The Endearing Silliness And Sincerity Of Goon Sax

Louis Forster estava assistindo ao filme de terror japonês de 1977 House quando teve uma ideia. Inspirado pelos personagens principais do filme, que eram nomeados de acordo com suas características principais — uma mulher que constantemente arruma sua maquiagem é chamada de Gorgeous (Bonita), outra que ama música é chamada de Melody (Melodia) — Forster fez o mesmo com seus colegas de banda James Harrison e Riley Jones, que tocam com ele no The Goon Sax. Forster batizou Harrison de Lazy (Preguiçoso), Jones de Busy (Ocupado) e ele mesmo de Bendy (Flexível).

“Acho que James é o cara mais de boa,” diz Forster. “James não está relaxando, ele é o James Horizontal Harrison.”

“Acho que sou meio preguiçoso,” Harrison responde, sua voz uma manifestação sonora de um encolher de ombros. “Mas acho que há outras pessoas na banda que fazem coisas tão bobas quanto.”

Desde seu debut em 2016, Up To Anything, o trio de indie-pop-meets-post-punk de Brisbane navega por muitos rótulos — “tão inteligentes quanto tristes,” “autodepreciativos mas nunca melancólicos,” “simplicidade cativante” — embora “bobo” nunca parecesse ser o principal. The Goon Sax, formado em 2013 como um duo de Harrison e Forster, que é filho de Robert Forster, famoso por Go-Betweens (Jones se juntou em 2014 após apenas alguns meses de aulas de bateria), tem talento para enquadrar momentos pequenos como ainda menores. Up To Anything, lançado quando os membros da banda tinham 16 e 17 anos, detalha de forma languida as intimidades da vida adolescente com um desejo depressivo — “Eu quero que as pessoas pensem em mim,” canta Forster na faixa título do álbum.

Embora poucos anos mais velhos, The Goon Sax exploram um novo território em seu segundo álbum, We’re Not Talking, já lançado: ansiedade. O LP, em alguns momentos, é frenético, romântico, nostálgico, irritado. Em “Love Lost,” uma faixa liderada por Harrison, que apresenta cordas e castanholas, ele lamenta: “Tenho problemas que não sei como lidar / e tenho questões com as quais não quero ser visto.” Em outros momentos, Jones exclama: “Vou sentir falta da tristeza / isso é a única coisa que eu já conheci” em “Strange Light,” uma ode a Brisbane e os erros cometidos lá.

Em We’re Not Talking, todos os três membros do Goon Sax contribuíram para a composição vocal e instrumental, uma mudança em relação à principal composição de Harrison e Forster em Up To Anything. Ao vivo, eles trocam de instrumentos, com Jones ocasionalmente assumindo a guitarra e Forster pegando a bateria, cada membro uma engrenagem em uma máquina que funciona constantemente, sempre se preparando para o impacto.

“Estamos esperando o pior o tempo todo,” brinca Forster.

“Talvez o avião ainda não esteja caindo,” Jones responde, “mas há essa sensação de que pode cair.”

VMP: Como a dinâmica de composição de músicas mudou em We’re Not Talking?

Louis Forster: Não acho que foi uma escolha consciente que íamos trabalhar em coisas de forma diferente. Simplesmente aconteceu que Riley ficou mais à vontade para cantar. No primeiro álbum, eu escrevi algumas músicas a mais do que James e desta vez James está escrevendo muitas músicas muito rápido. Todos nós temos mais influência nas músicas uns dos outros.

Como funciona o processo de crítica quando vocês estão editando o trabalho um do outro?

Riley Jones: Nós realmente não criticamos uns aos outros. Não acho que jamais senti necessidade de fazer isso. Éramos tipo, “Sim, muito bom. Temos outra música. Legal,” o que é sortudo.

LF: Não acho que era, “Eu gosto dessa música, mas mude essas letras e tire essa parte, e então ficará boa.” Não acho que esse tipo de coisa aconteceu. Era mais sobre ter mais influência na estrutura das músicas uns dos outros ou enquanto praticávamos, as coisas não sendo tão concretas imediatamente quando começamos a tocar uma música e ela mudando muito. Algumas [das músicas] tocamos por dois anos antes de gravá-las. Nesse meio tempo, elas provavelmente ficaram bem irreconhecíveis em relação ao estado original.

Sempre é divertido mapear a trajetória de certas músicas: Tive essa sensação uma vez, agora é uma coisa totalmente diferente e viva.

RJ: É estranho como ela se torna sua própria coisa tão rapidamente.

LF: Então, uma vez que você grava, você meio que sente que está mantendo-a em um estado permanente, o que eu odeio. Às vezes penso que música não deveria ser gravada porque continua mudando depois disso. Todas as músicas ainda estão mudando para mim porque as tocamos de maneira diferente, mais rápido ou mais devagar ou com pessoas diferentes cantando. Gravar alguma coisa lhe dá quase um estado falso de permanência.

RJ: Mas é apenas um registro. Apenas um registro de como soava.

Mas alguém pode abrir o Spotify e esse é o único contexto que eles têm para as músicas, diferentemente de alguém que vê vocês tocando ao vivo com frequência.

LF: Acho que se você toca de maneira diferente de como foi gravado, parece que você mudou.

A NPR mencionou algo interessante quando escreveram que muitas músicas carecem de sinceridade quando se trata de amor. Vocês acham que têm essa sinceridade? O que é preciso para ser realmente sincero na música?

LF: Acho que é sincero. É engraçado olhar para essas músicas agora que gravamos e escrevemos há um tempo. Tenho certeza absoluta de que cada coisa que dissemos é sincera e verdadeira. Isso é definitivamente algo que não posso [encontrar] falhas.

Quais são esses momentos que inspiram vocês a escrever?

LF: Muitas vezes sinto que não escrevo necessariamente sobre coisas conforme acontecem. Eu sempre escrevo sobre coisas que aconteceram algum tempo depois. São apenas eventos e sentimentos que são editados em letras. Observações sobre coisas. Havia essa música que escrevi para tentar lembrar onde cresci antes de me mudar porque queria especificamente lembrar disso. Era quase uma nota mental.

Qual música era essa?

LF: Algumas partes de “Strange Light.” Riley também escreveu muitas dessas letras. Originalmente tinha um monte de outras letras, mas esse era o propósito original dessas músicas.

Quanto tempo e lugar influenciam a maneira como você escreve letras?

James Harrison: Talvez o tempo e o lugar desempenhem um grande papel nisso porque, quando escrevo, algo aconteceu e volto para casa e talvez tome uma bebida. Gosto de muitas bandas de Brisbane e algumas delas fazem minha música soar como outras bandas de Brisbane.

LF: Acho que esse álbum é muito tempo e lugar para mim. Brisbane em 2015, 2016, início de 2017. Eu penso muito em termos de anos.

O que estava acontecendo em suas vidas em Brisbane em 2015?

LF: Eu estava na 11ª série, Riley e James estariam na 12ª série. Foi uma época bastante emocionalmente confusa. Para mim, era sobre estar apaixonado pela primeira vez e estar tão sobrecarregado por isso.

JH: Eu estava na 12ª série e foi confuso e um pouco intenso.

LF: Para mim, este álbum é muito sobre ansiedade. O último álbum, o primeiro, lembro de pensar que soava muito deprimido e este parece mais ansioso do que deprimido.

Vocês estão experimentando todas as emoções.

JH: Acho que a ansiedade é uma grande parte disso.

LF: Você tem que se concentrar em certa coisa. No momento, estou escrevendo principalmente sobre medo e [quando] você muda esses tópicos ou essas motivações, quais sentimentos se transformam em escrita? Você ainda sente todas as outras coisas, mas em que ponto do seu pensamento aquilo vira uma música?

Mesmo o jeito que o álbum saiu, sonicamente, é um pouco mais animado. Isso se traduz em um som mais ansioso.

RJ: É rápido e eu estava pensando em ritmos e tentando fazer os ritmos mais interessantes neste. Estou esperando que nosso próximo álbum não soará como ansiedade.

Você está esperando que ele soe como?

RJ: Apenas um pouco mais cósmico.

JH: Ser cósmico seria muito melhor.

RJ: Quem sabe se é possível não fazer algo como um produto de negatividade ou angústia. Pode não ser possível. Talvez seja possível, mas não vamos gostar.

Porque existe essa noção de que da dor vem ótima arte.

RJ: Pode vir de músicos de blues antigos que escrevem a música mais dolorosa, comovente e bonita. Talvez tenhamos que sentir mais dor ou algo assim. Talvez não seja o suficiente.

JH: Eu não acho que é o suficiente.

LF: Acho que as músicas podem vir de se sentir muito bem também. Muitas boas músicas vêm de se sentir ótimo. Talvez seja mais uma ideia que vem da dor porque muitas vezes, quando as pessoas se sentem muito bem, estão muito envolvidas nisso para querer escrever sobre isso.

Escrever te aproxima mais da clareza sobre as coisas que você escreve?

LF: Até certo ponto. Às vezes, não chega nem perto. Quase torna mais confuso e mais frustrante porque música e o que você faz com ela são limitados. É difícil transformar algo em alguns sons e palavras.

RJ: Acho que neste álbum pensamos que podíamos fazer isso. Para mim, parecia que poderíamos fazer isso sendo o mais completamente honestos possível. Ouviríamos muita música que não parecia honesta e valorizávamos muito quando parecia. Não sei se teria a mesma abordagem agora. Definitivamente, gostaria de continuar sendo honesto sempre, mas também gostaria de ser mais brincalhão com isso.

LF: Acho que você começa a perceber que, só por soletrar as coisas exatamente como aconteceram, não vai dar às pessoas a sensação que você teve. Isso foi uma coisa estranha para eu perceber. Você não pode comunicar essas coisas.