Dawn Richard oddaje hołd Nowemu Orleanowi

Piosenkarz i autor tekstów odważnie deklaruje „Jestem gatunkiem” na wprowadzającym utworze „King Creole”, zapowiadając progresywne brzmienie albumu. Wyróżniające się piosenki to harmonijny taneczny utwór „Boomerang”, utwór inspirowany dancehallem „Jacuzzi” oraz energetyczny hymn „Bussifame”. Cały album Second Line kwestionuje tradycyjne idee dźwięku, produkcji i estetyki wizualnej. „To album, który ludzie muszą odtwarzać wielokrotnie, ponieważ muszą przyswoić, czym on jest”, powiedziała Richard dla VMP.

Second Line to samoproklamowany hołd dla Nowego Orleanu. Matka Dawn, rodowita Louisiania, autentycznie pełni rolę narratora przez cały projekt, przynosząc domowy klimat do przejść i interludiów. „Jako solowy artysta, kim jestem — jestem dokładnym przykładem tego, czym jest artysta z Nowego Orleanu. Moja mama jest przykładem tego. Jesteśmy stworzeniami przetrwania, ponieważ żyjemy w mieście, które jest ciągle zapomniane. Mimo to mamy całą tę kulturę. Mamy całe to piękno”, powiedziała Richard.

Album zatytułowany po tradycji celebracyjnej z Nowego Orleanu, Second Line naprawdę ucieleśnia miasto, ale w nietradycyjny sposób. Historycznie, Second Line to moment, gdy widzowie dołączają do głównej linii marszowej parady, często w celu uhonorowania zmarłej osoby na pogrzebie jazzowym. „Przez śmierć znajdujemy pozytywność. Przez ból serca znajdujemy światło. Ten album nie musi mieć zespołu dętego, aby powiedzieć, że to Nowy Orlean”, powiedziała Richard. „Nie miałem zamiaru śpiewać o paradach cały dzień. Zamierzałem to zrobić w sposób, w jaki poruszam się w sztuce. I wszystko miało być celowe w innych sposobach wpływania na to, co znaczy być z tego miasta.”

Południowo wychowana artystka opisuje swoje rodzinne miasto jako tygiel zarówno muzycznie, jak i kulturalnie — podobnie jak jej nowy album. „[W Nowym Orleanie] mamy Kreolów, białych, czarnych, Cajuns, Włochów, Wietnamczyków. Mamy bardzo dużą populację różnorodności w mieście. Przejedziesz się ulicą Bourbon [Street] i usłyszysz klub rockowy, klub zydeco, klub bluesowy. Na jednym bloku możesz usłyszeć osiem różnych gatunków muzyki. To tutaj naturalne,” wyjaśniła Richard. „To samo muzycznie z tym albumem. Jest wielogatunkowy, ale celowo wymieszany z wszystkimi tymi pięknymi rzeczami, by obejmować to, w czym dorastałam. Chciałam opowiedzieć tę historię.”

Richard rozmawiała z VMP o celebrowaniu nowej fali, kończeniu stereotypów, pudełek i ograniczeń w muzyce. Ponadto wyjaśniła, czym jest elektro-rewival, Afro-futuryzm i przełamywanie szklanych sufitów w różnych gatunkach.

Ten wywiad został skrócony i zredagowany dla jasności.

VMP: Zanim przejdziemy do albumu, co było inspiracją za okładką Second Line?

Dawn Richard: Jeśli spojrzysz na moje okładki, zawsze miałam skłonność do przedstawienia czarnej kobiety jako wojowniczki. Zawsze tego chciałam, jak spojrzysz od Goldenheart aż do teraz. To ważne dla mnie, aby czarna kobieta — albo nawet jeśli to nie jest czarna kobieta, czarna queer społeczność, ludzie, którzy uważają się za innych, widzieli się jako królewskości i majestatycznych w walce.

A to, co wymyśliliśmy, to King Creole, i to jest zbroja. Zamiast zbroi, którą normalnie bym nosiła jak na Goldenheart — nosiłam prawdziwy zbrojny element. W Blackheart miałam zmazaną twarz zbroi. Lub w New Breed, miałam pióropusz Mardi Gras Indian. Tym razem, jej skóra jest zbroją. Więc to nowy sposób patrzenia na to, co widziałam, myśląc o artystach lub ludziach, którzy zawsze byli niedoceniani. Zawsze widziałam ich jako wojowników, a King Creole, to ja. Widzę siebie w ten sposób.

Interesujące; jaki jest twój ulubiony utwór z tego albumu i dlaczego?

Właściwie kocham trio „Le Petit Morte” w „Radio Free” w „The Potter”. Te trzy są dla mnie potężne, ponieważ druga połowa albumu to ludzka strona albumu. Jest o wiele bardziej dojrzale. Jest o wiele bardziej zsurowane. Podczas gdy pierwsza połowa albumu to proces progresywny, Androide strona albumu. Więc masz więcej utworów tanecznych w pierwszej połowie. Natomiast druga połowa albumu jest bardziej wolniejsza.

Te trzy utwory, dla mnie, mówią o tym, gdy jesteś wykreowany na przemysł lub ludzi. Potem budują cię jako produkt, a potem zostawiają cię. A ty jesteś na półce. Jak kochasz siebie? I jak świat cię kocha, gdy nie jesteś już najpopularniejszą rzeczą? Gdy nie jesteś już tym, co jest najbardziej postrzegane jako piękne? Jak przetrwasz to, lub jak się przez to uzdrowisz? I te trzy utwory naprawdę, dla mnie, rezonują aspekt ludzki, który przeżyłem podczas tej muzycznej podróży.

W „Radio Free” byłaś szczera w swoim doświadczeniu w przemyśle muzycznym. Jak radzisz sobie jako solowa artystka, szczególnie jako czarna kobieta?

Nie zdawałam sobie sprawy, aż stałam się solową artystką, że mój kolor będzie dyktował mój gatunek. Zawsze lubiłam alternatywę lub taniec. Zawsze kochałam to brzmienie. Zaczęłam w zespołu popowym, który był głównie wielorasowy, z większością białych dziewczyn. Więc nie dostawałam szoku. Potem, gdy poszłam do Dirty Money, to było bardzo czarne. I to było hip-hop. Więc nic dziwnego dla nikogo, ponieważ to było tradycyjne. Dopiero gdy stałam się solową artystką, zdałam sobie sprawę: „O cholera, mój kolor mnie ogranicza teraz.” I to był początek tego dla mnie.

Musiałam przetrwać, gdy wszyscy mnie odrzucali — gdy nie dostrzegali tego brzmienia lub tego brzmienia u czarnej kobiety. Albo gdy próbowałam pokazać ludziom, że mogę robić te różne brzmienia, i to ma sens. Mogę być producentem; mogę być animatorem; mogę robić różne trajektorie niż normalni artyści. Odrzucili mnie za to. Jednak, osiem lat później, wciąż tutaj jestem próbując tańczyć przez to wszystko.

Dźwiękowo, każdy utwór jest trochę inny. Czy to było celowe, gdy układałaś projekt?

Zdecydowanie! Kolejność była dla mnie ważna i nie chciałam stereotypu. Wszystkie moje inne albumy opowiadały historię, która była tak specyficzna dla przemysłu muzycznego. Każda piosenka, każdy utwór, był wyraźnie o bólu serca i cierpieniu. Podczas gdy z tym albumem, chciałam, aby album odzwierciedlał, czym Nowy Orlean jest dla mnie. Więc każda piosenka — nawet jeśli mogą się łączyć — są bardzo różne.

Nigdy nie chcę, aby jeden album brzmiał jak drugi. Naprawdę chcę, aby ludzie kochali różne ery. Mogą nie lubić tego, mogą preferować Goldenheart. Ludzie, którzy dopiero mnie poznają, mogą preferować ten i twierdzić, że to najlepszy album, jaki kiedykolwiek słyszeli. Nigdy nie chcę, aby moja sztuka była: „Chcę być lepsza od następnego”. Ale bardziej niż cokolwiek, chcę tworzyć różnorodne dzieła sztuki, które malują różne obrazy, ale można je odtwarzać jako całość. I gdy to odtwarzasz, możesz całkowicie usłyszeć historię. I możesz zobaczyć podróż, i możesz iść z nią. To wszystko, o co mogę prosić jako artysta — abyś czuł. Możesz to znienawidzić, kochać, po prostu czuć. Jeśli mogę to zrobić z tym, to wykonałam swoją pracę.

Teledyski wszystkie mają wspólny temat. Od wizji artystycznej po choreografię, szczególnie „Bussifame” i „Jacuzzi”. Jaką wiadomość próbowałaś przekazać wizualnie?

Album to postapokaliptyczny Nowy Orlean. To Blade Runner z Nowego Orleanu. Wizualnie, próbowałam to jak najlepiej przedstawić z niezależnym budżetem. Mój reżyser, choreograf i tancerze są z Nowego Orleanu, stosując sztukę tańca. Bo tutaj [w Nowym Orleanie] parady, zespoły taneczne i majoretki są zawsze obecne. To tutaj kultura. Więc, połączenie pomysłu, aby mieć wiele dziewczyn tańczących ze mną, aby stworzyć estetykę tradycji Nowego Orleanu, jest w wizualizacji.

Jednak sposób, w jaki wyglądamy tak samo, tworząc koncepcję, że po tym postapokaliptycznym świecie, pierwszą osobą, którą widzisz, jest czarna kobieta. Więc świat się oczyszcza, a pierwszym obrazem, który widzisz, są te czarne dziewczyny. Te same stroje i te same włosy, aby opowiedzieć historię Androida. Wszystkie wyglądałyby tak samo, wszystkie tańczyłyby tak samo. Ale estetycznie miałyby ciemne, surowe spojrzenie na wizualizacje. Więc wszystkie moje wizualizacje nie są czyste. Nie są polerowane jak moje inne wizualizacje. Nasze kostiumy nie są idealne. Są dziury, są rozdarcia. Nasz makijaż jest spleśniały. Ma być bardziej surowy niż moje normalne wizualizacje. Bo jesteśmy w świecie, który nie jest polerowany. Jest surowy.

To widoczne w napisach końcowych, że byłaś bardzo zaangażowana w cały projekt. Szczególnie w kontekście pisania i produkcji. Jaki był ten proces tym razem?

Pracował(a)am [za kulisami] przez osiem lat. Musiałam zbudować swój własny zestaw na moje koncerty i zdejmować go po występie trwającym dwie godziny. Zawsze miałam tylko kilku [ludzi do pomocy]. Miałam szczęście i jestem wdzięczna za te kilka osób, które wierzyły we mnie i mój proces. Więc, często musiałam samodzielnie się uczyć. I wygrywać i przegrywać samodzielnie. Więc tu nie ma różnicy. Ten proces twórczy nie różni się od pozostałych pięciu czy sześciu albumów, które musiałam robić wcześniej. [Aby naprawdę utrzymać wiadomość, aby utrzymać sztukę w ruchu.

Myślę, że celowo podeszłam do tego albumu. Strategicznie, aby pracować z wieloma kolorowymi osobami. Pracując z animatorami z Nigerii, z moją choreografką i reżyserką będąc kobietami, czarnymi kobietami, to było dla mnie ważne. Potem mieć artystów, którzy stworzyli album z Nowego Orleanu; to były celowe ruchy.