10 najlepszych albumów Milesa Davisa, które warto mieć na winylu

Tribut do Jacka Johnsona

Andrew Martin: Dwie strony Tributu do Jacka Johnsona mogłyby być określane przez władze jako substancje zmieniające umysł. Można by prawdopodobnie dużo powiedzieć o wielu wydaniach fusion Davisa, ale to jedno rozszerzy twój umysł bez powodowania kręcenia głową (zobacz niektóre z jego, hm, czasami żartobliwych albumów elektronicznych jazzowych). Strona A, czyli “Right Off,” natychmiast wciąga swoimi rockowymi tendencjami. Najważniejszy moment tego utworu — a nawet całego projektu — to wirtuoz gitary John McLaughlin, który niemal nigdy nie zwalnia tempa. Jeśli nie gra solówki, to riffuje za dźwiękami brass i uzupełnia szaloną perkusję Billy'ego Cobham'a. Tak, zdarzają się momenty, kiedy Davis wkracza jak złodziej w nocy (środek “Right Off” jest po prostu paskudny), ale nie bał się pozwolić innym gwiazdom błyszczeć. To samo dotyczy Strony B, “Yesternow,” która jest oparta na basie Michaela Hendersona, aż do momentu, kiedy, no, musisz sam usłyszeć tę zmianę utworu.

Ryan Kowal: Mimo że jest to doskonały przykład gatunku jazz/rock, myślę o tym jak o nagraniu klasycznym. Zespół eksploruje wszystkie różne możliwości dźwiękowe i rozwija temat oraz wariacje w rewolucyjny sposób. Utwory, trwające około 30 minut każdy, nie wydają się zbyt długie. Te utwory mają idealną długość, aby zespół mógł przesunąć granice swojego musicalnego wyrazu.

Przebudzenie chłodu

AM: OK, mogę tu oszukiwać, używając tego, co technicznie jest kompilacją, ale Przebudzenie chłodu jest zarówno niezbędne, jak i idealne dla nowicjuszy w dyskografii Davisa. Po pierwsze, masz możliwość usłyszenia niektórych z jego najbardziej bezpośrednich nagrań, ponieważ utwory te są krótkie (trwają około trzech minut) i zaraźliwe (przechodzą z jednego końca planety na drugi). To, co zostaje, to szybkie, chwytliwe słuchanie, które będzie idealnym soundtrackiem na twoją następą kolację (lub randkę!) lub sesję nauki/pisania/uczenia się. Będziesz wiedział, co mam na myśli, gdy tylko go włączysz i usłyszysz, jak Miles i jego dziewięcioosobowy (!) zespół groove'ują przez odpowiednio zatytułowane “Ruch.” Ponadto, trudno się nie zgodzić z projektem, który kończy się tak niesamowicie cool utworem jak “Darn That Dream,” który zawiera gładkie wokale Kenny'ego Hagooda.

RK: Można by to nazwać nagraniem, którego należy koniecznie posłuchać ze względu na klasyczne utwory (“Isreal” będąc moim osobistym ulubieńcem), za jego aranżacje (gęste i jednocześnie lekkie) czy za skład (J.J. Johnson, Max Roach, Lee Konitz, Gerry Mulligan itd.). To suma tych elementów katapultuje to klasyczne nagranie do innego uniwersum! Miles spędził dużo czasu, odkrywając, które instrumenty chciałby mieć, ale i jacy będą muzycy. To właśnie ta uwaga na szczegóły uczyniła Milesa legendą, którą się stał.

Szkice Hiszpanii

AM: Szkice Hiszpanii to jedna z najpiękniejszych i najbardziej chwytających albumów, jakie usłyszysz od kogokolwiek. A w kontekście kariery Davisa, przyszła po małej płycie zwanej Kind of Blue. Więc tak, facet mógł łatwo zdecydować się na coś przeciętnego i prawdopodobnie zadowoliłby świat słuchaczy jazzowych. Ale zamiast tego poszedł w stronę big bandu, odkopał niesamowite kompozycje i zabrał się do pracy nad jednym z moich ulubionych albumów w jego dyskografii. Moje uwielbienie opiera się prawie całkowicie na otwierającej kompozycji albumu, “Concierto de Aranjuez,” oszałamiającej i wzruszającej, która zaangażuje cię przez cały czas trwania 16:11. To nie lada wyczyn, a ani też przekształcanie dzieł innych w coś swojego. Ale to właśnie udało się Davisowi oraz współpracownikowi/aranżerowi/kompozytorowi Gilowi Evansowi z Szkicami Hiszpanii, prawdziwym dziełem sztuki orkiestrowego jazzu.

RK: To wydaje się kontynuacją tego, co Davis osiągnął z Przebudzeniem chłodu, w tym sensie, że to duża grupa tworzy piękne krajobrazy dźwiękowe o rzeczywistej substancji. Muzycy mają możliwość swobodnego rozwoju na tym albumie, ponieważ kompozycje zawierają przestrzeń na improwizację i twórczość. W pewnym sensie, to jakby album mostowy między bezpośrednim jazzem Davisa a jego pracą fusion, z wspólnym elementem będącym długie vamps do solowania. Vamps na tym albumie są mocno orkiestracyjne i zbudowane w przeciwieństwie do przykładów na późniejszych albumach, które obejmują wszystkie instrumenty improwizujące.

E.S.P.

AM: Istnieje wiele informacji, które czynią E.S.P. tak ważnym nagraniem. Oprócz tego, że to pierwsze z tzw. “drugiego wielkiego kwintetu” Davisa, było też anomalią, ponieważ obowiązki kompozycyjne były rozdzielane między różnych członków grupy. Biorąc pod uwagę te informacje, możesz się spodziewać czegoś, co brzmi niekompletnie. Byłbyś też w błędzie, ponieważ Davis i jego muzycy byli w swojej najlepszej formie (i gigantami w swoim prawie). Przecież pianista Herbie Hancock wydał swój klasyczny album Maiden Voyage w tym samym roku. Ale wracając do sedna. E.S.P. odnosi sukcesy z wielu powodów, ale dla mnie chodzi o to, jak bardzo jest przystępne, a także o energię emanującą z muzyki. To szczególnie prawda w przypadku solówek, jak znakomite wystąpienie Davisa w “Iris” i perkusista Tony Williams zabijający swój zestaw przez dwie minuty, aby otworzyć “Agitation.”

RK: Wyjątkowym elementem wielu z tych nagrań jest lekki dotyk instrumentalistów. Grają jedną z najbardziej złożonych i pomysłowych muzyki, jaką można sobie wyobrazić, a wygląda jakby nawet się nie spocili. E.S.P. to album, który prezentuje tę estetykę poprzez swoją piosenkę, wykonanie i interakcję. Aby dodać do mistrzostwa i wspaniałości, kiedy ten album został wydany, Tony Williams miał zaledwie 19 lat.

Miles w Tokio

AM: Zawężenie jednego albumu na żywo Davisa nie było łatwe, ani tym bardziej wydaje się to rozsądne. Ale hej, jeśli naprawdę czujesz jego muzykę w warunkach live, wiedz, że jest wiele możliwości. Dla ścisłości, jednak, Miles w Tokio wyróżnia się z wielu względów. Po pierwsze, zmodyfikowana wersja “So What” (z Kind of Blue) grana tutaj jest fantastyczna, pełna energii i może nawet przewrócić twoje postrzeganie, jak klasyczny utwór mógłby być słyszany. Podobnie, chociaż nieco mniej porywająco, trudno nie pokochać natychmiast wykonania kwintetu “My Funny Valentine” (absolutnie sublime) i “All of You” (czadowe dźwięki). Usłyszysz też fragmenty późniejszej eksploracji fusion Davisa, zwłaszcza w tej wspomnianej wersji “So What” o wysokiej energii. Mam na myśli, temat z “Flintstonów”?! Genialne.

RK: Ten koncert jest o przestrzeni i energii. Wprowadzenie do pierwszego utworu daje doskonałe streszczenie tego albumu; wysoka energia i szybkość, radosność zarówno z tematyka melodycznego, jak i akompaniamentu, oraz mistrzowskie słuchanie/interakcja. Jest przywództwo melodii z “Concierto de Aranjuez” z Szkiców Hiszpanii w pierwszym stwierdzeniu melodii My Funny Valentine (a może słuchałem zbyt dużo Milesa i słyszę rzeczy). Hancock popycha tempo tuż od startu “So What”, a Rivers wskazuje temat “Flintstonów” w swojej solówce, co czyni tę wersję utworu pamiętną i interesującą. Ten zespół był luźny i gotowy na inspirację.

Kiedyś mój książę przyjdzie

AM: Mówią, że wielkie umysły myślą podobnie, więc nie jest nie dziwne, że, jak były kolega zespołowy John Coltrane, Davis miał swoje własne znane standardy. Podczas gdy Trane przemienił “Moje ulubione rzeczy” i uczynił to swoim, Davis podszedł do “Kiedyś mój książę przyjdzie” (na albumie o tej samej nazwie). Tytułowy utwór świeci, będąc równocześnie gładkim i soulowym na wszystkie właściwe sposoby, będąc na tyle przystępnym, aby zachęcić nawet najbardziej przestraszonego potencjalnego słuchacza jazzu. To szczególnie prawda w przypadku dzieci, które mogą mieć skłonności do tego gatunku lub gry na instrumencie muzycznym, biorąc pod uwagę, że “Kiedyś mój książę przyjdzie” pochodzi z disneyowskiego filmu z 1937 roku Śnieżka i siedmiu krasnoludków. Ale oryginały Davisa, których jest trzy, nigdy nie są zbyt zaskakujące lub trudne, zwłaszcza super-spokojne “Drad-Dog.” Gdybym miał dzieci, z pewnością trzymałbym ten album w rotacji, dla naszego wspólnego dobra.

RK: To jest jazz w swojej najczystszej formie. Wszystko na tym albumie jest stonowane, ponieważ ma w sobie jedne z najbardziej zrelaksowanych wykonań, jakie kiedykolwiek słyszałem (co jest dobrym znakiem). Wszyscy ci muzycy mieli tak silne panowanie nad swoimi instrumentami, że trudno wskazać cokolwiek w tym albumie, co nie jest doskonałe!

Etapy

AM: Kiedy masz album z Johnem Coltrane'em i Cannonballem Adderley'em na saksofonie, wiesz, że robisz coś dobrze. A dla Davisa, to była ta dobra rzecz przez kilka albumów. Do nich należy Kind Of Blue i ten świetny album tutaj, Etapy. Można to rzeczywiście przyjąć jako przystawkę do KOB, które wzięło wszystko, co Davis i jego muzycy badali na Etapach i przekształciło to w klasykę, którą wielu uwielbia dzisiaj. Ale dość o tamtym albumie, ponieważ Etapy są wspaniałe. To poczucie jest prawdziwe, niezależnie od tego, czy sekstet wykonuje oryginały Davisa — zajrzyj na jego grę na fortepianie w “Sid’s Ahead” — czy przyjmuje cudowny standard Theloniousa Monka, “Straight, No Chaser.” To również jeden z łatwiejszych albumów do zgłębienia tutaj, więc możesz go użyć jako punktu wyjścia, jeśli czujesz się na to skłonny.

RK: Ten album zazwyczaj chwalony jest za jego wejście w modalny jazz, co powinno, ale lubię słuchać go, nie myśląc o szerszym kontekście. Ten album jest idealny do po prostu cieszenia się. Tak, był punktem zwrotnym w świecie jazzu, tak, wpłynął na to, jak muzycy jazzowi będą podchodzić do muzyki w przyszłości, ale jeśli możesz, odłóż to wszystko na bok i po prostu słuchaj. Gra na tym albumie to jedne z najlepszych, jakie kiedykolwiek usłyszysz, każdy muzyk jest w świetnej formie, kompozycje są świetne, a nagranie jest na miejscu. Kiedy już cieszyłeś się nim jako doskonałym kawałkiem nagranej muzyki, ciesz się nim jako doskonałym kawałkiem historii muzyki.

Miles uśmiecha się

AM: Zanim zagłębił się w fusion i rozpoczął swoją "elektryczną" podróż, Davis wydawał niezwykle wspaniałe płyty post-bop. Do nich należy E.S.P. i jego kontynuacja, doskonałe Miles uśmiecha się. Ponownie, mamy człowieka wymieniającego nuty z niektórymi z najlepszych muzyków, którzy sięgnęli po swoje instrumenty, i są uwolnieni w sposób, który jest wyzwalający, ale subtelny. Jak E.S.P., nigdy nie ma w tym albumie momentu całkowitego free-jazzu, ale są wskazówki, że Davis i towarzysze zmierzali w tym kierunku. Zakończenie “Dolores,” na przykład, zdaje się kończyć znikąd po solówce perkusji Tony'ego Williamsa. A jednak, idealnie przechodzi w odpowiednio zatytułowane “Wolna jazzowa taniec” i zabawny brass “Gingerbread Boy,” które są funkowe i po prostu odrobinę dziwne według konwencjonalnych norm. Mimo to, nie są koniecznie szalone ani dysonansowe, po prostu mniej ograniczone. Jeśli myślisz o zagłębić się w bardziej wymagające rzeczy tutaj (tzn. następny element), warto najpierw flirtować z Miles uśmiecha się.

RK: Sekcja rytmiczna tutaj jest wyjątkowa. Przechodząc przez zasłonę tego, co było oczekiwane przez słuchaczy, postrzegali i prezentowali puls w nowatorski sposób. Metrystyczna modulacja z miary na miarę wciąż zdumiewa do dzisiaj. Mając to jako tło, solista mógłby złamać swój instrument na pół i wciąż dostarczyć doskonałą solówkę. Na szczęście, tutaj tak nie jest. Davis i Shorter są potworami na swoich instrumentach przez całe nagranie.

Bitches Brew

AM: Bitches Brew to jeden z tych albumów, który byłby większy niż sam, gdyby nie był już tak cholernie ogromny. Nie chodzi tylko o to, że Davis prowadził swoich muzyków przez muzykę wartą filmu, ponieważ ten album trwa 94 minuty. To brzmienie Bitches Brew, co czyni go tak wielkim. Jak wiele z jego silniejszych wydania fusion, ten album wygląda jak podróż do innego wszechświata, w którym gatunki są wyrzucone przez okno na rzecz dźwięku, który jest tylko jego. I choć mógłbym wybrać jedną lub dwie piosenki do zbadania, lepiej po prostu zanurzyć się w całość. Tak, jest “na zewnątrz” i może być trochę za dużo czasami, ale odstaw te 94 minuty, parz herbatę lub kawę i zanurz się. To doświadczenie, które musisz mieć, zwłaszcza jako ktoś, kto stara się lepiej zrozumieć wizję Milesa Davisa. Poza tym, nazwijmy to: ta okładka jest niesamowita.

RK: Co uderza mnie najbardziej w tym albumie, to że nie wydaje się być zagracone. Na każdym utworze są dwaj perkusistów, dwaj basiści i dwóch lub trzech klawiszowców! Przy takiej obsadzie łatwo byłoby sprawić, by wszyscy grali na sobie nawzajem, ale tak się nie dzieje, każdy dostaje przestrzeń. To magia Milesa Davisa, zebrał najlepszych muzyków, nieustannie ich wyzwał (przez aranżacje, formy i składy) i w jakiś sposób produkował całkowicie innowacyjny projekt za każdym razem.

Tutu

AM: Słuchanie Tutu w roku 2016 nie jest dokładnie łatwe. Jak wiele albumów z lat 80. - ten pochodzi z 1986 - ten album ma elementy, które brzmią, cóż, przestarzałe. To szczególnie prawda w przypadku syntezatorów, które hitują szybko i mocno od samego początku (tytułowy utwór) i nigdy nie ustępują. Ale gdy tylko przejrzysz je, usłyszysz fragmenty i kawałki geniuszu. Jak dubowe, duszne reggae tings w “Nie trać swojego umysłu” i bardzo funkowe dźwięki “Full Nelson.” Śmiesznie, myślałbyś, że Davis nagrał to jako hołd dla Prince'a, ale to był właściwie utwór dla Nelsona Mandeli. A jednak, Tutu miało być współpracą z późno już zmarłym, wielkim purpurowym człowiekiem. Absurdalne, prawda? Tak, ale także w jakiś sposób dopasowane. Tutu może nie uderzać cię natychmiastowo jak inne albumy tutaj, ale absolutnie musisz go usłyszeć.

RK: W ciągu swojej kariery, Miles dążył do tego, aby pozostać na czołowej pozycji muzyki. Zawsze szukał najlepszego sposobu na włączenie nowych pomysłów i technologii do swojej sztuki. Tutu to właśnie to; wykorzystał nowe narzędzia i pomysły dotyczące pisania, nagrywania, występowania i aranżacji. Choć w tamtym czasie było to nowatorskie, dziś wydaje się przestarzałe. Kluczem do tego albumu jest, aby spojrzeć na to z perspektywy tego, co zostało stworzone. To kontynuuje długą linię innowacji i kreatywności w ogromnym katalogu Davisa.