Najlepsza muzyka elektroniczna października - recenzja

Pod pseudonimami takimi jak Lull, Quoit i Scorn, Mick Harris był przekonującą siłą w undergroundowej muzyce elektronicznej przez około dwie dekady. Były perkusista Napalm Death i zaraźliwy współpracownik wielu awangardowych artystów, jego solowe projekty badały ciężkość i mrok w równym stopniu, generalnie opierając się na wpuszczeniu większej ilości światła do jego ponurych pejzaży dźwiękowych i napiętych rytmów.

Owocując paraliżującym brakiem pewności siebie, nieobecność Harrisa w komponowaniu i występach w ostatnich latach miała niefortunny skutek w postaci tego, że pionier przegapił owoce swojego oczywistego wpływu. Scena techno industrialnego, którą pomógł stworzyć i pielęgnować w Birmingham w latach 90., eksplodowała od tego czasu w globalną potęgę, z długoletnimi przyjaciółmi z rodziny Downwards, takimi jak Regis i Surgeon, cieszącymi się sukcesem obok współczesnych dostawców eksperymentalnego ponura dla wytwórni takich jak Avian i Hospital Productions.

Fani tych wytwórni oraz pracy Harrisa na przełomie wieku dla skandalicznie niedocenianej Hymen Records mają wiele powodów do radości z jego nieoczekiwanego powrotu jako Fret, wcześniej nieużywanego pseudonimu, którego ostatnio używał dla nieistniejącej podwytwórni Downwards, która powraca z Over Depth [Karlrecords].

Pomimo trudno w latach, Harris nie stracił nic ze swojej mocy jako producent, pozostając mistrzem manipulacji basem i ponurym rezonansie. Przykład jego biegłości produkcyjnej w tym gatunku, „Meadow Taken Back” przyjmuje półkrokowe podejście do wibracji magazynowej, skutecznie wzmacniając każdy kick, jednocześnie dając przestrzeń dla całkowicie bezbożnych otoczeń. „Etched Beaked Point” pulsuje i szumi wokół basowych dropów, podczas gdy złowroga atmosfera wirująca nad „No Rain” drży z brzękiem i chaotycznym szumem nieustannej machiny.

Jego inną pasją jest wędkarstwo, a tytły takie jak „LO30” i „Stuck In the Track At Salford Priors” odzwierciedlają jego trwałe poczucie humoru, przyszywając takie hobby do prawdziwych horrorów. Taki jest charakter twórczości Harrisa, tworząc muzykę tak niezwykle smutną, a jednocześnie napełniając ją ukrytą radością.

Celestial Trax: Nothing Is Real [PTP]

Nowojorski producent basowy Joni Judén nie przeszedł całkowicie na Nową Erę. Niemniej jednak, nie da się zaprzeczyć, że zmiękczył większość twardych, ostrych krawędzi swojej wcześniejszej pracy pod tym pseudonimem. Precyzja tłoków zeszłorocznego EP From The Womb pozostaje w niektórych miejscach, jak na minimalistycznych utworach „Godless” i „Youth.” Zasadniczo jest to odejście od jakiejkolwiek wrażliwości industrialnego brudu, Nothing Is Real brzmi bliżej tego, jak powinna brzmieć sztuka pod nazwiskiem Celestial Trax, prezentowana jako medytacyjny monolog nad pianową lamentacją „Not In Control” lub serią delikatnych pląsów harpowych w „Reflection.” Tribalne rytmy za „100 Proof” kipią płynnym mistycyzmem, będąc ostrym kontrastem do surowych poprzedników z parkietów tanecznych. Nawet przy holistycznie oczyszczonym palecie dźwięków, Judén wciąż korzysta ze swoich starych sztuczek związanych z kreatywnym wprowadzeniem wokali. „Manifestation Of Delusion” brzęczy echem głosów na swoim quasi-ambientowym tle, co stanowi ewolucję stylu wartą śledzenia.

DJ Manny: Greenlight [Teklife]

To dzieło wypełnione współpracami z podobnie myślącymi artystami footwork, w tym niemal wszechobecnym DJ Taye, miłe dla ucha dziesięciotrakowe przedsięwzięcie kontrastuje z niezaprzeczalnie bardziej ambitnymi próbami gatunkowymi ostatnich czasów od Jlin i Jana Rush. Jednak to, czego DJ Manny brakuje w intencjach alternatywnych, nadrabia bezpośrednim wykonaniem na parkiecie. Podobnie jak stary szkoła Midwest ghettotech, jego agresywne i skuteczne podejście całkowicie obejmuje powtarzanie sampli wokalnych, aby dostarczyć naprawdę dobrą zabawę. Na powierzchni, tytłu takie jak „I’ll Hurt You Baby” i „Life In This Bitch” mogą wydawać się groźne, jednak w praktyce promują zdecydowanie konsensualną fizyczność. Przeplatany dialog „You Looking Good” dobrze współgra z równie seksualnymi uwagami w „Like That”, ten drugi przybiera quasi-junglistyczny klimat. Odpowiednie do swojego upiornego brzmienia, horrorowe akcenty „Ghost Out” stają się bardziej szokujące, gdy ustępują minimalistycznemu, prostemu rytmowi.

L-Vis 1990: 12 Thousand Nights [self-released]

Jako współzałożyciel nowoczesnej brytyjskiej wytwórni Night Slugs, James Connolly aktywnie przyczynia się do wznoszenia muzyki basowej na nowe wyżyny zarówno jako przezorny kurator, jak i pod nazwiskiem L-Vis 1990, jako potężny producent na własną rękę. Ciekawe, że ten mixtape nie pojawia się pod tą zaszczytną wytwórnią, jednak powody tego stają się jasne po przesłuchaniu. Świętując miejskie popowe brzmienie, 12 Thousand Nights zawiera około tuzina uznanych współpracowników wokalnych z obu stron oceanu, co jest efektem powrotu artysty z pobytu w Nowym Jorku. Reprezentując bazę Connolly, prosto napisany kawałek grime „No Threat” z Eddie Fiasco uszczęśliwi tych, którzy są zauroczeni tym lokalnym brzmieniem. Jednak to, co wyróżnia 12 Thousand Nights, to jego międzynarodowa gotowość radiowa, uosabiana przez wyzywający slang Taliwhoah w „Flexin” i wokal Mista Silvy w stylu OVO w „Do My Ting.” Ten ostatni powraca w singlu „Sunlight”, przyjemnym utworze predestynowanym do kradzieży od Drake'a, który zawiera niesamowity występ Gaiki. Kolejny wyróżniający się utwór, wykwintne R&B „Honey” ocieka uwodzicielskimi melodiami i bolesnym auto-tune'em.

Lawrence Rothman: The Book Of Law [Downtown]

Chociaż częściej niż chcielibyśmy przyznać, muzyka singer-songwriter słabo przekłada się na synth-heavy. Ukryta pod ciężarem wspaniałych prowadzeń i pulsujących beatów, znaczące teksty i szczere występy często tracą swoją wagę, brzmiejąc jak zredukowane elementy. Na zasługę Rothmana, elektronika w The Book Of Law jest, częściej niż rzadziej, subtelna do granic przypadkowości. Pod ich czujnym okiem przybiera formę ciepłego uścisku, w którym można znaleźć ukojenie w głęboko poruszającym „Geek” oraz w formie przelotnych padów w wyróżniającym się kawałku soft rockowym „Wolves Still Cry.” Jeśli ich wizja produkcji jest wydobywająca, ich głos nie jest niczym innym jak błyskiem, z Rothmanem przynoszącym cichą burzę emocjonalnej wagi i kreatywnego opowiadania historii opartego na postaciach. Przesiąknięty narkotycznymi metaforami, „Stand By” wznosi się, opisując szczególnie symbiotyczny rodzaj opadania. Dla tych, którzy pragną odrobiny uszkodzenia w swojej nowej romantycznej synthpopie, „Your Kiss Takes Like Dope” rozmarza się na rzecz ukochanej osoby, która może, ale nie musi, być odpowiednia dla nich.