum

Noterbart är att ett band kunde sälja tusentals (kanske till och med miljoner) album baserat på en enda catchy låt och en video på MTV. Kassetter eller CD-singlar fanns, men om du var som de flesta människor gick du "the full monty" och la ut pengar på hela albumet. Ofta var detta ett klokt beslut; albumet visade sig vara fullt av många minnesvärda låtar som du aldrig skulle ha hört annars (t.ex. The Wallflowers, Bringing Down the Horse). Men oftare än inte hade albumet den en anmärkningsvärda låten, och kanske om du hade tur, en eller två acceptabla låtar, och sen en hel del utfyllnad. Vissa band byggde hela sina karriärer på denna verklighet (tittar på dig, Fuel), och lämnar dig kännande att du önskar att du hade behållit dina femton dollar och varit nöjd med den kortare och mer statiska versionen av “Shimmer” som du hade spelat in från radion.

Även om de flesta följande album har sålt ett betydande antal skivor, är det fortfarande rimligt att påstå att de kan ha blivit "underappreciated" av många, helt enkelt för att de flesta kopior sannolikt köptes exklusivt för den där enda hitlåten, och folk kanske inte har gett hela albumet en chans. Om inte annat, så är detta några av de bästa albumen från alt-rock på 90-talet, album som kanske inte ligger på allas radar—förutom kanske den där stora hitlåten—och album som fortfarande låter bra idag. Det går säkerligen att göra en stark poäng för att det finns dussintals mer okända album som förtjänar en plats på en sådan lista, men tyvärr har de blivit förbisedda här också. Här är tio album som sällan finns bland de “största” albumen från 90-talet (Mellon Collie and the Infinite Sadness, OK Computer, Odelay), men album som fortfarande är värda att återbesöka.

  

R.E.M. - New Adventures in Hi-Fi (1996)

Högt betygsatt och sällan pratat om på den tiden, och sedan dess, fick R.E.M:s tionde album aldrig det erkännande eller den speltid som dess föregångare, Monster, fick på 90-talet, även om många kanske påstår att New Adventures är det bättre albumet. Vad detta album saknar i koherens och singularitet i vision, kompenserar det med variation. Underutvärderat bland R.E.M:s kanon, innehåller albumet en av bandets mest avvikande (och största) hits: den hemsökande “E-Bow the Letter”, där Michael Stipe talar/sjunger sina poetiska svammel om körsbärsnät och tinfoil-tiara, medan Patti Smith skriker bakgrundsvokaler. Videon, med sitt hängande vita julbelysning, fick regelbunden speltid på MTV ett tag, men inte på samma nivå som “What’s the Frequency, Kenneth?” eller “Strange Currencies” från Monster. Andra höjdpunkter inkluderar låtarna “Leave,” “Bittersweet Me” och “Be Mine.” Om det stämmer att dessa låtar mestadels spelades in under repetitioner och ljudprov på turné, står albumet som ett dokument av en grupp musiker som fortfarande är på höjden av sina kreativa krafter.

  

Superdrag - Regretfully Yours (1996)

Det var inte riktigt 50-talet, där läkare rökte på sina kontor och piloter rökte i sina cockpits, men på 90-talet var rökning fortfarande på modet. Om du inte rökte, var du lycklig och klok, men även troligen märkt den största mesen i din skola (kolla din årsbok). Kanske gjorde inget band på 90-talet mer för att främja denna skadliga vana än Superdrag. Bandnamnet antyder en stor inandning av rök, cigaretter nämns i flera låtar (“Och jag behöver fler cigaretter, för att bygga upp mitt självförtroende”), och sångaren ses både tända en cigarett och blåsa ut en lungfull rök in i kameran i minst två videor från detta album (oooh aaah). Trots detta, är låtarna upplyftande och catchy, och inte bara hiten “Sucked Out”, som är så långt som de flesta nog kom med Superdrag. Regretfully Yours är ett fantastiskt album, fullt av rymdop-pop gitarrer, konsekvent fängslande melodier och cyniska texter, om du kan höra dem genom all rök.

  

Hole - Celebrity Skin (1998)

Några saker förändrades mellan Live Through This och Celebrity Skin, den minst viktiga var att Courtney Love fick näsoperation. Denna nyströmlinjeformade appendage verkar ha varit symbolisk för en allmän rörelse mot en renare image och ljud. På Celebrity Skin visar Hole sin lugnare och mer romantiska sida, och inkorporerar ljusare gitarrtoner, poppiga hooks och soligare texter om Celebrity och Kalifornien. För att hjälpa till att jämna ut bandets ljud, tog Love in långvarig samarbetspartner Billy Corgan för att assistera i låtskrivningsprocessen. Hans påverkan känns till viss del, med några texter så vackert absurda att det är tveksamt att många skulle bli överraskade över att de skrivits av den stora pumpan själv (“Han rasar för att vara sann”). Albumet har sålt över en miljon exemplar i USA, så det kan vara svårt att stödja påståendet att det har förbises eller underutvärderats, men eftersom det ofta överskuggas av Live Through This förtjänar Courtney Loves mer polerade inkarnation av Hole ytterligare övervägande.

  

Tripping Daisy - I am an Elastic Firecracker (1995)

Om du uppmärksammade Out of Order med Jed the Fish, ett alt-rock radioprogram, eller kollade mycket på MTV i mitten av 90-talet, så kom du vid något tillfälle troligen över Tripping Daisy’s enda hit, “I Got a Girl.” Om du inte gjorde det, är de det neo-psykedeliska bandet som Tim DeLaughter var med i innan han startade den neo-neo-psykedeliska gruppen Polyphonic Spree, som var kända för att uppträda i vita körrockar på mitten av 00-talet. Detta album (och uppföljaren Jesus Hits like the Atom Bomb) är ett underskattat klassiker från post-grunge-eran. DeLaughters euforiska, höga röst smälter perfekt samman med de fuzz-dränkta gitarrerna på episka låtar som “Piranha” och “Motivation.” När du lyssnar på detta album i sin helhet, kan du ifrågasätta smaken på en befolkning som kan låta ett sådant album driva ut i glömska.

  

Toadies - Rubberneck (1994)

Rubberneck är ett album som tog den korta vägen från platina till obscuritet, och steg till berömmelse tack vare framgången av en låt, “Possum Kingdom,” som kanske handlar om en vampyr. Det är det enda albumet Toadies släppte på 90-talet—eftersom Feeler, uppföljaren, avvisades av skivbolaget. Ta det med en nypa salt, eftersom Rubberneck förtjänar sin plats i pantheon av ikoniska album från 90-talet. De konstigt deformerade texterna i låtar som “Possum Kingdom” (“Vill du dö?”) och “Tyler” (“Jag snubblade in i korridoren, utanför din sovrumsdörr”), tillsammans med det skrikande crescendo i “Away,” kombineras med resten för att producera en oroande stämning som påminner om en hemsökt träsk full av paddor, possums och håriga hundar. På bandets konsert för fem år sedan, var det överraskande att se vilket stort antal vampyrer som var närvarande. Alla hade sina två fingrar i luften i formen av huggtänder under “Possum Kingdom”—kanske över såg inte alla det albumet trots allt.

  

The Flaming Lips - Clouds Taste Metallic (1995)  Innan alla de fantastiska bleeps, sweeps och creeps i The Soft Bulletin och Yoshimi Battles the Pink Robots, älskade The Flaming Lips kraftigt distade gitarrer. Clouds Taste Metallic visar denna beundran på ett stort sätt. “The Abandoned Hospital Ship” inleder albumet med ett klickande filmprojektor och Wayne Coynes distinkta klagan innan den exploderar i en orgiastisk vägg av frenetiska gitarrskri och dämpande trummor som knappt släpper efter förrän i slutet av albumet. Distinkt för Lips generellt, är låt titlarna och texterna packade med tecknade bilder, fulla av tillräckligt med hjärnor, äggula och embryon för att musikalisera 2001: A Space Odyssey. Albumet är roligt, och du hör om “Kim’s Watermelon Gun” och “Christmas at the Zoo,” men någonstans mitt i all den trevliga fantasmagorin lurar en ogynnsam sida, som om resan är på väg att gå fel, tippar mot galenskap. Det som kanske är mest trevligt med det, är känslan av att musiken i vilket ögonblick som helst ska falla in i kaos.

  

The Smashing Pumpkins - Adore (1998)

Det bästa sättet för Smashing Pumpkins att följa Mellon Collie och the Infinite Sadness kunde ha varit att släppa mikrofonen och lägga ner. Fans var dömda att bli besvikna av vad bandet kom med efter det enorme albumet och den stora samlingen av högkvalitativa Mellon Collie B-sidor som snabbt följde, särskilt efter att ha hört att trummisen Jimmy Chamberlin hade lämnat resten av gruppen och skulle förbli frånvarande från Adore-inspelningarna. Trots detta gör hans frånvaro till stor del albumet vad det är—ett intressant elektro-akustiskt album och även ett känslomässigt dokument av personlig förlust. De programmerade trummaskinerna som står i stället för Chamberlin hjälper till att få låtar som “Perfect” och “Appels and Oranjes” att låta som det närmaste bandet skulle komma till dansmusik. Men de mer dämpade låtarna är höjdpunkterna. Banjo på “To Sheila” sätter den klagande tonen. Billy sörjer förlusten av sin mor i låtar som “Once Upon a Time” och “For Martha,” och finner slutligen tröst i katharsen av ett stigande gitarriff.

  

Blind Melon - Soup (1995)

Blind Melons debutalbum är bäst känt för bi-tjejen i “No Rain”-videon, men det är lätt ett av de största albumen från decenniet. Soup är dock uppföljaren som oftare förbises och som förtjänar sin egen erkännande. Det är ett maniskt album draget från ett sinne som unravelar. Debutalbumet var dyster ibland (“Jag känner inte att solen kommer fram idag”), men det hade en konsekvent ljusare atmosfär än detta. De fjorton låtarna på Soup är en mörkare och mer varierad uppsättning (“Jag kan inte tro att jag måste slå mitt huvud mot denna vägg igen”). “Vernie” är en hallucinerande syn på sångaren Shannon Hoons mormor och hennes “samling av glas-hönor”; “Skinned” är en märkligt upbeat låt om seriemördaren Ed Gein; “Walk” är en enkel akustisk låt om förlägenhet och depression; och “Galaxie” är en hyllning till Hoons bil, videon för den är ett levande porträtt av Shannon Hoons mörka och nedåtgående spiral. Soup innehåller många referenser till droganvändning, en mörk föraning om framtiden, men albumet lever fortfarande idag som ett tragiskt vackert konstverk.

  

Soul Coughing - Ruby Vroom (1994)

Instrumenteringen på Ruby Vroom består främst av trummor, gitarr och kontrabas, men det finns två saker som gör detta album unikt: 1. den konsekventa användningen av inspelade samples och ljudeffekter och 2. M. Doughtys kloka ordspel. Som måsarna i “Sugar Free Jazz,” eller meddelandet från svararen i “Lemon Tree” som spelar i bakgrunden av “Janine” är albumet experimentellt i sin användning av samples, loopar och ljudeffekter. På toppen av detta använder Doughty tillräckligt med poetisk aktivitet för att fylla en doktorsavhandling. Vad låtarna handlar om är fel fråga att ställa här. Hans texter är abstrakta, med en tyngre betoning på hur orden låter tillsammans än vad de kan betyda (se b-sidan “Buddha Rhubarb Butter). Detta är M. Doughty som spottar slam-poesi, melodiskt rappar, och alltid uttalar slutkonsonanterna i orden. Man föreställer sig publiken som snappar sitt godkännande för Soul Coughing, ett av de stora visionära banden från 90-talet.

  

Hum - You’d Prefer an Astronaut (1995)

I flera avseenden är Hum ett stjärnband. Fyllt med lycklig distorsion, tunga trummor och “nördiga” texter om fågelskådning, stjärnbilder och eutanasi, You’d Prefer an Astronaut är ett mästerverk inom space rock-genren. Lager av distortade gitarrer ger låtarna en atmosfärisk kvalitet, medan texterna framkallar bilder av vetenskap och natur (“Min baby snurrar propellanter, systemet är inställt på att explodera, hon är nu vid Vintergatan, exploderande i snö”). “Why I Like the Robins” är särskilt i ögonfallande. Tillstått, You’d Prefer an Astronaut fick en del uppmärksamhet tack vare den semi-popularitet av “Stars” (“Hon tror att hon missade tåget till Mars, hon är ute bakom och räknar cue distortion stjärnor”), men det är en av de stora besvikelserna inom 90-talets alternativrock att Hum knappt hördes av igen efter uppföljaren och det sista albumet, Downward is Heavenward, som i sig är ett fantastiskt album, misslyckades med att möta företagsförväntningar.