Andrew Bird: Podróż do echolokacji

Autor: Rudolph Santarromana

Chcę, aby wszyscy z Was doświadczyli nowej muzyki w ten weekend. Weź swoje Vinyl Me, Please album miesiąca, koktajl i usiądź w pokoju z oknem. Umieść igłę w rowku i posłuchaj kompletnego albumu. Włącz tryb samolotowy w swoim telefonie i odetnij się od świata.

Żyjemy w coraz bardziej cyfrowym świecie. Jesteśmy przyzwyczajeni do tego, że szybko otrzymujemy to, czego chcemy. Możesz uzyskać każdą informację, której potrzebujesz w ciągu kilku sekund, a dzisiejsze dzieci nie znają problemu posiadania rzeczywistego słownika czy uczenia się czegoś bez pomocnego filmu na youtube. Czy kiedykolwiek chciałeś nauczyć się grać piosenkę na gitarze lub fortepianie i szukałeś nut lub akordów, nie siadając nigdy, by spróbować nauczyć się całego instrumentu? Przyznaję, że robiłem to wcześniej. Wpadamy w pułapkę bycia tak skupionymi na końcowym celu, że czasami zapominamy, jak ważna jest podróż lub doświadczenie jako całość. Ale to właśnie ta podróż tworzy współczesnych geniuszy muzycznych. Tego typu holistyczne podejście do muzyki ucieleśnia metoda Suzuki w szkoleniu muzycznym.

Co to jest metoda Suzuki, zapytasz?

Metoda Suzuki opiera się na sposobie, w jaki uczymy się naszego pierwszego języka jako niemowlę (znana jest również jako metoda ‘języka ojczystego’). Nie mamy żadnego wcześniejszego zrozumienia języka jako podstawy, ale mimo to uczymy się języka. Dzieje się tak, zaczynając od młodego wieku i otaczając dziecko środowiskiem, które może naśladować. Rozmawiamy z niemowlętami i uczymy je imion, powtarzając „mama” i „tata”, aż naśladowują te dźwięki, aby wyprodukować „mama” i „tata”. Zamiast mówić dziecku, że się myli, ciągłe pozytywne wzmocnienie tych małych zwycięstw prowadzi dziecko do powolnego doskonalenia swoich umiejętności, aż w końcu „mama” staje się „matką”, a „tata” staje się „ojcem”, a wszystko to dzieje się zanim jeszcze nauczą się czytać. Gdy już istnieje podstawowe zrozumienie, dziecko zaczyna czytać i pisać. W naszym uczeniu się języka nie ma testów, poziomów osiągnięć ani miar mistrzostwa i tak właśnie metoda Suzuki uczy ‘języka muzyki’.

Rodowity Chicagończyk Andrew Bird jest współczesnym muzykiem metody Suzuki, przez którego widać, jakiego rodzaju muzyka może rozwijać ta metoda. Zaczął grać na wersji skrzypiec zrobionej z pudełka na buty w wieku czterech lat. Według Birda:

„Jestem naprawdę wdzięczny, że styl Suzuki, w którym dorastałem, był dość wierny koncepcji „uczenia się przez słuch” i „języka ojczystego”. Miał to ogromny wpływ na to, jakim jestem muzykiem.

Gdyby czytanie było głównym celem, myślę, że wyszedłbym inaczej. Nuty były przed nami, ale były tylko częścią ceremonii grania. To było czysto przez słuch. Potem mieliśmy zajęcia grupowe i indywidualne raz w tygodniu, co było bardzo towarzyskie. Moja matka była bardzo zaangażowana. Chodziła na wszystko, a w pierwszym roku zaczęła grać (na skrzypcach) ze mną.

Jestem bardziej wdzięczny za metodę Suzuki niż za jakąkolwiek muzyczną okazję, jaką miałem.

Muzycznie najważniejsze jest to, że ponieważ nie nauczyłem się czytać nut od razu, nawiązałem bezpośrednie połączenie z tym, co było w mojej głowie. To pozwala muzyce nie tylko wpadać mi do ucha, ale także wychodzić z mojej głowy na instrument. A jako autor, kompozytor i improwizator—gdy przez lata dokonałem skoku z repertuaru klasycznego do muzyki folkowej czy jazzu, nie był to wielki skok. Widzę innych muzyków wokoło—ludzi w konserwatorium—którzy nie mogli poruszać się w lewo ani w prawo bez zapisanych nut.”

Tej zimy, Andrew Bird wznowił swoje intymne występy “Gezelligheid” (holenderskie słowo, które tłumaczy się jako 'przytulny' lub 'uroczy') przez cztery kolejne noce w Czwartym Kościele Prezbiteriańskim w Chicago, gdzie byłem obecny. To nie był pierwszy raz, kiedy widziałem go na żywo, ale powiedziałbym, że to było moje ulubione wystąpienie. Przed otwarciem drzwi, ochroniarze przeszli wzdłuż linii i poprosili wszystkich, aby nie używali telefonów do zdjęć, filmów, nagrań ani żadnego innego celu—ostatecznie to było w kościele. A szczerze mówiąc, nagranie nie oddałoby sprawiedliwości doświadczeniu. Byłoby jak opowiadanie historii, widzenie nieprzekonanej miny na twarzy publiczności (chociaż teraz nie mogę widzieć waszych twarzy) i zakończyć słowami: „musiałeś tam być”, co jestem pewien, że wszyscy robiliśmy wcześniej, więc oszczędzę sobie tego kierunku. Mogę tylko powiedzieć, że uwagę na szczegóły było widać, zarówno akustycznie, jak i wizualnie, co bardzo dobrze połączyło się z intymną atmosferą wydarzenia. W końcu każdy koncert ma historię, która łączy się z ogólnym doświadczeniem.

Mając na uwadze otoczenie, „Nowy trwający projekt [Birda] o nazwie Echolocations jest rozszerzeniem Gezelligheid, gdzie [on] 'gra na pokój', czy to w kanionie w Utah, czy XVIII-wiecznym akwedukcie w Lizbonie.” Pierwszy w serii 'Echolocations' został wydany na początku tego roku. Echolocations: Canyon został nagrany w kanionach Coyote Gulch w Utah. Słuchaj uważnie, a usłyszysz echo na kamiennej ścianie kanionu i to, co brzmi jak strumień wody na ziemi w tej ambientowej kompozycji. Planuje się przyszłe części Echolocations, w tym: Rzeka, Miasto, Jezioro i Las.

Making of Echolocations: Canyon

Soundcloud of Echolocations: Canyon

Andrew Bird nadal tworzy i nagrywa muzykę oraz jest ogromnym zwolennikiem uczestnictwa w muzyce młodzieży, wynikającym z pozytywnych doświadczeń, jakie miał jako dziecko. Bird wystąpił w The Hideout na zakończenie swojej serii Gezelligheid w 2015 roku w Chicago, a wszystkie dochody poszły na stypendium Andrew Birda, które ma na celu finansowanie lekcji muzyki dla uczniów w Chicago High School for the Arts. Mówi: „Muzyka czyni twoje życie bogatszym… Tworzy różne osoby z różnymi wartościami. Wartości, które sięgają głębiej niż dążenie do pieniędzy i materialnych rzeczy.”

Więc następnym razem, gdy próbujesz gdzieś dotrzeć, rozważ swoją podróż i korzyści, jakie doświadczenie może przynieść. Zaangażuj wszystkie swoje zmysły i bądź obecny w danym momencie. Te doświadczenia mogą prowadzić do czegoś pełniejszego, niż początkowo zamierzałeś. Dla Andrew Birda muzyka to więcej niż odpowiednia kombinacja dźwięków i instrumentów—odzwierciedla również twoje otoczenie. W końcu muzyka to doświadczenie, prawda? Dlatego kochamy winylowe płyty. Waga płyty w naszych rękach, docenianie dużej okładki albumu, piękno czarnej, różowej, fioletowej, czerwonej lub przezroczystej płyty oraz słyszenie tych pierwszych pęknięć, gdy igła znajduje swój rowek, wszystko przypomina, że to jest prawdziwe. Ekran cyfrowego telefonu nie może zaoferować takiego doświadczenia.