Piana nigdy się nie powtarza

Na swoim drugim albumie Bleak, Froth zwiększyli intencjonalność swoich wysiłków bez poświęcania energii; piosenki były trochę bardziej napędzające, trochę mniej wiotkie, ale nadal zwinne i słoneczne. Najbardziej zauważalnie, wydawali się coraz bardziej ambitni, dążąc na zewnątrz tam, gdzie wcześniej wydawali się bardziej komfortowi w powtarzalności. Trzeci album Outside (briefly) najlepiej wówczas odzwierciedlił równowagę zespołu między wędrowaniem a powrotem, poprzez dalsze włączenie dźwięków cyfrowych do swojej palety, orientując swoje piosenki wokół głębszych grawitacji, które wydawały się spełniać rosnącą obietnicę samorealizacji. Ale teraz Froth wydało Duress, swój czwarty pełnowymiarowy album studyjny i drugi dla Wichita Recordings, i naprawdę osiągnęło największe wyrażenie swojego brzmienia: bujny cykl lewych skrętów, który coraz bardziej przypomina Radiohead niż wcześniejsze antecedenty jak Beach Fossils czy The Drums.

Jak każdy album Froth, Duress składa się z pokrętnych rytmów przeplatanych eksponującymi kieszonkami. Zespół nakłada transowe rytmy wybijające się jak pioruny z powoli zmieniających się chmur brudu, tarcie gradientów nadaje tektoniczny nacisk, który uderza jak kontaktowy haj i pozostaje jak masaż. To pchnięcie i ciągnięcie ładnego i mocnego zawsze działało w kompozycjach Froth, ale tym razem zestawione kontrasty robią największe wrażenie. Wiele piosenek podnosi kurz tylko po to, aby opadły jak płatki śniegu, a wiele innych osiągnięć członków zespołu na albumie uderza w podobny sposób jak magia. Duress to pierwszy raz, kiedy Froth korzystał z harmonizerów, samplerów i sequencerów na albumie, a nowy zestaw narzędzi odkrywał możliwości wcześniej uśpione w ich wędrujących melodiach. Albumy Froth zawsze były rozległe, ale dopiero teraz stały się eposowe.

Album prowadzi główny singiel „Laurel”, nawinięty churn stalowych strun nazwany od zeszłorocznej mocno podzielającej wirusowej iluzji dźwiękowej. Joo-Joo nie rozważa piosenki jako zabawnego kawałka nostalgii, ale raczej jako przykład mechanizmów przemysłu muzycznego: „Napisałem tę piosenkę zaraz po tym, jak pojawiła się sprawa Laurel/Yanny, i to pokazuje, jak długo trwa wydanie piosenki przez zespół.” Kiedy wspominam, że teraz jest to dobry powrót, Joo-Joo odpowiada, „Tak, ale nie miała taka być, miała być nowoczesna!”

Przysłowiowe rozczarowanie „przemysłem” jest powracającym tematem podczas niedawnej rozmowy z Joo-Joo i Jeremym. Dwóch muzyków opisuje szok kulturowy wychodzący z ich twórczych przypadków do nawigowania systemem z prawdziwymi aspiracjami. „Ostatni album, który zrobiliśmy, był pierwszym, który zrobiliśmy z prawdziwą wytwórnią z budżetem,” wyjaśnia Joo-Joo. „Wszyscy mieliśmy to przekonanie, że wszystko będzie teraz super inne, że cały proces bycia zespołem będzie inny. Podchodziliśmy do tego w ten sposób i myślę, że trochę się na tym wypaliliśmy.”

Niespodziewany zastój często niewdzięcznych tras koncertowych prawie doprowadził do całkowitego rozwiązania Froth. „Nie chcę nawet tego mówić, ale po ostatnim albumie trochę cichaczem się rozpadliśmy,” ujawnia Joo-Joo. „Więc myślę, że nasze umysły nie były skoncentrowane na słuchaniu muzyki, która przyniosłaby korzyść naszemu zespołowi. Wpływy na album były produktem tego, że nie zastanawialiśmy się nad tym, co będziemy robić następnie. Po prostu pisałem, co mi wpadło do głowy.”

Zrównoważenie dla Froth przyszło wraz z przedefiniowaniem celu, aby dopasować go do nowo nieobciążonej sztuki. „Nie sądzę, że którykolwiek z nas czuje się teraz jak ‘karierowi’ muzycy,” mówi Joo-Joo. „Wszyscy mamy teraz inne sposoby na zarabianie pieniędzy, więc nie martwimy się już tak bardzo, że musimy się utrzymać za każdym razem, gdy jesteśmy w trasie. Bardziej wracamy do tego jako hobby, po prostu jako faceci, którzy mają frajdę z grania muzyki.” Duch występu jako zabawy został podkreślony przez zaskakujący punkt zapłonu Duress, współpracę z wizualnym artystą albumu Austinem Redmanem.

„Dwa lata temu zrobiłem z nim projekt, w którym stworzył okładkę albumu z tytułami piosenek i zaprojektował set na żywo, a on poprosił mnie, żebym napisał piosenki i wystąpił na żywo,” powiedział Joo-Joo. Jak to było na początku, okazja do zapełnienia istniejącej pustki przywróciła Froth do ich najnaturalniejszego stanu: „Dla nas, łatwiej jest znajdować nowe pomysły lub zmieniać proces twórczy od podstaw, ponieważ monotonia trochę się rozchodzi.” Tak powstała pierwsza piosenka do albumu, a zmiana podejścia zainspirowała to, czym reszta Duress miała się stać, w tym nowy poziom zaangażowania członków zespołu w kwestie niezwiązane z muzyką, takie jak okładka i projektowanie merchu. „Gdzie ostatnim razem był to raczej: ‘Musimy zrobić piosenki, które brzmią na tyle dobrze, żeby grać je na dużej scenie,’ nasze priorytety są teraz w innym, bardziej zrelaksowanym miejscu,” powiedział Joo-Joo.

I mimo to liczba piosenek na Duress wydaje się jakby była najwspanialszymi, jakie zespół wydał do tej pory. „Xvanos” otwiera się z shakerami jak w stylu Jet, nawarstwiając na nie promienne uderzenia gitarowe i kończy się jak deszczowy wodospad z In Rainbows, podobnie teksturowany i temperowany. Choć każda piosenka budowana jest od dobrze ułożonego planu, zakończenia tutaj szczególnie stanowią jedne z najlepszych prac Froth. „Department Head” już ustanowił się jako wyróżnienie dzięki swojej warstwowej pile i skradającemu się stylowi Microcastle, zanim w czwartym kwarcie wyciągnął syrenę alarmową i grał ją do znokautowania. Zamykający „Syndrome” zaczyna się jako jesienny deszcz odbitych bębnów i strun, a kończy jak tęcza oddzielająca się na widowiskowy pokaz światła z trwałej zadumy. Jest to niemal oślepiające wrażenie, a potem zanika jak mgła na szkle.

Pod względem kompozycji, piosenki są jeszcze mniej ustrukturyzowane niż na poprzednich wydawnictwach Froth. Jest to przypadek, w którym pozorne ograniczenia zespołu stały się jedną z ich najbardziej unikalnych sił. Jak mówi Joo-Joo, „Inne zespoły są lepsze w pisaniu różnych części [zwrotka, refren, mostek, itp.], my jesteśmy lepsi w po prostu wymyślaniu innych dźwięków do dodania, to łatwiejsze.” Kontynuuje: „Słucham dużo muzyki elektronicznej, i myślę, że to usprawiedliwia brak zmian, po prostu mamy różne dynamiki zmieniające się.”

Ale tam, gdzie muzyka elektroniczna często kształtuje się wokół matematycznie czystych loopów, piosenki Froth są zbudowane na fragmentach instrumentalnych szczątków, rodzajach muzycznych pomysłów, które inne zespoły zapisują jako świstek papieru. Efekt jest olśniewająco niepokojący, jak w pięciominutowym „A2”, które brzmi jakby siedzenie w oku burzy z wylądowanej helikoptery, wirujące wiatry arpeggio gitary i wirujące atmosfery w błogą wściekłość. „77” bulgocze mieszanką dźwiękowych kawałków nad drabiną basową, która pasowałaby do solowego albumu Thoma Yorka, grając dziwaczność dla liminal pop. Idiosynkrazja wydaje się być przypadkowa, ale jest to faktycznie wynik ich procesu.

„Nie było całego albumu napisanego, zanim go nagrywaliśmy. Czasami po prostu coś słyszeliśmy w studio i mówiliśmy, ‘O, spróbujmy teraz zrobić z tego piosenkę,’” mówi Joo-Joo. „Więc naprawdę mieliśmy pięć piosenek na album i po prostu je rozwijaliśmy.” Ich cierpliwość w dalszym rozwijaniu swojego odpadu z pisania piosenek przyniosła dywidendy, co pozwoliło na album, który jesteście tak samo skłonni trzymać się dla jego akcentualnych objazdów, jak dla silnych centralnych melodii.

Piosenki Froth wydają się, jakby mogły trwać wiecznie, jakby każdy następny zakręt przynosił nieskończoną ścieżkę, wciąż wartą przejścia, a prawda jest taka, że zespół postrzega ko