Os 10 melhores álbuns industriais para ter em vinil

Throbbing Gristle 20 Jazz Funk Greats

Throbbing Gristle inventou a música industrial. Na verdade, eles cunharam o termo — a Industrial Records era o selo deles, e a frase “música industrial para pessoas industriais” tornou-se seu slogan, começando com The Second Annual Report de 1977. Embora no começo, o que “industrial” significava não era tão bem definido. Formando como COUM Transmissions no Reino Unido no meio dos anos 70, Genesis P. Orridge, Chris Carter, Cosey Fanni Tutti e Peter “Sleazy” Christopherson eventualmente adotaram o nome Throbbing Gristle, realizando apresentações ao vivo confrontadoras com imagens pornográficas ou violentas enquanto criavam música cacofônica, muitas vezes com acompanhamento de spoken word, levando a obras-primas de horror como “Hamburger Lady” de 1978.

Seu maior feito foi 20 Jazz Funk Greats de 1979, um álbum que representa Throbbing Gristle em seu lado mais musical — embora isso seja um termo relativo. A capa do álbum retrata a banda parecendo alegre em Beachy Head, um notório ponto de suicídio na Grã-Bretanha, uma espécie de engano que serviu para provocar ouvintes desavisados que folheavam as prateleiras das lojas de discos. No entanto, enquanto este álbum é duro, também é rítmico e frequentemente acessível em partes, oferecendo suas interpretações de exotica, dub e minimal synth-punk na linha de Suicide. Ele também contém “Hot on the Heels of Love”, seu número de disco mais direto, emprestando liberalmente da caixa de truques de Giorgio Moroder. Há momentos de relativa calma, até ganchos, mas cada faixa parece precária e inquietante, cada momento melódico existindo para criar uma falsa sensação de conforto — apenas para a banda tirar isso de você um momento depois.

Killing Joke: Killing Joke

O grupo de post-punk de Londres Killing Joke, discutivelmente, não fez a transformação completa para o metal industrial até o início dos anos 90, quando lançaram Extremities, Dirt and Various Repressed Emotions. No entanto, a base desses hinos implacáveis e desgastantes está na batida punk rock dura de seu álbum de estreia homônimo. O álbum — embora totalmente feito com uma formação tradicional de guitarra, baixo e bateria — é inundado por sons metálicos frios e efeitos corrosivos. O chiado sintetizado que introduz “Requiem” é algo como um modelo primitivo para os sons processados e sequenciados que Ministry e Nine Inch Nails adotariam mais tarde, enquanto o efeito vocal desorientador e distorcido de Jaz Coleman em “Wardance” confere à canção um tipo de terror bizarro que pode ser atado ao industrial mais antigo. Quanto ao industrial, o álbum de estreia do Killing Joke é mais crucial por estabelecer a base do que por ver o som totalmente realizado, mas é um elo essencial que faltava.

Nurse With Wound: Homotopy to Marie

Stephen Stapleton não é apenas uma figura importante na música experimental, mas também uma extremamente prolífica. Seu catálogo possui mais de 60 álbuns de estúdio, além de uma longa lista de colaborações com artistas dentro da música industrial (Current 93), protótipos do gênero (Faust) e aqueles totalmente fora dele (Stereolab). Sua obra-prima, Homotopy to Marie, veio relativamente cedo em sua carreira e é uma colagem sonora de 50 minutos que combina a estética do desempenho artístico do avant-gardismo do Throbbing Gristle com uma sensibilidade surrealista ainda mais absurda. Pouquíssimos momentos em Homotopy to Marie se assemelham a melodias reais, e esses momentos frequentemente surgem depois que o ouvinte é conduzido através de labirintos horripilantes de pratos tilintando, diálogos encontrados, portas rangendo, cães latindo e vários outros sons que são mais inquietantes quando as luzes estão apagadas e tudo mais está estranhamente silencioso. O fato de que grande parte do álbum é espaço vazio serve apenas para tornar os ruídos nas fitas de Stapleton ainda mais aterrorizantes. Enquanto artistas industriais posteriores fariam padrões rítmicos de tais ruídos ásperos e efeitos, Stapleton encontrou sua arte em uma sinfonia retorcida de caos.

Cabaret Voltaire: 2x45

O Cabaret Voltaire de Sheffield começou muito parecido com o Throbbing Gristle, através de exibições de arte performática acompanhadas de experiências com fitas. No entanto, a banda — nomeada em homenagem a um clube em Zurique que estava no centro do movimento dadaísta no início do século 20 — evoluiu através de várias fases de sua carreira, fazendo uma primeira impressão com singles de synth-punk como “Nag Nag Nag” antes de incorporar sons mais sombrios e duros que se assemelham mais à abordagem intensa do que agora chamamos de “industrial.” Seu quarto álbum 2x45, lançado após seus álbuns mais duros e o material mais acessível para pista de dança de seu período de música eletrônica de corpo (EBM), é o lançamento mais criativo do Cabaret Voltaire, misturando dance punk, no wave e o militarismo pesado em eletrônicos do industrial inicial. É um de seus discos mais divertidos, impulsionado pelos grooves de destaques como a faixa de abertura “Breathe Deep” e “Protection”, mas também está entre suas gravações mais estranhas e sinistras. Os vocais retorcidos e a densidade caótica de “War of Nerves” soam um pouco como um Godflesh funky. Está entre os álbuns mais acessíveis da banda, apesar dos elementos às vezes duros e, de forma reveladora, foi o primeiro a chegar ao gráfico de álbuns do Reino Unido.

Einstürzende Neubauten: Halber Mensch

O nome Einstürzende Neubauten se traduz como “novos edifícios colapsantes”, o que resume essencialmente a ética da banda alemã. Eles levaram a ideia do industrial ao seu extremo literal, criando sons a partir de peças de metal e hardware, os ruídos duros que produziam estão geralmente mais alinhados com musique concrete do que com composições reais. Halber Mensch (tradução: meio homem) representou uma grande inovação para a banda na medida em que suas composições se tornaram muito mais musicais, mais humanas até, se ainda assim bastante aterradoras. A faixa título do álbum é uma peça coral, por exemplo, mas é feita de pesadelos — um septeto de vozes cantando como se estivessem envolvidos em um ritual de culto. “Yü-Gung”, por mais abrasivo que seja, ainda é dirigido por um batida constante de 4/4 e os gritos rítmicos de Blixa Bargeld. Há até uma beleza peculiar nos destaques “Seele Brennt” e “Sensucht.” Nos anos que se seguiram, o grupo abraçaria melodias mais convencionais, seus vídeos apareceram uma ou duas vezes no 120 Minutes da MTV, mas nenhum álbum uniu tão fluidamente a cacofonia de sua instrumentação de sucata metálica com canções genuínas como este.

Foetus: Nail

J.G. Thirlwell acumulou quase tantos nomes diferentes quanto gravações ao longo dos anos — You’ve Got Foetus On Your Breath, Scraping Foetus Off the Wheel, Steroid Maximus e Clint Ruin, para nomear alguns. Mas a evolução de seus muitos apelidos fala da constante criatividade da mente do cientista musical australiano. Nail, seu quarto álbum de estúdio como Foetus (Scraping Foetus Off the Wheel, para aqueles que estão contando), é ao mesmo tempo seu mais acessível e seu conjunto de música mais infinitamente criativa. Uma fusão dos clangores e sons percutivos metálicos do industrial com blues, jazz, post-punk e até mesmo canções de teatro, o álbum às vezes parece como se as trilhas sonoras de cartoons de Raymond Scott fossem executadas por robôs malignos.

Os pontos de referência de Thirlwell são numerosos e diversos, emprestando de Shakespeare na batida punk-blues “Throne of Agony”, enquanto “Enter the Exterminator” incorpora elementos de “In the Hall of the Mountain King” de Grieg e “DI-1-9026” faz referência a Timothy Leary. Quando o álbum chega à faixa final “Anything (Viva!)”, Thirlwell grita: “Eu posso fazer qualquer maldito coisa que eu quiser!” De fato.

Coil: Horse Rotorvator

A arte da capa de Horse Rotorvator do Coil, uma imagem simples porém assustadora de um gazebo vazio com suas sombras se espalhando por um campo vazio, está impressa com uma narrativa curta sobre um “imenso dispositivo de terraplanagem” feito com as mandíbulas dos cavalos dos Quatro Cavaleiros do Apocalipse. Essa é uma boa indicação dos tipos de horrores ominosos que aguardam o ouvinte no álbum. Onde um artista como Nurse With Wound é aterrador por conta da incompreensibilidade absoluta do que está acontecendo, Coil cria um tipo de horror semelhante a partir de algo muito mais acessível, até bonito. John Balance, Stephen Thrower e o ex-membro do Throbbing Gristle, Peter Christopherson, encontram beleza na depravação e vice-versa, mostrando um lado assustadoramente terno na balada “Ostia (The Death of Pasolini)”, um lamento proto-neofolk sobre o brutal assassinato do diretor de cinema Pier Paolo Pasolini em 1975. Há também a batida marcial impiedosa de EBM em “Penetralia” e a atonalidade ensurdecedora em “Blood From the Air.” Uma voz familiar para os ouvintes da new wave também aparece na faixa de death-blues “Slur”, nomeadamente Marc Almond, do Soft Cell, creditado sob o nome Raoul Revere. Apenas dois anos antes, de fato, o Coil havia feito sua própria versão de “Tainted Love”, que o Soft Cell tornou famosa, com Almond aparecendo no vídeo simbolizando o Anjo da Morte.

Ministry: The Land of Rape and Honey

Os primeiros anos do Ministry foram passados jogando quase tudo na parede e vendo o que grudava (synth-pop, new romantic, goth rock), e as últimas duas décadas os viram se estabelecer em um metal industrial carregado de letras políticas e piadas pesadas. Mas, em meados dos anos 80, Al Jourgensen e companhia encontraram seu ritmo, essencialmente criando o modelo para o rock industrial. Onde o industrial historicamente teve um pé no espaço da arte e o outro na pista de dança, o Ministry sempre preferiu o último, seus sons carregados de samples criando uma colisão de batidas eletrônicas e guitarras pesadas.

The Land of Rape and Honey não é, de maneira alguma, seu álbum mais simplificado, mas é facilmente o melhor, uma explosão criativa de ameaça atmosférica sombria e puro volume. Com “Stigmata”, eles criaram um hino de clube para rivalizar com seu single anterior, mais kitsch, “Every Day Is Halloween”, enquanto “The Missing” os levou mais a fundo nas estéticas do metal e “Golden Dawn” evocou uma atmosfera apocalíptica e cinematográfica que invoca imagens de edifícios em ruínas e nuvens de fumaça. Embora o Ministry esteja longe de ser a banda mais séria na história do industrial, foram os primeiros a dominá-la como uma produção ampla e amigável ao mainstream.

Godflesh: Streetcleaner

Justin Broadrick tinha apenas 19 anos quando fez sua estreia marcante no metal industrial com Godflesh, Streetcleaner de 1989. Esse é um fato notável considerando que não soa como o trabalho de alguém que é apenas um adulto — é o tipo de som que você esperaria ouvir vindo de seres malignos e imortais que vivem abaixo da superfície da terra. Onde as raízes do metal industrial vieram principalmente de artistas que evoluíram das raízes iniciais do industrial e do post-punk — como Killing Joke ou Ministry — o pessoal do Godflesh já estava um pouco mais estabelecido no metal, Broadrick tendo feito brevemente parte do Napalm Death antes de desacelerar o tempo e contratar uma máquina de bateria. Streetcleaner, como resultado, não está nem perto de ser um álbum de dança — é uma série dura de gritos primais alterados de pitch, riffs de guitarra triturantes e pancadas de baixo Roland. É o som de uma distopia particularmente sádica.

Nine Inch Nails: The Downward Spiral

Para a vasta maioria dos atos pioneiros do industrial, a aceitação mainstream não foi um fator muito relevante, e no caso do Throbbing Gristle, o sucesso crossover era uma ideia que ia totalmente contra suas sensibilidades provocativas. No entanto, para Trent Reznor, um artista que realmente colaborou com membros do Throbbing Gristle, pop e industrial não eram contradições. Rolling Stone descreveu o álbum de estreia do Nine Inch Nails, Pretty Hate Machine, como “o primeiro álbum industrial de cantor/compositor”, e com seu álbum sucessor em 1994, The Downward Spiral, Reznor usou aquele esboço inicial para construir um álbum de art-rock coeso e conceitual usando as ferramentas do industrial para criar seu som widescreen.

Na sua lançamento, The Downward Spiral foi uma quebra de barreira sem precedentes para a música industrial, destacando tanto os extremos maníacos do metal industrial baseado em samples (“March of the Pigs”) quanto sua balada mais introspectiva e devastadora (“Hurt”). Às vezes, o álbum até se assemelha a uma entidade robótica se movendo lentamente através de chuvas de faíscas, como na feroz “Reptile.” É uma obra-prima da produção, uma que tornou a ideia da música industrial universalmente reconhecida, graças em boa parte ao sucesso avassalador da faixa de teor sexual, “Closer.” O fato de que Maxwell fez uma versão da faixa no Unplugged da MTV apenas alguns anos depois marcou um momento um tanto surreal em que a linha entre uma cultura underground outrora cheia de ruídos e o Top 40 finalmente se desfez.