Sons da introspecção: Bicep sobre seu novo álbum 'Isles'

O segundo álbum deles, Isles, estende a tradição do Bicep, destacando seu talento para garimpar discos e reinterpretar a música, ao samplear ritmos esotéricos de R&B e disco, ao lado de cantores malauianos e o Coro Feminino da Televisão Estatal Búlgara. Com a ajuda das texturas psicodélicas e manipulação melódica do Bicep, você sente a sacralidade desses discos raros. E embora cada audição evoque uma jornada emocional diferente para cada ouvinte, para mim, Isles soa como uma euforia assombrada.

A VMP conversou com eles antes do lançamento do álbum para falar sobre techno, seu processo criativo e a estranha experiência de viralizar no TikTok.

VMP: Em que ponto o tema de Isles entrou em jogo?

McBriar: Depois de terminar o álbum. Isso surgiu de uma reflexão. Ao discutir as coisas que nos inspiraram e influenciaram, olhamos para as faixas e percebemos que eram essencialmente um híbrido das ilhas em que vivemos: Inglaterra e Irlanda. Estamos chegando ao meio termo de estarmos em ambos, então fazia sentido. Vimos as influências da música de clube irlandesa, todos os clubes de techno e horas ouvindo trance no rádio, assim como a música folclórica irlandesa. Então, vindo para Londres, você tem o garage, drum & bass, jungle e coisas que realmente não experimentamos na Irlanda, ou talvez só um pouco. O álbum definitivamente reflete as influências dos dois lados do espectro. Com Isles, assim que dissemos isso e pensamos sobre isso, realmente começou a fazer sentido.

O techno era grande na Irlanda?

McBriar: Sim, enorme. Quando dizemos “enorme”, ainda era extremamente underground. Havia grandes noites no Shine [um dos clubes mais lendários de Belfast] onde tinham cerca de 3.000 pessoas, e era simplesmente louco, o apetite por isso. Foi uma experiência tão intensa contra uma Irlanda muito conservadora, onde não acontecia muita intensidade.

Ferguson: Belfast estava, de muitas maneiras, atrás do resto do mundo, então ter esse techno avançado era louco para nós quando éramos crianças; nos impactou fortemente e deu o pontapé inicial em nosso amor por procurar e pesquisar música. Isso nos levou a ser DJs e, a partir disso, descobrimos todos os outros tipos de música. Foi um verdadeiro catalisador porque antes disso, ambos éramos realmente fãs de rock.

Por que você acha que o techno era tão atraente para as pessoas que viviam na Irlanda naquela época?

McBriar: O tempo (risos). Mas não, acho que é a transcendência. Você também pode liberar um pouco de agressão. Há tanta turbulência política, o tempo não é ótimo. E com o techno, é música para desligar o cérebro. Não há vocais, apenas cinco horas de ir para outro planeta. Acho que é por isso que o techno é tão popular para muitas pessoas, é uma chance de realmente desconectar e entrar no seu próprio lugar. Realmente fazia sentido na Irlanda naquela época. Eu lembro da sensação de entrar e experimentar algumas milhares de pessoas em uma sala, com as cabeças abaixadas na escuridão total, e pela primeira vez — tínhamos 17 anos — foi simplesmente alucinante.

Havia muitos outros ambientes onde você sentia essa falta de tensão entre católicos e protestantes na Irlanda do Norte?

Ferguson: Não. Quase tudo na Irlanda do Norte é politizado, é difícil pensar em algo que não seja. Até mesmo como a cidade é dividida em diferentes distritos que são predominantemente de uma religião ou outra. Era louco, a diferença que você sentia no clube. Não que estivéssemos procurando por isso, mas certamente sentia como uma contracultura ao que estava acontecendo lá fora.

Você acha que isso é algo específico do techno, seu efeito despolitizador?

Ferguson: O problema é que, se você olhar para o punk e o rock, muito disso é político, mas com a música de dança, você escreve sua própria narrativa. Você entra no seu mundo quando ouve. Todo mundo tem uma experiência muito diferente em uma boate do que talvez tenha em outro lugar. Acho que há mais introspecção na música de dança, onde você entra nela do seu próprio jeito porque há muitos espaços a serem preenchidos.

Há emoções particulares que vocês tentam buscar na sua música?

Ferguson: Nós cobrimos muito terreno. Há dias em que um de nós está com raiva, ou feliz, ou triste, ou seja lá o que for. Nós não discutimos isso, apenas tocamos no estúdio constantemente, e o que sai é o resultado de duas pessoas diferentes trabalhando. Regularmente, as pessoas dizem que nossa música é uma mistura de feliz e triste; animadora, mas melancólica. Estamos em um estágio onde podemos ver isso claramente, apesar de não ser algo que buscamos ativamente. É algo que naturalmente sai, deve ser algo que está dentro de nós. Ainda assim, é escrito de uma maneira para que as pessoas interpretem à sua maneira e façam sua própria jornada com ela, para que possam colocar sua própria narrativa. Há cenas futuristas, com alguns dos sons do passado — as coisas com as quais crescemos. Temos uma afinidade natural com os sintetizadores dos anos 80.

McBriar: Nunca queremos entregar algo completamente doce ou totalmente escuro. É a tensão entre essas emoções. Sempre que temos uma faixa que parece estar indo em uma dessas direções, nos certificamos de levá-la para outro lugar. Existem cerca de quatro ou cinco versões de cada faixa no álbum, e geralmente a primeira versão leva a uma direção bastante básica, então levamos um tempo e a abordamos de outro ângulo, depois tentamos esculpir essa coisa multilayered. Naturalmente, sendo dois de nós, raramente estamos na mesma página.

Há algum conflito entre vocês quando estão fazendo música?

McBriar: Sim, não é tanto conflito, mas se um de nós é muito contra um certo elemento, temos que considerar que outra pessoa que está ouvindo também pode ser contra isso. Se ambos não acreditamos nisso, então não será uma ideia que queremos manter. Isso vem de ambos termos trabalhado em design e entender não se apegar muito às suas ideias, porque alguém em algum departamento vai estragá-las. Se você se apegar muito a uma certa ideia ou visão, você a mantém muito próxima e isso afeta o resultado final. Estamos constantemente ajustando, questionando e adaptando. A abordagem tem que ser colaborativa, e não há espaço para ser egoísta. Esse é o ethos da música de qualquer maneira, tentamos tirar influências de todos os lugares. É para ser aberto e olhar para fora. Temos essa mesma abordagem entre nós. Mantemos relaxado, não intimidamos a outra pessoa para fazer valer nosso ponto de vista. Fizemos 150 demos, e se um de nós não gostasse da faixa, ela seria descartada.

Tendo viajado tanto com o seu álbum de estreia, isso afetou como vocês abordaram a produção deste segundo álbum?

Ferguson: Sim, definitivamente. Com o show ao vivo, aprendemos muito sobre o que funciona e o que uma faixa precisa para ter longevidade. Quando éramos mais jovens, escrevíamos muitas faixas de dança, e ao tentar desmontar as faixas, elas só funcionavam como um todo. Nossas faixas só pareciam funcionar como uma ideia completa, e quanto mais nos aprofundávamos no show ao vivo, mais percebíamos que as partes precisavam ser tão importantes quanto o todo. Uma melodia tinha que ser forte o suficiente para ser isolada ou encaixada em um padrão de bateria diferente para ainda funcionar.

McBriar: Agora, tentamos reinventar nossas faixas de novas maneiras, enquanto ainda conseguimos fazer com que soem como a mesma música. Realmente descobrimos que algumas faixas simplesmente não se desconstruíam adequadamente, enquanto outras músicas que escrevemos sim – e são essas que buscamos. As que realmente podemos desmontar e tocar ao vivo. Não queremos que as faixas sigam uma fórmula rígida, queremos que sejam fluidas e abertas. As faixas terão uma segunda vida quando você vier nos ver ao vivo.

Quão importante é o sampling para a sua música?

McBriar: Mesmo nos primeiros dias de blog, escolhiamos faixas de hip-hop e pesquisávamos seus samples. A jornada de encontrar os samples originais e ver como um músico os reinterpretou é uma enorme inspiração para nós. Adoramos ser abertos e compartilhar música. Nossas faixas não dependem dos samples, e não há nada a esconder. Queremos que as pessoas ouçam a música original, e queremos ser transparentes sobre os samples que usamos. Temos um site onde você pode ler sobre todos os samples que usamos neste álbum, porque realmente queríamos enfatizar porque essa música nos influenciou.

Você diria que está trazendo o underground para as massas?

McBriar: Nós apenas fazemos o que fazemos. Viemos de uma cultura mais underground, e realmente não nos inclinamos para o mais comercial. É incrível se isso se conectar nesse nível, mas não é o motivo pelo qual fazemos. Só queremos fazer música da maneira que queremos fazer. Com a Ninja Tune [gravadora do Bicep], eles não fazem você comprometer. Entregamos a música e eles dizem “Vamos fazer isso funcionar.” Você nunca sente que está tentando alcançar algum objetivo comercial, nunca é uma intenção. Com plataformas como Spotify, as pessoas estão tendendo a ouvir música mais experimental e estão abertas a músicas que são muito mais fora do comum, porque o algoritmo trouxe isso à sua atenção. Você tem pessoas que não estão realmente na música de dança ou que não iriam necessariamente a lojas de discos para procurar ouvindo o que consideraríamos música mais underground. É apenas a natureza da música de dança nos últimos anos. Existem clubes no Grand Theft Auto tocando música de dança underground. Se você me dissesse isso quando eu era criança, eu diria que era a forma mais comercial de qualquer música — ter um clube em um videogame.

Quando vocês estavam começando, não havia muitas maneiras óbvias de descobrir música underground, então seu blog serviu para isso. Como é agora, ver que o underground realmente parece estar em conversa com o mainstream?

McBriar: Isso é tudo graças às redes sociais e como elas evoluíram. É difícil pensar em algo que seja realmente underground agora ou que não tenha sido exposto. O mundo está tão hiperconectado agora, mas quando começamos o blog na universidade, realmente parecia seu próprio cantinho da internet. É por isso que o show ao vivo é tão importante agora também, porque em nossas cabeças sabemos que as pessoas conhecem a música, mas a única maneira deles experimentarem nossa reinterpretação dela é em um clube ou festival. Queremos criar esses pequenos momentos no tempo dessa maneira, porque pelo menos isso dá a você algo que não é alcançável a todo momento.

Ferguson: Todos querem tudo agora.

Porque vocês vêm de uma cultura de garimpo – o que eu acho uma maneira muito especial de se conectar com a música — vocês acham que essa conexão é comprometida quando a música é apenas servida a você em uma bandeja algorítmica?

McBriar: Existem várias maneiras de ver isso. Agora mais pessoas têm acesso a mais músicas, isso é provavelmente uma coisa boa. Quarenta anos atrás, havia pessoas que só ouviam o top 10 e as rádios mainstream, mas agora mais pessoas estão ouvindo essas coisas. No entanto, precisa haver mais ênfase no underground e nas raridades. Quem sabe onde o streaming vai parar, quanto tempo vai durar ou quanto tempo os artistas vão manter sua música lá, mas eu sei que os artistas precisam receber mais dessas plataformas.

Estou interessado em saber como o TikTok impactou vocês desde que sua faixa “Glue” viralizou na plataforma?

McBriar: Já tínhamos ouvido falar do TikTok, mas nenhum de nós tem ou sabe algo sobre isso. Aprendemos sobre isso recentemente porque sabíamos que a faixa tinha estourado. É bastante interessante a ideia de algo ser viral. Originalmente, um vídeo viral significava que ele seria compartilhado muitas vezes enquanto o vídeo permanecia o mesmo, mas um vírus real muta. Com o TikTok, a música pode ser reinterpretada com visuais diferentes a cada vez que é repostada, e isso é muito mais próximo da definição original de viral, porque está sempre mudando. Para nós, não podemos deixar de pensar, uau, tantas pessoas reinterpretaram nossa música. É uma plataforma que foi feita para isso, onde as coisas podem ganhar vida própria.

**Apesar das várias reinterpretações, todos os vídeos que vi no TikTok que usam sua faixa seguem o mesmo tipo de vibe. Uma espécie de nostalgia dolorosa.**

Ferguson: É engraçado. As pessoas usaram a música para sonorizar as ruas vazias durante a pandemia, e isso despertou ainda mais a nostalgia das pessoas — o que elas sentem falta e o que perderam. É bem emo. Mas não associamos emoções tão fortes a “Glue”. Quando a escrevemos, a colocamos mais no lado feliz. Para nós, essa é a beleza da música instrumental, as pessoas encontrarem seus próprios significados.

O que fez vocês quererem revisitar o blog Bicep durante o lockdown?

McBriar: Estávamos conversando com Olly, um dos nossos gerentes sobre isso, mas achamos que era muito diferente desta vez. Você está constantemente lutando para fazer as pessoas irem ao blog. A tecnologia se tornou tão dependente de direcionar as pessoas para isso, ao ponto em que não faz mais sentido. No passado, havia se tornado uma espécie de destino para agregadores de blogs, então você não precisava realmente trabalhar para fazer as pessoas irem até lá. Agora, parece muito apenas para fazer as pessoas lerem um post. Se tivéssemos postado algo no nosso Instagram, teria tido muito mais interação. O blog parece uma tecnologia datada, o que é meio triste porque sempre gostamos de escrever sobre música, fornecer contexto para ela, e tentar imaginar como é o artista que a escreveu. Pode estar muito longe da verdade, mas o blog sempre pareceu um bom lugar para pintar essas imagens, parecia um fanzine para nós. É algo que se perdeu na cultura da internet e das redes sociais.

Estou me perguntando como é planejar o lançamento de um álbum sem saber como será a condição do mundo quando ele sair?

Ferguson: Para ser honesto, foi bom definir uma data, porque poderia ter sido interminável de outra forma. A música ainda precisa parecer fresca para nós, e adiá-la teria sido prejudicial para falarmos sobre ela ou tocá-la ao vivo. Nós talvez não nos conectássemos com ela se deixássemos passar muito tempo.