Już wspomnieliśmy, że wspaniała ścieżka dźwiękowa ujawnia wiele o twórcach filmu i daje wgląd w scenę lub emocjonalny stan postaci. Wybór piosenek do filmu staje się trudniejszy, gdy ten film jest najbardziej wybrednym z stworzeń: muzycznym biografem. Gdy film opowiada o życiu muzyka, twórcy filmowi zazwyczaj są ograniczeni do dyskografii tego artysty, ponieważ tego oczekuje publiczność. Ta trudność potęguje fakt, że ścieżka dźwiękowa stanie się nudna, jeśli wszystko, co zrobili, to wybranie przewidywalnych hitów — gdy to tylko to, lepiej kupmy jedną z kompilacji tego artysty. Ważne jest, aby było coś wyjątkowego, coś innego, co sprawia, że posiadanie na winylu jest warte naszego czasu. Poniżej znajduje się 10 wspaniałych ścieżek dźwiękowych, które mają to dodatkowe "coś", czy to aktorzy wykonujący własne śpiewy, czy po prostu mają tę nieodpartą energię, która sprawia, że musisz to mieć.
Jeśli byłeś jak ja, kiedy usłyszałeś, że Joaquin Phoenix został obsadzony jako Johnny Cash w filmie o jego życiu Walk the Line, pokręciłeś głową i powiedziałeś: „Nie ma mowy.” Siedząc w tym kinie w 2005 roku, dopiero kiedy zobaczyłem Phoenix'a śpiewającego jak Cash na przesłuchaniu z przyjaciółmi dla Sama Phillipsa, zaczynałem się rozgrzewać. Ale wiesz co naprawdę sprzedaje tę historię? Reese Witherspoon jako June Carter. Intensywność Phoenix'a uchwyciła twardość Casha, ale to, kiedy grał obok zadziornej Witherspoon, chemia między nimi sprawiła, że uwierzyłem. To jest kręgosłup tego filmu. Utwory takie jak „Folsom Prison Blues”, „Juke Box Blues” i „It Ain’t Me Babe” pokazują absolutne oddanie Phoenix'a i Witherspoon w odgrywaniu swoich postaci. Muzyka udaje się zrównoważyć konieczność scenerii filmu z pragnieniem, aby tchnąć ogień w stare, znane utwory i połączyć się z nowoczesną publicznością. Ścieżka dźwiękowa zdobyła Grammy, Witherspoon zdobyła Oscara za najlepszą aktorkę, a my możemy słuchać magii przy każdym obrocie.
Charlie „Yardbird” Parker był wpływowym saksofonistą jazzowym i pionierem bebopu (Birdland w Nowym Jorku nosi jego imię), a reżyser Clint Eastwood miał okazję pokazać swoją miłość do jazzu w filmie Bird, biograficznym obrazie z 1988 roku o życiu Parkera z Forestem Whitakerem w roli głównej. Film, choć problematyczny pod wieloma względami, pozwala nie unikać tematu uzależnienia od narkotyków, które trapiło życie Parkera oraz wielu jego jazzowych współczesnych. Eastwood, stając przed decyzją, czy użyć oryginalnych nagrań, czy też stworzyć nowe nagrania muzyki Parkera, wybrał inną drogę. Użył izolowanych solówek Parkera i zlecił współczesnym muzykom nagranie akompaniamentów. Purystom może się to nie spodobać, ale poważnie, ta muzyka niesie, swinguje i porusza. Improwizacyjny geniusz Parkera osadzony w nowym kontekście to prawdziwe sedno jazzu. To żyjąca rzecz, człowieku, zawsze się zmienia, a jednocześnie nigdy nie zapomina. Bird wzbija się w powietrze w szale fraz saksofonowych na otwierającym utworze „Lester Leaps In”, który ustawia energetyczny nastrój albumu. Jego saksofon przejmuje ból w „Laura” i edukuje w „Ornithology.” Ten album to niedoceniana perełka, warta przeszukania używanych skrzynek z dźwiękami.
La Bamba (1987) opowiada historię rockowego fenomenu lat '50, Ritchie Valensa (Lou Diamond Phillips), który zginął w katastrofie lotniczej w wieku 17 lat, zaledwie osiem miesięcy po obiecującym debiucie (ta sama katastrofa zabiła Buddy'ego Holly'ego i Big Bopper'a). Choć nie był tak znany w mainstreamie (aż do tego filmu), uważany jest za pierwszą latynoską gwiazdę rocka z hitem z pierwszej dziesiątki („Donna”). Los Lobos przyczynili się osiem utworami do albumu ścieżki dźwiękowej, sześcioma utworami Valensa stanowiącymi całą pierwszą stronę oraz dwoma innymi coverami, z których jeden to mało znany garage rock z 1960 roku, który po prostu uwielbiam („Charlena”). „La Bamba” i „Come On, Let’s Go!” były często grane w radio i wyniosły Los Lobos na szczyty popularności. Album zawiera również covery autorstwa Howarda Huntsberry'ego, Briana Setzera, Marshalla Crenshawa i podrasowaną wersję Bo Diddley’a „Who Do You Love?”. Pełen ciepła i ekscytacji, utwór doskonale oddaje optymizm młodego człowieka urzeczywistniającego swoje marzenia. Czekaj, aż igła opadnie na utwór tytułowy i spróbuj się nie poruszyć.
Diana Ross w filmie Lady Sings the Blues z 1972 roku, luźno opartym na autobiografii Billie Holiday, miała szansę pokazać, że decyzja Motown o wydaniu jej solo z Supremes była słuszna. Niezależnie od tego, co o tym myślisz, musisz przyznać, że Ross błyszczy tutaj, jej występ przyniósł jej nominacje do Złotego Globu i Oscara za najlepszą rolę żeńską. Nie wygląda rzeczywiście jak Billie Holiday ani nie potrafi ukryć swojej gładkiej popowej delivery próbując naśladować styl śpiewu Holiday, ale to, co umie zrobić, to wcielić się w teksty w sposób, za który Holiday jest znana... Ross przeżywa to, ona to oddycha. Jej obecność na ekranie jest hipnotyzująca i jest więcej niż równorzędnym rywalem dla gładkiego Billy'ego Dee Williamsa. Soundtrack 2xLP zawiera wiele fragmentów dialogowych, pozwalających ci przeżyć smutną historię. Szczególnym smaczkiem jest strona D — która jest w całości muzyczna — pozwalając Ross na wykonanie piosenek takich jak „Don’t Explain”, „Strange Fruit” i „God Bless the Child”, które na zawsze są związane z Holiday i są tutaj doskonale przedstawione.
Z tekstami tak dosadnie opisującymi przemoc, seks (i mizoginię), oraz zmęczeniem opresyjną policją, ciągłe przekleństwa to w rzeczywistości najmniej szokująca część N.W.A. Stworzyli rap, który bardziej odzwierciedlał surową rzeczywistość młodych czarnoskórych mężczyzn w Compton i południowym Los Angeles. To było w twarz i fuck you dla władzy, nowy rodzaj buntu, który przemawiał do młodzieży zarówno miejskiej, jak i podmiejskiej. Nazwany na cześć swojego albumu z 1988 roku, Straight Outta Compton (2015) opowiada nieco zdezynfekowaną historię grupy i ich walk z menedżerami, wytwórniami oraz między sobą. To ekscytujące przypomnienie tego, co sprawiło, że N.W.A. stało się jedną z najbardziej wpływowych grup rapowych na Zachodnim Wybrzeżu. Ścieżka dźwiękowa to wybitny zbiór niektórych ich znanych utworów, takich jak „Straight Outta Compton” i „Fuck tha Police”, piosenki z Parlamentu i Funkadelic, oraz utwory Eazy-E, Ice Cube’a i Dr. Dre. Ta ścieżka dźwiękowa to świetna kompilacja, którą warto puścić, gdy czujesz się podniecony i chcesz posłuchać trochę wszystkiego.
Dla osób szukających dokumentu o punku i tym, co to wszystko znaczy, to nie jest to. Sid & Nancy (1986) to stylizowany portret destrukcyjnej relacji między basistą Sex Pistols Sid'em Vicious'em (Gary Oldman) a grupie Nancy Spungen (Chloe Webb) w późnych latach 70-tych, prowadzącej do postawienia zarzutów o jej morderstwo na Sidzie oraz jego śmiertelnym przedawkowaniu kilka miesięcy później. Chociaż niektórzy twierdzą, że film zromantyzował ich uzależnienie i współzależność, Sid & Nancy wyraźnie opowiada historię dysfunkcji napędzanej narkotykami między dwojgiem młodych ludzi, którzy nie mogli się odnaleźć. Co fascynujące w tej ścieżce dźwiękowej, to brak utworów od Sex Pistols i Sida Vicious'a. Mamy dwa utwory od Joe Strummera („Love Kills”, oryginalny tytuł filmu oraz „Dum Dum Club”), nastrojowe wkłady od Pogues („Haunted” i „Junk”), Johna Cale'a, Circle Jerks, Steve'a Jonesa i Oldmana dającego z siebie wszystko na „I Wanna Be Your Dog” i „My Way.” Uzupełnione kilka pięknych utworów z partytury Pray for Rain, ścieżka dźwiękowa uchwyca wszechogarniający charakter miłości, która sama jest pochłonięta przez uzależnienie od heroiny. Miłość rzeczywiście zabija.
Round Midnight (1986), piosenka miłosna do bebopu, to nieco oszustwo na tej liście, ponieważ główny bohater jest w rzeczywistości kompozytem saksofonisty Lester Young i pianisty Bud Powella. Ale gra w nim saksofonista jazzowy Dexter Gordon i oparty jest na prawdziwej przyjaźni między Powellem a fanem Francisem Paudrasem. Gordon gra Dale’a Turnera, jazzowego muzyka na skraju bankructwa w 1959 roku zmagającego się z alkoholizmem, który przeprowadza się do Paryża i przyjmuje stałą pracę w Blue Note, gdzie spotyka Paudrasa, który stara się go uratować przed jego słabościami. Film jest atmosferyczny, koncentrując się na kilku miesiącach życia artysty zawieszonego na krawędzi, ale chodzi przede wszystkim o muzykę, która została nagrana na żywo (na specjalnie zbudowanej planie Blue Note, aby mieć doskonałą akustykę) i wyprodukowana przez Herbiego Hancocka. Obejmuje standardy takie jak „Round Midnight” Monka i „How Long Has This Been Going On?” Gershwina, a także oryginalne kompozycje Hancocka, takie jak dysonansowy „Bérangère’s Nightmare.” Tenor saksofonu Gordona i fortepian Hancocka są doskonałe, a także znakomite występy basistów Rona Cartera i Pierre’a Michelot, perkusisty Tony’ego Williamsa, Chet Bakera w utworze „Fair Weather”, i więcej.
Love & Mercy (2014) to poruszająca historia o muzyk i autorze piosenek Brianie Wilsonie, założycielu Beach Boys. W rolach głównych Paul Dano i John Cusack jako młodszy i średniego wieku Wilson, film skacze między latami 60. a 80. Skupia się na początkowym załamaniu nerwowym Wilsona i późniejszym stworzeniu teraz wysoko cenionego Pet Sounds i jego następstwie, oraz na Wilsonie w rękach kontrolującego terapeuty, źle zdiagnozowanego i silnie odurzonego. Naprawdę, to jedna z najlepszych wizualizacji procesu twórczego, jakie kiedykolwiek widziałem. Warstwowa i genialna ścieżka dźwiękowa kompozytora Atticusa Rossa jest nastrojowa i atmosferyczna, uchwytując chaos w życiu i umyśle Wilsona. Mając dostęp do całej oryginalnej muzyki i osobnych ścieżek, Ross używa sampli, aby wpleść i zmienić elementy znanych melodii — na przykład „Silhouette”, bierze elementy z „God Only Knows” i „Sloop John B”, między innymi. Te utwory w tle wraz z kilkoma utworami Beach Boys i Wilsona, w tym „One Kind of Love” — który Wilson napisał na potrzeby filmu — sprawiają, że album jest wart powtarzalnego odsłuchu.
Loretta Lynn była już legendą country, kiedy powstał film Coal Miner’s Daughter w 1980 roku. Z przebojami jedna po drugiej w latach 60. i 70., oraz autobiografią na koncie, nie było sensu, aby nie zrobić filmu o jej życiu. Mówi się, że Lynn chciała, aby nikt inny jak tylko Sissy Spacek zagrała ją po zobaczeniu jej na zdjęciu. Spacek ma talent do przedstawiania świeżej odporności, a ona z niesamowitą łatwością wcieliła się w determinację Lynn, by iść naprzód, pomimo życiowych krzyżyków. Spacek także wykonywała własne śpiewy, zdobyła Oscara za najlepszą rolę i nawet otrzymała nominację do Grammy za swoją wersję „Coal Miner’s Daughter”, piosenki, która opowiada o skromnym początku Lynn w górniczym kraju Kentucky. Album zawiera wiele przebojów Lynn, jak i wykonywanych przez Spacek, a także Levon Helm (zagrał ojca Lynn) śpiewającego „Blue Moon of Kentucky” i Beverly D’Angelo (jako Patsy Cline) wykonującego kilka znanych piosenek Cline. Jak film i sama Lynn, ścieżka dźwiękowa nie jest efektowna, ale z pewnością uderza.
Czego tu nie lubić w 33 utworach coverowych Boba Dylana i jednym wcześniej niewydanym utworze Dylana z sesji Basement Tape z The Band? Z artystami, takimi jak Eddie Vedder, Cat Power, Yo La Tengo i Calexico, to jak najbardziej niesamowity album tribute na 4xLP w historii. A I’m Not There (2007) to jeden z najbardziej innowacyjnych muzycznych biografii w ciągu ostatnich 20 lat, co sprawia, że ta ścieżka dźwiękowa jest jeszcze bardziej wyjątkowa. Biorąc pod uwagę złożoność życia, które odmawia bycia przycinanym i rozumianym, twórca filmowy Todd Haynes zrezygnował z konwencjonalnego filmu na rzecz nieliniowego narracji z sześcioma aktorami (takimi jak Cate Blanchett i Heath Ledger) grającymi Dylana w różnych okresach jego życia. Ale nie grają tylko Dylana, grają kawałek jego osobowości jako fikcyjnej postaci w czasami fantastycznych kontekstach. Film zawiera więcej rzeczywistych utworów Dylana i niewiele utworów słyszanych tutaj, ale to sprawia, że ścieżka dźwiękowa to bonus. Jak film, dostajemy nowy widok na Dylana poprzez inne interpretacje jego piosenek. Osobiste ulubione to „Pressing On” John’a Doe’a i „Just Like A Woman” Charlotte Gainsbourg z Calexico.
Marcella Hemmeter jest niezależną pisarką i adiunktem, mieszka w Maryland, a pochodzi z Kalifornii. Kiedy nie zajmuje się terminami, często narzeka na brak tamalerias w pobliżu jej domu.