Utracona historia relacji Indii z jazzem

(zdjęcie za pośrednictwem Meridian)

Lata 20. XX wieku były burzliwym czasem dla ludzi kolorowych, a szczególnie dla czarnoskórych w Ameryce. Zmagając się z życiem w świecie, gdzie rasizm był wszechobecny, Afroamerykanie nie czuli się ani mile widziani, ani bezpieczni. Ta dekada przyniosła również erę jazzu – czas ekstrawagancji, prohibicji i nowego bogactwa. W tym okresie oraz w późniejszych latach, ikoniczni muzycy jazzowi tacy jak Louis Armstrong i Duke Ellington podróżowali po świecie z zespołami towarzyszącymi. Miejsca, w których występowali, mogłyby Cię zaskoczyć; Afganistan i Indie stały się rosnącymi hotspotami dla fanów jazzu wschodniego. Niestety, nagrania występu Ellingtona w Afganistanie zostały zniszczone przez Taliban, ale pozostałości jego swingowego stylu i ducha walki wciąż są żywe.

Szczególnie Indie zyskały szczególne zamiłowanie do jazzu, a Afroamerykańscy muzycy wędrowni czuli się mile widziani w tej scenerii. Aby uciec od ciągłej prześladowania doświadczanego w Stanach Zjednoczonych, czarni muzycy jazzowi postanowili uczynić Indie swoim nowym domem, a z nimi narodziły się korzenie muzycznej współpracy indyjskiej i afroamerykańskiej. Infamous luksusowy hotel w Bombaju, The Taj Mahal, nawet posunął się do zaproszenia czarnego skrzypka z Minnesoty, Leona Abbey’a, aby stworzyć dziewięcioosobowy zespół jazzowy rezydencki w 1935 roku. Przed tym Abbey był stałym elementem paryskiej sceny jazzowej przez sześć miesięcy, a on założył pierwszy całkowicie czarny zespół grający jazz w Indiach. Grali dla elity Bombaju w opulentnej i ekstrawaganckiej sali balowej art-deco tajskiego hotelu. Obserwowanie występu zespołu jazzowego było wydarzeniem; gigantyczne kolumny zdobiły salę, a obracająca się scena sprawiała, że hotel Taj Mahal był domem dla najbardziej entuzjastycznych muzyków Bombaju.

Jazz trafił również do Indii częściowo z powodu zimnej wojny. Rosja i Stany Zjednoczone pokazały Indiom to, co postrzegały jako swoje największe dzieło sztuki, aby zdobyć ich lojalność. Podczas gdy Rosjanie wysłali Balet Kirova (znany dziś jako Balet Maryjski) w trasę po kraju, Amerykanie skupili się na tym, aby jazz stał się obiektem indyjskich sympatii. Dave Brubeck był jednym z pierwszych muzyków wybranych przez CIA do odbywania tournee i w wyniku tego zaczął współpracować z wieloma lokalnymi muzykami. To z kolei prowadziło do tego, że Indusi, którzy zwykle nie wychodzili poza swoje tradycyjne strefy komfortu, eksperymentowali z interpretacją pojęcia, które znali już bardzo dobrze: improwizacji. Jednym z ulubionych jamujących Brubecka był Micky Correa, który miał owocną karierę trwającą ponad 30 lat. Afroamerykańscy muzycy, którzy następnie dołączyli do tej quasi-politycznej trasy, także poszli za jego przykładem, a ich wpływ był wyczuwalny w współczesnej indyjskiej popkulturze. Jazz również dotarł do Indii poprzez odkrycie. Jako portugalska kolonia, rzymskokatoliccy Goanie byli szczególnie otwarci na jazz, ponieważ mieli silne zainteresowanie muzyką i kulturą zachodnią. Często Goanie katolicy nosili europejskie imiona i to Goanie muzycy stali się legendami w bombajskiej scenie jazzowej, jak Frank Fernand czy Anthony Gonsalves. Gonsalves stał się znanym nazwiskiem z tego powodu, że został wspomniany w komedii z 1977 roku Amar Akbar Anthony w utworze „My Name Is Anthony Gonsalves”. To mówi wiele o ogromnym wpływie tych muzyków jazzowych.

W Indiach afroamerykańscy muzycy jazzowi byli witani z ciepłem, gościnnością i akceptacją; coś, co było obce w tym, co nazywali domem. A z wielu afroamerykańskich muzyków jazzowych, którzy osiedlili się w Indiach i współpracowali z lokalnymi muzykami, narodził się indyjski jazz. Innym zespołem rezydenckim dla hotelu Taj Mahal była wspólna inicjatywa z czarnymi, indyjskimi i białymi muzykami; zespół został prowadzony przez Teddy’ego Weatherforda na fortepianie i Cricket Smitha na rogu, a indyjski jazz rozwinął swój własny styl wykraczający poza bardziej tradycyjny amerykański jazz. Sama idea gatunku może wydawać się na początku dychotomiczna, ale ma więcej sensu i gładko współbrzmi w kontekście jego korzeni kompozytorskich. Klasyczna muzyka indyjska jest z natury improwizacyjna, opierając się na wolnych wokalach, uzupełnionych przez błyszczące sitary i żywiołowe table. Muzycy jazzowi pochodzenia indyjskiego brali improwizację – pojęcie, które dobrze znali – i stosowali ją do skal pentatonicznych zamiast rag (indyskich skal), grając na instrumentach dętych i blaszanych zamiast na shehnai, a także używając zachodniego perkusjonowania zamiast tabli i dholu. To połączenie kultur pozwoliło indyjskim muzykom różnicować i rozszerzać ich muzyczne inspiracje, ale również zrodziło kariery niektórych z największych indyjskich muzyków w historii.

Scena jazzu w Indiach, niestety, została w dużej mierze zapomniana, mimo że była integralną częścią jej kultury. Rozległość przenikania jazzu pokazuje, jak bardzo Bombaj był miastem wielokulturowym i globotakim na poziomie Nowego Jorku. Ich podobieństwa leżą w tym, że są miastami portowymi i mają możliwość pragmatycznego przyjmowania wpływów. W rzeczywistości jazz jest tak istotny dla nowoczesnego indyjskiego ducha, że kiedy Indie uzyskały niepodległość od Wielkiej Brytanii 15 sierpnia 1947 roku, najbogatsi z najbogatszych świętowali w Taj Mahal przy dźwiękach jazzu. Choć Dzień Niepodległości jest upamiętniany przez patriotyczny wiersz-banglijski z 1882 roku, który przekształcono w piosenkę „Vande Mataram”, ten muzyczny sojusz symbolizował wolność i kreatywność zarówno dla czarnych, jak i brązowych muzyków, tłumionych przez białych. Niestety, najdłużej żyjący indyjski muzyk jazzowy, Micky Correa, zmarł niedawno, więc nikt nie pozostaje, aby opowiedzieć pierwsze relacje z sali balowej hotelu Taj Mahal. Co gorsza, nie przeprowadzono wywiadów z tymi muzykami, więc możemy jedynie polegać na ich wpływie uchwyconym w popkulturze, by odkrywać historię indyjskiego jazzu.

Producenci Bollywood i dyrektorzy muzyczni usłyszeli o trendzie jazzu wśród indyjskiej elity, i potrzebowali czegoś, a konkretniej kogoś, kto zmodernizuje ich wkrótce przestarzały dźwięk. Tym kimś był człowiek, który jest może synonimem indyjskiego jazzu, Antonio Xavier Vaz, lepiej znany jako Chic Chocolate. Może najbardziej znany muzyk jazzowy, o którym nigdy nie słyszałeś, Chic był multiinstrumentalistą z Go i udało mu się osiągnąć sukces, grając na trąbce w wielu ścieżkach dźwiękowych Bollywood. Chic czerpał ogromną inspirację z Louisa Armstronga i często nazywano go „Louis Armstrongiem Bombaju”, nawet posuwając się do tego, by nosić charakterystyczną chusteczkę i śpiewać w tym gardłowym stylu.

Zaczął w Bombaju prowadząc jedenastoosobowy zespół w hotelu Taj Mahal. Jego praca była płodna, jego wpływ jest nieprzemijający, a charakter jego kompozycji i występów stanowi podstawę tego połączenia kultur, które promował indyjski jazz. Obserwowanie występu Chica Chocolate'a było czymś więcej niż zwykłym koncertem; zadbał, by jego widownia doświadczyła czegoś, czego nigdy nie zapomną. Miał głośną i urokliwą osobowość, która oczarowywała obcych i stałych bywalców; umiał oczarować tłum swoim dowcipnym stylem, a miłość do występów była namacalna. Sformował tak silną więź z regularnymi gośćmi, że grał ich ulubione utwory, gdy tylko wchodzili do sali. Ta żywiołowość jest z pewnością widoczna w jego muzyce, a słuchając starych nagrań jego solowej pracy, można się zauroczyć jego grą na trąbce. Jego trąbka miała pewną szorstkość i chropowatość, szczególnie w utworze „Contessa”; wydawała się mieć własny charakter, przyciągając uwagę wszystkich. Chic grał na trąbce od 25 roku życia i osiągnął niespotykaną wirtuozerię. Choć był znany głównie jako trębacz, jego zręczność oznaczała, że również grał na saksofonie, skrzypcach i wielu instrumentach rytmicznych, a także stał się aranżerem i dyrygentem.

Wpływ jazzu był tak donośny, że dotarł do Bollywood, a Chic Chocolate został uznany za wprowadzenie muzyki zachodniej do indyjskich dyrektorów muzycznych. C. Ramchandra, płodny kompozytor Bollywood, był szczególnie zainspirowany jazzem i dążył do włączenia go do swojej twórczości. Ramchandra ściśle współpracował z Chicem, aby wypracować styl i oddać hołd jazzowi w bardzo indyjskim stylu. Pomimo jego obecności wśród elit i w luksusowych hotelach, połączenie jazzu z Bollywood – w zasadzie indyjską odpowiedzią na muzykę pop – umożliwiło mu dostępność dla wszystkich, niezależnie od klasy czy kasty. Film Bollywood Albela, który zadebiutował w 1951 roku, był łagodnym wprowadzeniem do Chica Chocolate'a. W swojej podstawie ścieżka dźwiękowa jest bardzo słodka, delikatna i współczesna, ale trąbka Chica Chocolate’a uskrzydlająca te, w przeciwnym razie, bardzo indyjskie utwory, służyła jako brama do jazzu. Taki utwór jak „Eena Meena Deeka” z filmu z 1957 roku Aasha stał się na tyle sławny, że został wykorzystany w międzynarodowych reklamach. Ta piosenka ukazała Ramchandrowi, jak interpretować jazz w sposób wyjątkowo indyjski, jednocześnie wciąż brzmiąc tradycyjnie jak afroamerykański jazz. Tekst „maka naka” po konkani oznacza „nie chcę”, to, co widzieliśmy, było fuzją wpływów goan, portugalskich i afroamerykańskich złożonych w jedno unikalne doświadczenie dźwiękowe. Ostatecznie była to zabawna, bezsensowna piosenka, która odzwierciedlała żywego ducha Chica, a jak każda inna piosenka, za którą jest uważany, doskonale ukazuje jego muzyczną i geograficzną pragmatykę.

Niestety w latach 60. – dekadzie, która oznaczała szczyt popularności jazzu – atrakcyjność gatunku zaczęła maleć. Gdy duet kompozytorski Laxmikant-Pyarelal zaczynał zdobywać uznanie w Bollywood dzięki swojej reinterpretacji psychodelii z zachodu, a cięższe instrumenty elektroniczne oraz rock and roll zaczynały zyskiwać pierwszeństwo, jazz przestał być modny po niespełna 40-letniej dominacji obejmującej dwie generacje. Jednak znaczenie indyjskiego jazzu nie leży tylko w jego finalnym produkcie, ale także w solidarności rasowej i współpracy, które z tego wynikały: dwóch dyskryminowanych grup ludzi kolorowych przez białych: Indie przez kolonializm i Afroamerykanów przez niewolnictwo, pożyczających swoje ziemie; ich muzykę nawzajem i tworząc coś niesamowicie unikalnego. To, co wydaje się być prawie niepojętym zderzeniem kultur dla tych, którzy są nieznani, jest w rzeczywistości wnikliwym badaniem tego, jak plastyczność muzyki tworzy piękno i osobliwości talentu.