Wprowadzenie do Tori Amos

Granie muzyki odkąd sięga pamięcią, ta rudowłosa córka pastora już w wieku trzech lat eksperymentowała z kompozycją, zjawiskiem wspomaganym przez fakt, że postrzegała strukturę piosenek jako kalejdoskopowe światło - objaw często związany z synestezją dźwięk-kolor. Niebawem została wysłana do prestiżowego Peabody Conservatory of Music w Baltimore, co nie miało okazać się długotrwałym związkiem. Miłość Amosa do rocka i popu nie dała się pogodzić z tak konserwatywnym otoczeniem, więc w wieku nastoletnim doskonaliła swoje umiejętności w różnych gejowskich barach i miejscach z fortepianem, zanim przeprowadziła się do L.A., aby spełniać swoje marzenia.

Pomimo szybkiego zabezpieczenia sześciopłytowej umowy z Atlantic Records, droga do alt-rockowej sławy nie była łatwa, a projekt, którego lepiej zapomnieć, zatytułowany Y Kant Tori Read niewiele sugerował o surowym i pełnym mocy materiale, który miał nadejść. Ze światowym synthpopowym wysiłkiem, który nie wzbudził zachwytu ani publiczności, ani wytwórni, Amos musiała wrócić na deski kreślarskie. W następstwie pojawiła się seria wydawnictw, które jednocześnie wpisywały się w eksplodujący ruch alternatywnego rocka, jednocześnie zmagając się z jego apatycznym charakterem.

Otwarcie czerpiąc inspirację ze swojego religijnego wychowania, walki o tożsamość i przebudzenia seksualnego, Amos odważnie próbowała zgłębiać ludzkie doświadczenia poprzez politykę płci, pamięć i odrobinę mistycyzmu. Z pasją podążając za własnymi instynktami, wyznaczyła wyraźną ścieżkę w branży przepełnionej wściekłymi mężczyznami z gitarami. Krytycy nazywali ją kopią Kate Bush, inni narzekali, że jej teksty i persona nie były wystarczająco przystępne, ale to niewiele zatrzymało autorkę piosenek przed zgromadzeniem armii „Torifili”, ośmioma nominacjami do Grammy i garstką osobliwych hitów. W istocie stała się dosadnym środkowym palcem do toksycznej męskości, których potrzebowali rozczarowani nastolatkowie.

Do dziś pozostaje zaciekle niezależną artystką, której tylko głupiec by nie docenił. Z 15 studyjnymi albumami na koncie, jest wiele nastrojów i tonów do odkrycia. Oto dobry punkt wyjścia.

Little Earthquakes (1992)

Z jej poprzednim zespołem naprawdę martwym i pochowanym, Amos potrzebowała ponad roku grzebania, by przekonać Atlantic do wsparcia jej solowego projektu — był to dobrze spędzony czas. Biorąc pod uwagę wszystko, co złe, wszystkie potknięcia i całą hipokryzję poprzednich kilku lat, Amos dotarła do czegoś surowego i nie do przeoczenia. Niezwykła gra na fortepianie i pełne pasji wokale towarzyszą tekstom pełnym biblijnych obrazów, pustego seksu i pragnienia poczucia szczęścia w swojej skórze. Od zabawnego grzebania na „Silent All These Years” po mrożącą krew w żyłach autobiograficzną opowieść „Me and a Gun”, 12 utworów albumu nigdy nie jest mniej niż przejmująco szczere.

W wieku 28 lat Amos w końcu znalazła swój głos, stając się bona fide kultową gwiazdą w Wielkiej Brytanii, zdobywając miejsce w pierwszej 20 na listach przebojów, a także zyskała entuzjastyczne recenzje w Stanach Zjednoczonych. Jak powiedziała Rolling Stone w 2009 roku: „To był prawdziwy punkt zwrotny w określaniu, jakie życie chciałam prowadzić. To był prawdziwy początek.” Było to unikalnie osobiste wydanie, które pomogło zmyć nadmiar lat 80. i otworzyć drzwi dla kobiet-autorek piosenek, które wkrótce z nią podążyły.

Under The Pink (1994)

Z bazy fanów teraz solidnie ugruntowaną, Amos wycofała się do Nowego Meksyku, aby stworzyć akustycznie prowadzony Under The Pink. Chociaż wyraźnie objęła swoje klasyczne początki, odważnie zdecydowała się wprowadzić trochę postawy z epoki Grunge do drugiego albumu, pełnego cichych melodii i szerokich smyczków. Singiel „Pretty Good Year” efektywnie wykorzystał charakterystyczną dynamikę Pixies „głośno-cicho-głośno”, podczas gdy zachrypnięty „God” jasno celuje w Wszechmogącego - sugerując, że nasz stwórca może potrzebować pomocy kobiety. Mistrz umysłu Nine Inch Nails, Trent Reznor, pojawia się nawet jako gość, dodając subtelne chórki do ulubionego przez fanów „Past The Mission.”

Ośrodkowym punktem albumu jest jednak ”Cornflake Girl”, najbardziej znany utwór Amos, który brzmi nadal świeżo jak w dniu nagrania. Gospel, barokowy pop i stary, dobry rock’n’roll łączą się, tworząc jeden z najbardziej charakterystycznych utworów, które kiedykolwiek pojawiły się na szczycie list przebojów. Mimo że prawie połowa utworów przekracza pięć minut, Under The Pink sprzedało się w ponad 2 milionach egzemplarzy na całym świecie, umacniając Amos jako jedną z najbardziej oryginalnych pisarek swojej epoki - pewne siebie oświadczenie artystki teraz w pełni świadomej swoich możliwości.

Boys For Pele (1996)

Zawierając bogów wulkanów, karmienie prosiąt piersią i samego Lucyfera, można powiedzieć, że Boys For Pele to dzieło psychiki wkurzonej status quo. Rozpadające się związki i ogólnie rzecz biorąc dupkowatość mężczyzn zmusiły Amos do przemyślenia patriarchatu i w trakcie tego również jej własnego rzemiosła. Rezultatem była jej najbardziej nieustępliwa i ekscytująca płyta. Jej pierwsze samodzielnie wyprodukowane wydanie, trzeci album Amos odważnie rzucił w nuty klawesyn, jazzowe wstawki, a nawet niektóre industrialne bity na 18-torową odsłonę, jak żadna inna.

Trudny do zrozumienia dla niektórych fanów w tamtym czasie, śmiała natura rekordu i feministyczny wpływ dopiero zaczęły być naprawdę doceniane niedawno, esej z serii 33⅓ poświęcony temu seminalnemu wydaniu jest obecnie w pracach. Z numerami utworów odnoszącymi się do mitologii egipskiej i psychodelicznych narkotyków pomagających procesowi pisania, jest wiele do rozpakowania. To porywające słuchanie, jak powiedziała Amos Daily News w tamtym czasie: „Czasami szał tego wszystkiego sprawiał, że się cofałam, zaczęłam żyć tymi piosenkami, gdy się rozstawialiśmy. Wampir we mnie wyszedł na wierzch.” To jej najdziksze artystyczne oświadczenie w karierze pełnej wielkich pomysłów.

Scarlet’s Walk (2002)

W swoim pierwszym zbiorze nowego materiału w tym stuleciu, Amos udowodniła, że jej losy nie są związane z losami jej współczesnych ani jej byłej wytwórni, decydując się na wydanie konceptualnego albumu eksplorującego post-9/11 Amerykę. Audio-podróż, można by rzec, siódmy studyjny album Amos widzi ją jak przyjmuje postać tytułowej Scarlet, która eksploruje swoją rodzimą ziemię. Jest glamour, historia rdzennych Amerykanów, erotyka, samoloty, taksówki i zdrowa mieszanka świętego i potępionego.

Ponad dekadę spędzoną na trasach koncertowych po świecie, Amos wykorzystała tę okazję, aby zbadać różnorodną historię USA i jej postaci w sposób, który jest równie biograficzny, co fantastyczny. Zaznaczając nową fazę swojej kariery, to zauważalnie bardziej zrelaksowane słuchanie w porównaniu do jej poprzednich dzieł, ale takie, które nagradza słuchacza wielokrotnymi przesłuchaniami. Ogień dawnych czasów został zastąpiony poczuciem nostalgii, a z czasem podróż Scarlet staje się własną podróżą.

Night of Hunters (2011)

Albumy świąteczne, orkiestrowe przeróbki i musicale wypełniały grafik Amos przez ostatnią dekadę. Jej pasja do eksperymentowania nigdy nie słabła, z Night of Hunters będąc być może jej najoryginalniejszym wydaniem z ostatnich 15 lat. Czerpiąc inspirację z oryginalnych kompozycji Chopina, Bacha, Schuberta i innych, Amos przerobiła niektóre z ich najbardziej ikonicznych dzieł, dodając swoje charakterystyczne tematy macierzyństwa i mitologii. Wybierając swoich ulubionych muzyków z takich zespołów jak Berlina Philharmoniker, dwunaste wydanie Amos jest wielkoformatowym słuchaniem, które z łatwością uchwytuje tajemniczą moc natury.

Jej pierwszy album, który całkowicie zrzucił współczesne ozdobniki, jego 14 akustycznych utworów tylko podkreśla, jak wyjątkowym pianistą jest ta ikona. Trzy dekady w karierze, która można opisać jako klasyczne crossover, mroczny Night of Hunters odkrywa autorkę naprawdę obejmującą tę etykietę po raz pierwszy. Momentami wzniosły, innymi razami wzruszający—Amos ponownie udowadnia, że bez względu na postać, jej zdolność do emocjonalnego łączenia się ze swoją publicznością jest rzadko dorównana.