Dawn Richard presta homenagem a Nova Orleans

A cantora e compositora declara ousadamente "Eu sou o gênero" na faixa de introdução "King Creole", antecipando o som progressivo do álbum. Músicas de destaque incluem o harmônico recorde de dança "Boomerang", a faixa inspirada no dancehall "Jacuzzi" e o hino acelerado "Bussifame". No seu todo, Second Line questiona idéias tradicionais de som, produção e estética visual. "É um álbum que as pessoas precisam tocar várias vezes porque precisam digerir o que é", disse Richard à VMP.

Second Line é uma ode autoproclamada a Nova Orleans. A mãe de Dawn, nativa da Louisiana, serve autenticamente como narradora ao longo do projeto, proporcionando uma sensação de cidade natal nas transições e interlúdios. "Como artista solo, quem eu sou — eu sou o exemplo exato do que é um artista de Nova Orleans. Minha mãe é um exemplo disso. Somos criaturas de sobrevivência, porque vivemos em uma cidade que constantemente tem sido esquecida. No entanto, temos toda essa cultura. Temos toda essa beleza", disse Richard.

Intitulado em homenagem a uma tradição comemorativa de Nova Orleans, Second Line realmente incorpora a cidade, mas de uma maneira não tradicional. Historicamente, uma Second Line é quando espectadores se juntam à linha principal de um desfile a pé, muitas vezes para honrar uma pessoa falecida em um funeral de jazz. "Através da morte encontramos positividade. Através da dor encontramos luz. Este álbum não precisa ter uma banda de metais para te dizer que é Nova Orleans", disse Richard. "Não seria eu cantando sobre desfiles o dia todo. Eu ia fazer isso da maneira que me movi na arte. E tudo seria intencional de outras maneiras para influenciar o que significa ser desta cidade."

A artista criada no sul descreve sua cidade natal como um caldeirão tanto musical quanto cultural — semelhante ao seu novo álbum. "[Em Nova Orleans] temos Creole, brancos, negros, cajun, italianos, vietnamitas. Temos uma população muito grande de apenas diversidade na cidade. Você caminha pela Bourbon [Street] e ouve um clube de rock, um clube de zydeco, um clube de blues. Você pode ouvir como oito gêneros diferentes de música em um único quarteirão. Isso é natural aqui", explicou Richard. "A mesma coisa musicalmente com este álbum. É multi-gênero, mas é intencionalmente misturado com todas essas coisas lindas para englobar o que fui criado. Eu queria contar essa história."

Richard conversou com a VMP sobre celebrar uma nova onda, pondo fim a estereótipos, caixas e limitações na música. Além disso, ela elabora sobre o revival eletrônico, o Afrofuturismo e a quebra de tetos de vidro através dos gêneros.

Esta entrevista foi condensada e editada para clareza.

VMP: Antes de falarmos sobre o álbum, qual foi a inspiração por trás da arte de Second Line?

Dawn Richard: Se você olhar para as minhas capas, sempre tive uma afinidade por uma mulher negra parecendo uma guerreira. Sempre quis isso, desde Goldenheart e por diante. É importante para mim que a mulher negra — ou mesmo que não seja uma mulher negra, a comunidade queer negra, pessoas que se consideram diferentes, vejam a si mesmas como realeza e régias dentro da luta.

E o que nós criamos foi King Creole, e essa é a armadura. Em vez da armadura ser o que eu normalmente usaria, como em Goldenheart — eu usei uma peça de armadura verdadeira. Em Blackheart, eu tinha o rosto da armadura. Ou com New Breed, eu tinha a cabeça de índio de Mardi Gras. Desta vez, a pele dela é a armadura. Então é um novo olhar sobre o que eu veria quando penso em artistas ou pessoas que sempre foram subestimadas. Eu sempre as vejo como guerreiras e eu, King Creole. Vejo-me assim.

Interessante; qual é a sua faixa pessoal favorita no álbum e por quê?

Na verdade, eu amo o trio de "Le Petit Morte" em "Radio Free" em "The Potter". Essas três são poderosas para mim porque a segunda metade do álbum é o lado humano do álbum. É muito mais vulnerável. É muito mais despojado. Enquanto a primeira metade do álbum é um processo progressivo, o lado Android do álbum. Então você tem mais registros de dança na primeira metade. Enquanto a segunda metade do álbum é mais de um ritmo lento.

Esses três registros, para mim, falam sobre quando você é curado para a indústria ou apenas para as pessoas. Então eles te elevam como um produto e, depois, te deixam. E você fica preso na prateleira. Como você se ama? E como o mundo te ama quando você não é mais a coisa popular? Quando você não é a coisa que é vista como mais bonita? Como você sobrevive a isso, ou se cura através disso? E esses três registros realmente ressoam, para mim, o aspecto humano do que eu passei nesta jornada musical.

Em "Radio Free" você foi sincera sobre sua experiência na indústria da música. Como você está navegando como artista solo, particularmente como uma mulher negra?

Eu não percebi até me tornar a artista solo que a minha cor ia ditar meu gênero. Sempre amei alternativo ou dance. Sempre amei esse som. E comecei com um grupo pop que era predominantemente multirracial, com principalmente meninas brancas. Então eu não percebi o impacto. Depois, quando fui para o Dirty Money, era severamente negro. E era hip-hop. Então não era nada fora do normal para ninguém porque isso era tradicional. Não foi até eu me tornar uma artista solo que percebi, "Oh droga, minha cor está me enclausurando agora." E isso foi o começo disso para mim.

Eu tive que sobreviver quando todos me rejeitaram — quando não viam esse som ou ouviam o som em uma mulher negra. Ou no momento em que tentei ser versátil e mostrar às pessoas que eu posso fazer todos esses sons diferentes, e isso faz sentido. Eu posso ser produtora; posso ser animadora; posso seguir uma trajetória diferente do normal dos artistas. Fui rejeitada por isso. No entanto, oito anos depois, estou aqui tentando dançar por tudo isso.

Sonoramente, cada música é um pouco diferente. Isso foi intencional quando você estava sequenciando o projeto?

Com certeza! A sequência foi importante para mim, e eu não queria o clichê. Todos os meus outros álbuns, eu vinha contando uma história que era tão específica sobre a indústria da música. Era como se cada canção, cada peça, fosse abertamente sobre o desgosto e a dor. Enquanto com este álbum, eu queria que o álbum refletisse o que Nova Orleans significa para mim. Então cada canção — mesmo que possam se misturar — são muito diferentes.

Eu nunca quero que um álbum soe como o outro. Eu realmente quero que as pessoas amem eras diferentes. Elas podem não amar este, podem preferir Goldenheart. As pessoas que estão apenas me conhecendo, podem preferir este e dizer que é o melhor álbum que já ouviram. Eu nunca quero que minha arte seja tipo, "Quero ser melhor que o próximo." Mas mais do que qualquer coisa, quero fazer obras de arte diversas que pintem quadros diferentes, mas que possam ser tocadas como um todo. E quando você toca, você pode ouvir totalmente a história. E você pode ver a jornada, e você pode acompanhá-la. Isso é tudo que eu poderia pedir como artista — é que você sinta. Você pode odiar, amar, apenas sentir. Se eu conseguir fazer isso com isso, então eu fiz meu trabalho.

Os videoclipes também compartilham um tema comum. Desde a visão artística até a coreografia, especificamente "Bussifame" e "Jacuzzi". Qual mensagem você estava tentando transmitir com os visuais?

O álbum é uma Nova Orleans pós-apocalíptica. É o Blade Runner de Nova Orleans. Visualmente, eu estava tentando personificar isso da melhor maneira que eu podia com um orçamento independente. Meu diretor, coreógrafo e dançarinos todos sendo de Nova Orleans, aplicando a arte da dança. Porque aqui [em Nova Orleans] desfiles, equipes de dança e as majorettes estão sempre presentes. É uma questão cultural aqui. Então, combinar a ideia de ter várias garotas dançando comigo para criar a estética da tradição de Nova Orleans está nos visuais.

No entanto, a maneira como nos parecemos iguais, criando o conceito de que, após este mundo pós-apocalíptico acontecer, a primeira pessoa que você vê são mulheres negras. Então o mundo se apaga e a primeira imagem que você vê são essas meninas negras. Mesmo vestido e mesmo cabelo para contar a história do Android. Elas pareceriam todas iguais, dançariam da mesma forma. Mas, esteticamente, haveria uma aparência sombria, um visual sujo. Então todos os meus visuais não são limpos. Não estão polidos como meus outros visuais foram. Nossos trajes não são perfeitos. Há buracos, há rasgos. Nossa maquiagem é moldada. Isso deve ser mais brutal do que meus visuais normais. Porque estamos em um mundo que é não polido. É cru.

É evidente nos créditos que você esteve muito envolvida com o projeto como um todo. Especialmente em termos de escrita e produção. Como foi esse processo desta vez?

Eu estive [trabalhando por trás das cenas] por oito anos. Tive que construir meu próprio set para meus shows e desmontá-lo depois de me apresentar por duas horas seguidas. Eu só tive algumas [pessoas para ajudar]. Fui sortuda e sou grata pelas poucas pessoas que acreditaram em mim e no meu processo. Então, muitas vezes eu tive que aprender sozinha. E ganhar e perder sozinha também. Então não é diferente. Este processo criativo não é diferente dos outros cinco ou seis álbuns que tive que fazer anteriormente. [Para realmente] manter a mensagem fluindo, para manter a arte em movimento.

Acho que fui intencional com este álbum. Estrategicamente, para trabalhar com muitas pessoas de cor. Trabalhar com animadores da Nigéria, com minha coreógrafa e meu diretor sendo mulheres, mulheres negras, isso foi importante para mim. Depois, ter os artistas que criaram o álbum sendo de Nova Orleans; esses foram movimentos intencionais.