Oneohtrix Point Never i najlepsza muzyka elektroniczna z lipca i sierpnia

Ścieżki dźwiękowe filmów rzadko zyskują szacunek lub uwagę, jaką cieszą się tak zwane prawidłowe albumy. Od nadętych blockbusterów komiksowych po starannie przemyślane filmy indie, rzadko kiedy muzyka producenta lub kompozytora zdobywa pochwały poza garstką nominowanych do Oscara. Biorąc pod uwagę liczbę albumów elektronicznych czy ambientowych, które rzekomo są soundtrackami wyimaginowanych filmów lub są opisane w muzycznych recenzjach jako filmowe, współcześni słuchacze powinni doceniać prawdziwe wydania ścieżek dźwiękowych za rzeczywiste wykonanie tej roli. Tymczasem wytwórnie płytowe o różnej wiarygodności zarabiają spore sumy na winylowych reedycjach dawnych ścieżek dźwiękowych, szczególnie w gatunku horroru, choć nie wyłącznie.

Blisko dwa lata po niesamowitych, Cronenbergowskich horrorach ciała z Garden Of Delete, Daniel Lopatin powraca do pseudonimu Oneohtrix Point Never ze swoją niezrównaną ścieżką dźwiękową do półosławionego nowojorskiego kryminału Good Time [Warp]. Chociaż niewątpliwie zgodna z jego ostatnią serią autorskich cyberdronów, najnowsza praca Lopatina pozbawiona jest kontekstualnej obrzydliwości tamtego wcześniejszego wyjścia. Zamiast tego jego praca tutaj wydaje się bardziej atmosferyczna niż organiczna, od majestatycznych manewrów otwierającego utworu tytułowego po sugestywne końcowe zanurzenie „Connie”. Pokusa, by porównywać do legend takich jak Tangerine Dream, musi być stłumiona jak niegrzeczny gaz, ponieważ Lopatin pozostaje wizjonerem dźwiękowym w swojej własnej klasie.

Nawet bez cielesnego obrzydlistwa Garden Of Delete, dominuje tu inna forma fizyczności, niebezpiecznie napięta, oparta na przysięgach z krwi i krwawiących nosach oznaczonych pędzącymi arpeggiami syntezatorów i świecącymi padami. (W pewien nieokreślony sposób, muzyka z Good Time przypomina tę z Biegni Lola Biegnij.) Nie trzeba nawet widzieć filmu, aby poczuć wpływ „The Acid Hits”, pełen dramatycznych kakofonii i pilnie zaprogramowanego dramatyzmu, przecięty oszałamiającym środkowym momentem stonowanej piękności. Utwory takie jak „Bail Bonds” i „Entry To White Castle” pulsują z niepokojem, podczas gdy „Romantic Apocalypse” wydaje się celowy, zdeterminowany na lepsze lub gorsze. Poza wiekowym „bałwanem” Iggy Popem, który wniósł swoje lamentacje do smutnej „The Pure And The Damned”, jedyne rozpoznawane głosy pochodzą od aktorów, ich dialogi zmutowane w figlarny sposób, na który Lopatin czasem sobie pozwala.

Leaf: Trinity [Fool’s Gold]

Reprezentowani przez artystów takich jak Khalid, Partynextdoor, SZA czy Jamila Woods, aby wymienić tylko kilku, soniczną różnorodność współczesnego R&B pokazuje, że ten gatunek, podobnie jak jego bliski kuzyn hip-hop, ma szerokie możliwości. To nie przypadek, że ta konkretna wokalistka i sporadyczna raperka jest związana z wciąż wzrastającą i dość eklektyczną wytwórnią A-Traka. Wydane w ślad za debiutem albumu labelmate Bosco, Trinity trzyma się hipnotycznej, przyjaznej dla parkietów estetyki trap-pop, podobnej do niedocenionego Nightride Tinashe. Leaf emanuje swoją charakterystyczną pewnością siebie w utworach „I Don’t Like You” i „Woo”. Wyprodukowany przez Sonny'ego Digital (sławnego dzięki Makonnen „Tuesday”), luksusowy „Call Me” otwiera ją na konkretnego adoratora z dudniącym syntezatorowym basem prosto ze ścieżki dźwiękowej Drive. Delikatny pastel taneczny z lat 90. rozjaśnia „Coming Down” bez przesycenia jej wiecznie chłodnego, niebieskiego wokalu, podczas gdy remiks non-albumowego singla „Money” autorstwa Troyboi bulgocze jak stare utwory Timbalanda i Missy.

Oobe: Amarcord [Blueberry]

Podczas gdy electropop i synthwave przewidywalnie eksplorują i wzmacniają oczywiste uciechy lat 80., niektórzy artyści na szczęście podchodzą do tej epoki z większą subtelnością. Dzięki wydaniom dla szanowanych experymentalnych labeli 1080p i Opal Tapes, Yari Malaspina oferuje więcej cielesnych doświadczeń z tego zestawu syczących atmosfer, skąpych syntezatorów i resplendentowych gitarowych solówek. To właśnie ten ostatni charakterystyczny element sprawia, że Amarcord jest tak wyjątkowy i przyjazny, jego utwór tytułowy pasujący do przewidywanych epickich celów z estetyczną precyzją. „Virtual-K” z uczuciem przypomina demo aspirującego Satrianiego, sumiennie improwizując do niemal dosłownego eteru. Jednak Oobe robi więcej niż tylko gitarowe kawałki, ukazując różnorodność w gotyckiej wspaniałości „Unknown Journey” i rebelię „Crush Mind” w stylu R&B po nuklearnych odpadach. W innym miejscu „Highway Paradise” najbardziej zbliża się do synthwave du jour, choć wykazuje umiar. Drżący wokal i dysonansowy werbel „1989 Summer” pokazują, że mógłby w pełni zanurzyć się w retropop, gdyby chciał.

Jack Peoples: Laptop Café [Clone]

Chociaż dla większości jest to banalne, fraza laptop café oznacza wiele dla pewnej grupy entuzjastów electro / techno. Tak, ten projekt ma w sobie DNA Drexicyan, jego zawartość przypisywana jest zmarłemu producentowi Jamesowi Stinsonowi i bezpośrednio związana z jego projektem Other People Place. Najnowszy w serii archiwalnej Aqualung Clone, ten mini-album pojawia się zaledwie kilka miesięcy po winylowych reedycjach Lifestyles Of The Laptop Café i towarzyszącego 12” Sunday Night Live At The Laptop Café tego pseudonimu. Chociaż podpisany jako Jack Peoples, nazwa ma znacznie mniejsze znaczenie niż pochodzenie materiału. Zaczerpnięte z sesji Lifestyles, te niesamowicie satysfakcjonujące utwory zapewniają kolejne spojrzenie w mityczny podwodny świat wyobrażony i przywołany przez Stinsona. Zgodnie z formą, „Song 02” pulsuje i trzaska z kosmicznymi dźwiękami, podczas gdy „Song 04” rośnie z ciepłymi padami podobnymi do tych z New Order. Zamykający „Song 05 Vocal” zabiera nas z powrotem na powierzchnię Detroit z przemówieniem DJ, które byłoby mniej niezwykłe, gdyby nie było dostarczone, przypuszczalnie, przez samego Stinsona.

Jana Rush: Pariah [Objects Limited]

Prawie natychmiast brzmi to jak błąd. A raczej seria błędów celowo zsekwencjonowanych i sprawionych, że są teraz doskonałe. Pariah to coś więcej niż tylko długo oczekiwany pełnometrażowy debiut od doświadczonego chicagowskiego DJ-a. Od stutteringowego startu „Midline Shift” drży od własnego ciężaru basu, podczas gdy jego wewnętrzne glitche tworzą hipnotycznie nachylające się pętle. To definiuje metodę Jany Rush, która zarówno odstrasza, jak i olśniewa uszy, konstruując spektakularny długi podstęp, który sprawia, że coś tak całkowicie dezorientującego jest niezapomniane. Od łagodnego drgania „Divine” po podwójną natarczywość perkusji i wokali z „Break It”, somberowa brutalność jej produkcji jest wszechobecna. To, co wydaje się przypadkowe w jazzowym „??? ??”, wcale takie nie jest. Miłośnicy footwork i juke nie będą rozczarowani zabawnym „Old Skool” czy powściągliwym „Chill Mode”. Niemniej jednak, album Rush wymyka się gatunkowi, wprowadzając i eliminując obce elementy, co najlepiej pokazują kontra intuicyjne dekonstrukcje 303 w „Acid Tek 2” i „No Fuks Given.”