The Endearing Silliness And Sincerity Of Goon Sax

Louis Forster tittade på den japanska skräckfilmen från 1977 House när han fick en idé. Inspirerad av filmens huvudkaraktärer som var döpta efter sina främsta personlighetsdrag – en kvinna som ständigt justerar sin sminkning kallas Gorgeous, en annan som älskar musik kallas Melody – gjorde Forster detsamma för sina bandkamrater James Harrison och Riley Jones, som uppträder med honom som The Goon Sax. Forster döpte Harrison till Lazy, Jones till Busy och sig själv till Bendy.

”Jag tycker att James är den mest avslappnade killen,” säger Forster. ”James ligger inte bara tillbakalutad, han är James Horizontal Harrison.”

”Jag antar att jag är lite lat,” svarar Harrison, hans röst en ljudmässig manifestation av en axelryckning. ”Men jag tror att det finns andra i bandet som gör lika fånigt saker.”

Sedan deras debut 2016, Up To Anything, har den Brisbane-baserade indie-pop-möter-post-punk-trion navigerat många beskrivningar – “lika smarta som de är ledsna,” “självnedvärderande men aldrig sentimentala,” “bedårande enkla” – men ”fåniga” har aldrig lett beskrivningen. The Goon Sax, som bildades 2013 som en duo av Harrison och Forster, som är son till Robert Forster från Go-Betweens berömmelse (Jones gick med 2014 efter bara några månaders trumlektioner), har en förmåga att rama in små ögonblick som ännu mindre. Up To Anything, släppt när bandmedlemmarna var 16 och 17 år gamla, skildrar långsamt tonårslivets intimeter fyllda med en depressiv längtan – “Jag vill att folk ska tänka på mig,” sjunger Forster på albumets titelspår.

Trots att några år har gått, utforskar The Goon Sax nytt territorium på sitt andra album, We’re Not Talking, som är ute nu: ångest. LP:n böjer sig vid vissa tillfällen, frenetisk, romantisk, nostalgisk, kliande. På “Love Lost,” ett spår lett av Harrison som innehåller stråkar och kastanjetter, beklagar han sig, “Jag har problem som jag inte vet hur jag ska hantera / och jag har problem som jag inte vill bli sedd med.” På andra ställen viskar Jones, “Jag kommer att sakna sorgen / det är det enda jag någonsin har känt” på “Strange Light,” en ode till Brisbane och misstagen som gjordes där.

På We’re Not Talking bidrog alla tre medlemmarna i The Goon Sax till vokal och instrumentkomposition, en avvikelse från Harrisons och Forsters primära låtskrivande på Up To Anything. Live byter de ibland instrument, med Jones som tar över gitarren och Forster som tar plats bakom trummorna, varje medlem en kugge i en ständigt arbetande maskin, ständigt i beredskap för nästa smäll.

“Vi förväntar oss det värsta hela tiden,” skojar Forster.

“Kanske kraschar flygplanet inte riktigt än,” svarar Jones, “men det finns en känsla av att det kan krascha.”

VMP: Hur förändrades låtskrivningsdynamiken på We’re Not Talking?

Louis Forster: Jag tror inte att det var ett medvetet val att vi skulle arbeta på saker annorlunda. Det bara blev så att Riley blev mer bekväm med att sjunga. På första skivan skrev jag några fler låtar än James och denna gång skriver James massor av låtar väldigt snabbt. Vi har alla mer input på varandras låtar.

Hur fungerar kritikprocessen när ni redigerar varandras verk?

Riley Jones: Vi kritiserade inte riktigt varandra. Jag tror inte att jag någonsin kände behovet av det. Vi var lite som, “Ja, rätt på. Vi har en till låt. Grymt,” vilket är tur.

LF: Jag tror inte det var så, “Jag gillar den här låten, men ändra de där texterna och ta bort den här biten, så blir det bra.” Jag tror inte att sådana saker någonsin händer. Det var mer att ha mer input på strukturen på varandras låtar eller när vi övade, saker var inte så konkreta direkt när vi började spela en låt och den ändrades mycket. Vissa av [låtarna] spelade vi i två år innan vi spelade in dem. Under den tiden var de förmodligen ganska oigenkännliga från ursprungstillståndet.

Det är alltid roligt att spåra utvecklingen av vissa låtar: Jag hade den här känslan en gång, nu är det denna helt annorlunda levande sak.

RJ: Det är konstigt hur det så snabbt blir sin egen sak.

LF: Och när du väl har spelat in det, känns det nästan som att det hålls i ett permanent tillstånd, vilket jag hatar. Ibland tycker jag inte att musik borde spelas in för att den fortsätter förändras efter det. Alla låtar förändras fortfarande för mig eftersom vi spelar dem annorlunda, spelar dem snabbare eller långsammare eller med olika personer som sjunger. Att spela in något ger det nästan ett falskt permanent tillstånd.

RJ: Men det är bara en inspelning. Bara en inspelning av hur det lät.

Men någon kanske drar upp Spotify och det är den enda kontexten de har för låtarna kontra någon som ser er spela live mycket.

LF: Jag tror att det är om du spelar det annorlunda än hur det är inspelat, verkar det som att du har förändrat det.

NPR nämnde något skarpt när de skrev att många låtar saknar ärlighet när det kommer till kärlek. Tror ni att ni har den ärligheten? Vad krävs för att verkligen vara uppriktig i musiken?

LF: Jag tror att det är uppriktigt. Det är roligt att se tillbaka på de där låtarna nu när vi har spelat in dem och skrev dem för ganska länge sedan. Jag är helt säker på att varje enskild sak som vi sa är uppriktig och sann. Det är definitivt något jag inte kan [hitta] något fel i.

Vilka är de ögonblick som inspirerar dig att skriva?

LF: Jag känner ofta att jag inte nödvändigtvis skriver om saker medan de händer. Jag skriver alltid om saker som har hänt en tid senare. Det är bara händelser och känslor som redigeras ner i texter. Observationer om saker. Det fanns en låt jag skrev för att försöka komma ihåg var jag växte upp innan jag flyttade för jag ville specifikt komma ihåg det. Det var nästan en mental anteckning.

Vilken låt var det?

LF: Vissa delar av “Strange Light.” Riley skrev mycket av de texterna också. Den hade ursprungligen en hel del andra texter, men det var det ursprungliga syftet med de låtarna.

Hur mycket spelar tid och plats in i hur du skriver texter?

James Harrison: Kanske spelar tid och plats en stor roll i det för när jag skriver, har något hänt och jag går hem och kanske dricker lite. Jag gillar många Brisbane-band och vissa av dem får min musik att låta som andra Brisbane-band.

LF: Jag tycker att den här skivan är väldigt tid och plats för mig. Brisbane 2015, 2016, tidigt 2017. Jag tänker mycket i termer av år.

Vad pågick i era liv i Brisbane 2015?

LF: Jag gick i årskurs 11, Riley och James skulle ha varit i årskurs 12. Det var en ganska känslomässigt förvirrande tid. För mig handlade det om att vara kär för första gången och vara så överväldigad av det.

JH: Jag gick i årskurs 12 och det var förvirrande och lite krossande.

LF: För mig handlar den här skivan mycket om ångest. Den förra skivan, den första, jag minns att jag tänkte att den lät riktigt deprimerad och denna låter mer ångestfylld än deprimerad.

Ni går igenom alla känslor.

JH: Jag tror att ångest är en stor del av det.

LF: Man måste fokusera på en viss sak. Just nu skriver jag mest om rädsla och [när] du ändrar de där ämnena eller de där motivationerna, vilka känslor förvandlas till att skriva? Du känner fortfarande alla andra saker, men vilken del av ditt tänkande går in i en låt?

Även sättet skivan blev på, ljudmässigt, är det lite mer upplyftande. Det översätts till ett mer ångestfyllt ljud.

RJ: Det är snabbt och jag tänkte bara på rytmer och försökte göra rytmerna mer intressanta på denna. Jag hoppas att vår nästa skiva inte kommer att låta som ångest.

Vad hoppas du att den låter som?

RJ: Bara lite mer kosmiskt.

JH: Att vara kosmisk skulle vara mycket bättre.

RJ: Vem vet om det är möjligt att inte göra något som en produkt av negativitet eller ångest. Det kanske inte är möjligt. Kanske är det möjligt men vi kommer inte att gilla det.

För det finns denna uppfattning att ur smärta kommer stor konst.

RJ: Det kanske kommer från de tidiga bluesmusikerna som skriver den mest smärtsamma, hjärtskärande, vackra musiken. Kanske måste vi bli mer smärtsamma eller något. Kanske är det inte tillräckligt.

JH: Jag tror inte att det är tillräckligt.

LF: Jag tror att låtar kan komma från att känna sig riktigt bra också. Mycket bra musik kommer från att känna sig fantastisk. Kanske är det mer en idé som kommer från smärta för att när folk känner sig riktigt bra är de ofta för upptagna med det för att vilja skriva om det.

Gör skrivandet att du kommer närmare klarhet över de saker du skriver om?

LF: Till viss del. Ibland gör det inte alls det. Det gör det nästan mer förvirrande och mer frustrerande för att musik och vad du kan göra med den är begränsad. Det är svårt att omvandla något till några ljud och ord.

RJ: Jag tror att med den här skivan trodde vi att vi kunde göra det. För mig verkade det som att vi kunde göra det genom att vara så ärliga som möjligt. Vi hörde så mycket musik som inte kändes ärlig och värderade när den gjorde det. Jag vet inte om jag skulle ha samma förhållningssätt nu. Definitivt skulle jag vilja fortsätta vara ärlig alltid, men jag skulle också vilja vara mer lekfull med det.

LF: Jag tror att du börjar inse, bara genom att stava saker exakt som de hände kommer inte att ge folk den känsla du hade. Det var en konstig sak för mig att inse. Du kan inte kommunicera de sakerna.