10 najlepszych albumów latin jazz do posiadania na winylu

Rozwój jazzu latynoamerykańskiego na przestrzeni lat pokrywa się ze zmianami w całym jazzie, obejmując szeroki zakres stylów, od tradycyjnych struktur piosenek po formy swobodne i fuzje. Już na początku XX wieku w Nowym Orleanie muzyka latynoamerykańska była ważnym komponentem w rozwoju jazzu – wczesny pionier jazzu, Jelly Roll Morton, nazywał to „hiszpańskim odcieniem”. W miarę jak jazz rozprzestrzeniał się na północ oraz w kierunku Karaibów i Ameryki Łacińskiej, muzycy różnych kultur czerpali inspiracje, integrując znane melodie i rytmy z improwizowanym jazzem. Te kreacje z kolei inspirowały grupy jazzowe w Stanach Zjednoczonych, a popularność muzyki tanecznej big bandów w latach 30-40 XX wieku oznaczała, że zespoły stale poszukiwały muzyki, która przyciągnie tłumy. Poszukiwani latynoscy muzycy albo dołączali do istniejących zespołów, albo zakładali własne. Afro-kubański, afro-karaibski, mambo, salsa, charanga, boogaloo, son i bossa nova to tylko niektóre z wielu stylów tego tętniącego życiem gatunku muzyki. A jest zbyt wielu wielkich i niezbędnych artystów jazzu latynoamerykańskiego, w których warto się zagłębić. To gatunek, który nieustannie ewoluuje dzięki pracom współczesnych muzyków, takich jak Pedrito Martínez i Arturo O’Farrill, którzy zostawiają swoje postępowe ślady. Ale te 10 albumów może być świetnym początkiem.

  

Machito: Kenya

Nie można rozmawiać o jazzie latynoamerykańskim, nie wspominając jednego z jego ojców, Francisco Raúla Gutiérreza Grillo, bardziej znanego jako Machito. Przeprowadził się z Kuby do Nowego Jorku, w końcu zakładając swój zespół Afro-Cubans w 1940 roku, który przy współpracy z dyrektorem muzycznym Mario Bauzá był jednym z pierwszych zespołów łączących tradycyjne aranżacje jazzu z afro-kubańskimi rytmami, często zatrudniając amerykańskich kompozytorów jazzowych do aranżacji kubańskich piosenek. Kenya (1958) zawiera głównie oryginalne utwory napisane i zaaranżowane przez A.K. Salima. Na pierwszy rzut oka album może wydawać się pełen blasku big bandu z głośną sekcją instrumentów dętych, która korzysta z egzotycznych trendów lat 50., ale jeśli zgłębisz temat, usłyszysz, co odróżnia Machito od naśladowców. Ścisłe muzykowanie, złożone aranżacje jazzowe, które szybko przechodzą od intensywnych do subtelnych soulowych fraz – nie można zlekceważyć Kenya jako albumu modowego. Album zawiera również znakomite solówki jazzowe, takie jak trąbka „Doc” Cheathama („Holiday”), wielki altowiolista Cannonball Adderley („Oyeme” i „Congo Mulence”) i inni.

  

Tito Puente: Dance Mania

Tito Puente już jako dziecko wykazywał wczesne zainteresowanie muzyką, dorastając w hiszpańskim Harlemie. Po ukończeniu Juilliard w końcu zdobył angaż jako perkusista w zespole Machito, gdzie jego głównym instrumentem były timbales. Kiedy w 1948 roku założył własny zespół, czerpał inspiracje z orkiestr Machito i Counta Basie'a, łącząc wyrafinowanie jazzu big bandowego z latynoskimi rytmami. Dance Mania (1958), jego najlepiej sprzedający się album, to absolutny ogień. Większość utworów to oryginalne kompozycje Puente’a, które obejmują różne style, takie jak mambo, son, cha-cha-cha i boleros. To, co wyróżnia ten album, to jego wypolerowane wykonania, które nigdy nie wydają się stłumione. Puente zręcznie gra na timbales i wibrafonie; conga, bonga, saksofony i głośne trąbki z wyczuciem wspierają wokalistę Santitos Colón. Warto zwrócić uwagę na otwierający w średnim tempie utwór „El Cayuco”, który demonstruje umiejętności orkiestry Puente’a i jego talent jako aranżera (wybuchy instrumentów dętych nigdy nie dominują nad rytmem), ożywiający „Mambo Gozón” oraz gorący album zamykający „Saca Tu Mujer”, klasyk.

  

Cal Tjader: Soul Sauce

Cal Tjader, król wibrafonu, pomógł spopularyzować jazz latynoamerykański w formie małych zespołów, odchodząc od brzmienia big bandów. Choć sam nie miał latynoskich korzeni, jego dyskografia i oddanie temu idiomowi mówią same za siebie. Soul Sauce (1965) był jednym z jego najlepiej sprzedających się albumów, doskonałym połączeniem mambo, boogaloo oraz nawet trochę bossa nova (inspirowana João Gilberto „João”). Soulowe wibracje zaskakują swoimi częstymi eksplozjami, ale Tjader również pozwala swoim współpracownikom błyszczeć. Fortepian Lonnie Hewitta doskonale kontrastuje z marzycielskimi tonami, a wkład perkusji od Willie Bobo, Armando Peraza i Alberto Valdes stabilizuje różnorodne rytmy, wpływając na kubańskie i karaibskie brzmienie. Tjader bez trudu przekształca ballady, takie jak „Somewhere in the Night” i „Spring is Here”, łagodne wibracje i fortepian wkraczają głęboko w duszę. Osobistym ulubieńcem jest utwór tytułowy, zbyt krótka interpretacja kompozycji Chano Pozo/Dizzy Gillespie’a, na którą wpływają okrzyki Bobo. Kolejnym godnym uwagi utworem jest wersja Tjadera klasyka Mongo Santamaríi „Afro-Blue”, w której dodatkowe trąbki Donalda Byrda, saksofon Jimmy’ego Heatha i gitara Kenny’ego Burrella stanowią ekscytujące połączenie jazzu i wpływowych rytmów afrykańskich.

  

Antônio Carlos Jobim: Wave

Potrzebujesz albumu, który nada klimat na kolację w domu i chcesz przywołać ciepłe bryzy i gorące noce? Nie szukaj dalej niż „Wave” (1967) Antônio Carlosa Jobima, jego trzeciego i najbardziej udanego albumu. Reprezentuje bossa novę (nowy trend lub nową falę), brazylijski styl muzyczny, który przypomina spowolnioną sambę połączoną z jazzem. Jobim, brazylijski kompozytor i muzyk, był jednym z pionierów tego stylu. Na Wave znajduje się typowe rytmiczne szarpanie gitary i łagodna perkusja, ale także flet, puzon i smyczki. Okładka przedstawiająca żyrafę na egzotycznej plaży emanuje ucieczką i pasją, co odpowiada zrelaksowanej elegancji muzyki. Warto zwrócić uwagę na utwór tytułowy oraz „Look to the Sky”, gdzie puzon jest samotny i spragniony. „Triste” uwodzi łagodnym fortepianem, ale puzon przerywa krótko, powtarzając melodię z delikatną determinacją. Samotny utwór wokalny „Lamento” to także wyróżniający się moment, ponieważ Jobim sam śpiewa, co nie zdarzało się zbyt często. Zrób sobie i swojemu partnerowi przysługę i zdobądź ten album.

  

Willie Bobo: Bobo Motion

Willie Bobo był płodnym perkusistą i grał z takimi wielkimi jak Dizzy Gillespie, Tito Puente, Mongo Santamaría, Cal Tjader i inni. Jako lider zespołu Bobo jest najbardziej znany z łączenia latynoskich rytmów z soulem i popem, będąc jednym z wczesnych innowatorów boogaloo, soul-jazz i brown-eyed soul. Bobo Motion z 1967 roku to mieszanka utworów instrumentalnych i wokalnych (z Bobo na wokalu) ale także z Bobo stającego się bardziej poważnym z jazzem w standardach takich jak „Midnight Sun”, „Cute” i „Tuxedo Junction”. Muzyka pop ma swoje miejsce w latynoskim jazzie w wersji „Up-Up & Away”, a „Show Me” Joe Texa płonie na wierzchu z trąbkami i nieustępliwymi timbales. Meksykańska tradycyjna „La Bamba” również dostaje oprawę Bobo, a „Ain’t That Right” to fantastyczny numer boogaloo, zabarwiona perkusją wersja piosenki Arthura Sterlinga. Gitarzysta Bobo, Sonny Henry, wnosi dwie kompozycje „I Don’t Know” i „Evil Ways”, pierwsza z nich to wersja nagrana, która później stała się popularna dzięki Santanie. Bobo Motion to eklektyczne połączenie jazzu oraz złożonych latynoskich rytmów, ilustrując dokładnie, dlaczego DJ-e tak chętnie poszukują jego płyt.

  

Astrud Gilberto: Beach Samba

Brazylijska piosenkarka Astrud Gilberto jest być może najlepiej znana z wokalnych wkładów w hit „The Girl from Ipanema” z albumu Getz/Gilberto, współpracy Stan Getza, jej ówczesnego męża João Gilberto i Antônio Carlosa Jobima z 1963 roku. Ostatecznie zdobywając własny kontrakt z Verve, solowe albumy Gilberto nie przełamały nowego gruntu, ale to w takim wypadku chodziło; jej siła i świeżość tkwi w jej swobodnym stylu wokalnym, który, wraz z bujną instrumentalizacją, natychmiast przywołuje piaszczyste plaże i orzeźwiające koktajle. To wszystko jest kwestia nastrojowej muzyki, ludzie. Odpowiednio zatytułowany Beach Samba (1967) jest doskonałym przykładem tego stylu, z łatwym stylem bossa nova/pop. Choć nie wygenerował przeboju w stylu „Ipanema”, jakiego Verve pragnęło, to jest solidnym albumem, który zostaje z Tobą. Delikatny „Misty Roses” uwodzi, „The Face I Love” czaruje, a także zawiera najlepszy duet matki i syna w jej przeróbce piosenki The Lovin’ Spoonful „You Didn’t Have to Be So Nice.” Czasami najprostsze nastrojowe utwory to te albumy, które sięga się najczęściej.

  

Eddie Palmieri: Superimposition

Pianista Eddie Palmieri grał w kilku zespołach, w tym w zespole Tito Rodríguez’a w latach 50., zanim założył swój zespół w 1961 roku i zreformował styl charanga (kubański taniec charakteryzujący się fletem i skrzypcami), zastępując skrzypce dwoma puzonami, tym samym przyczyniając się do rozwoju i popularyzacji muzyki salsa. Superimposition (1970) to trzeci album Palmieriego po rozwiązaniu swojego zespołu, aby skupić się na bardziej eksperymentalnych stylach kompozycji muzycznej. Pierwsza strona albumu składa się z trzech gorących numerów salsa. „La Malanga”, „Pa’ Huele” i „Bilongo” mieszają kubańskie rytmy, gdzie dwa puzony tańczą wokół siebie. Solo trąbki Alfredo Armenterosa w „Pa’ Huele” i „Bilongo” są warte ceny samego albumu. Ale to instrumentalny, improwizacyjny jazz na drugiej stronie sprawia, że warto się zatrzymać. Perkusja luźno ustawia rytm w „Que Lindo Eso, Eh!” a fortepian eksploruje, nigdy się nie osiadając na melodii. „Chocolate Ice Cream” zaczyna się jak klasyczny cha-cha-cha, ale solówki na fortepianie i trąbce nadają mu bardziej charakterystyczny klimat jamu. Dissonanowy fortepian Palmieriego staje się drugoplanowy wobec sekcji perkusyjnej w ostatnim utworze, odpowiednio zatytułowanym „17.1”, co jest przeciętnym wiekiem trzech perkusistów.

  

Mongo Santamaría: Sofrito

Sofrito (1976) to połączenie jedzenia, które przynosi komfort i złożonej delikatności. Zacierając granice, Mongo Santamaría, mistrz conguero, perkusista i lider zespołu, pokazuje swój geniusz. Urodził się na Kubie, zanim imigrował do USA, a jego styl został w dużej mierze pod wpływem rytmów afrykańskich i był jednym z tych, którzy przyczynili się do popularyzacji afro-kubańskiego jazzu w latach 40. i 50. zarówno w wydaniach solowych, jak i z zespołami, takimi jak Peréz Prado, Tito Puente i później z zespołem Cala Tjadera. Początkowo odrzucony po wydaniu, Sofrito jest bardzo reprezentatywnym przykładem ruchu jazzowego lat 70. i można zobaczyć Santamaríę w latach 50. skłonnym do eksperymentowania, łącząc latynoskie rytmy z funky bitami i rytmami inspirowanymi Afryką Zachodnią, wraz z elektrycznymi klawiszami i syntezatorami. Posłuchaj tradycyjnej liczby „O Mi Shango” i bądź zachwycony. Doskonały album na letnie wieczory z przyjaciółmi, „Iberia” unoszą się przez otwarte egzotyczne okna, chłód jest mocny w „Cruzan”, a następnie przenosisz się na kubańskie ulice w „Spring Song” oraz osobistym ulubieńcu „Sofrito”.

  

Ray Barretto: La Cuna

Ray Barretto, jeden z najwybitniejszych congueros, który kiedykolwiek uderzył w skóry congi, zyskał uznanie w nowojorskim świecie jazzu w latach 50., ostatecznie dołączając do zespołu Tito Puente, kiedy Mongo Santamaría odszedł. Po założeniu własnego zespołu w latach 60. Barretto spopularyzował swoją wersję charanga, pachanga i boogaloo, co przyczyniło się do salsy lat 70. Oprócz ożywiania parkietów tanecznych miał również ogromną rywalizację z Eddie Palmierim, a ich seria albumów demonstruje silną chęć prześcignięcia się nawzajem. W połowie lat 70. Barretto porzucił salsę (dzięki opuszczeniu go przez zespół) i powrócił do łączenia latynoskich wpływów z miłością do jazzu. Na La Cuna z 1979 roku Barretto łączy siły z gwiazdorską obsadą muzyków, takimi jak Tito Puente, John Tropea, Charlie Palmieri, Steve Gadd i Joe Farrell, wśród innych. La Cuna to lekcja umiejętności i muzykalności; to podróż przez elektryczny funk i latynoskie rytmy. Wyróżniające się momenty to „Doloroso”, gorący saksofon Farrella w „Mambotango” oraz „The Old Castle”, gdzie gitara Tropei robi furorę.

  

Arturo Sandoval: Flight to Freedom

Arturo Sandoval, znakomity trębacz, zadebiutował w Ameryce na Flight to Freedom (1991) po tym, jak zbiegł z Kuby. Klasycznie wykształcony i od lat pod wpływem jazzowych wielkich, takich jak Charlie Parker i Dizzy Gillespie (który stał się jego przyjacielem i kolegą po spotkaniu w 1977 roku), Sandoval zmagał się z ograniczeniami, które na niego nałożył rząd kubański, kontrolując, kiedy i gdzie koncertował oraz jaką muzykę mógł grać. Jako artysta pragnął wolności ekspresyjnej. Dlatego, gdy zezwolono mu na koncerty z Gillespie w Europie w 1990 roku, a jego żonie i synowi na urlop z nim tam, Sandoval wykorzystał sytuację, angażując pomocy Gillespiego i amerykańskich ambasad, aby zabrać siebie i swoją rodzinę do USA, gdzie ostatecznie osiedlili się w Miami. Flight to Freedom uwalnia pasję Sandovala, gdzie może zaprezentować swoje wirtuozowskie umiejętności na afro-kubańskim bopie (utwory tytułowy i „Caribeno” to wyróżniające się punkty), delikatna samba („Samba de Amore”), energiczne numery, które nawet uwzględniają gitarę rockową („Tanga”) oraz powolne ballady, takie jak „Body and Soul”. Pasjonująca trąbka Sandovala wzlatuje i płonie.