10 najlepszych albumów industrialnych, które warto mieć na winylu

Throbbing Gristle 20 Jazz Funk Greats

Throbbing Gristle wynalazł muzykę industrialną. W rzeczywistości to oni stworzyli tę nazwę — Industrial Records była ich wytwórnią, a hasło "industrial music for industrial people" stało się ich sloganem, zaczynając od albumu z 1977 roku The Second Annual Report. Chociaż na początku to, co oznaczało „industrial”, nie było tak dobrze zdefiniowane. Formując się jako COUM Transmissions w Wielkiej Brytanii w połowie lat 70., Genesis P. Orridge, Chris Carter, Cosey Fanni Tutti i Peter „Sleazy” Christopherson ostatecznie przyjęli nazwę Throbbing Gristle, występując w konfrontacyjnych występach na żywo, w których pojawiały się pornograficzne lub brutalne obrazy, podczas gdy tworzyli kakofoniczną muzykę, często z towarzyszeniem słowa mówionego, co w końcu prowadziło do dzieł grozy jak „Hamburger Lady” z 1978 roku.

Ich największym osiągnięciem był album z 1979 roku 20 Jazz Funk Greats, który reprezentuje Throbbing Gristle w ich najbardziej muzycznej formie — chociaż to względne określenie. Okładka albumu przedstawia zespół uśmiechający się na Beachy Head, notorious miejscu samobójstw w Wielkiej Brytanii, co można uznać za pewnego rodzaju manewr zasadzki, mający na celu wywołanie reakcji u nieświadomych słuchaczy przeszukujących półki sklepowe. Chociaż album jest surowy, jest również rytmiczny i często przystępny w niektórych momentach, oferując ich interpretacje egzotyki, dubu i minimalnego punku syntezatorowego w stylu Suicide. Zawiera także „Hot on the Heels of Love”, ich najbardziej bezpośredni numer disco, obficie czerpiąc z repertuaru Giorgio Morodera. Znajdują się tam momenty względnego spokoju, nawet chwytliwe fragmenty, ale każdy utwór wydaje się chwiejny i niepewny, każda chwila melodii istnieje, aby tworzyć fałszywe poczucie komfortu — tylko po to, aby zespół odebrał je natychmiast.

Killing Joke: Killing Joke

Londyńska grupa post-punkowa Killing Joke nie przekształciła się w pełni w industrial metal aż do wczesnych lat 90., kiedy wydali Extremities, Dirt and Various Repressed Emotions. Jednak fundament tych nieustających, tnących hymnów leży w surowym punk rockowym rytmie ich debiutanckiego albumu. Album — mimo że został całkowicie stworzony na tradycyjnym zestawie gitar, basu i perkusji — jest przesiąknięty zimnymi, metalicznymi dźwiękami i żrącymi efektami. Wprowadzenie do „Requiem” to coś w rodzaju prymitywnego szablonu dla przetworzonych, sekwencjonowanych dźwięków, które później zaadaptowali Ministry i Nine Inch Nails, podczas gdy dezorientujący i zniekształcony efekt wokalny Jaz Colemana w „Wardance” nadaje utworowi rodzaj dziwacznego terroru, który można powiązać z wcześniejszym industrialem. Jak na industrial przystało, debiut Killing Joke ma większe znaczenie dla kładzenia fundamentów niż pełnej realizacji dźwięku, ale jest to niezbędne ogniwo, które brakuje w tej linii.

Nurse With Wound: Homotopy to Marie

Stephen Stapleton nie jest tylko ważną postacią w muzyce eksperymentalnej, ale także niezwykle płodną. Jego katalog liczy ponad 60 albumów studyjnych, a także długą listę współpracy z artystami w muzyce industrialnej (Current 93), prototypami tego gatunku (Faust) i tymi całkowicie spoza niego (Stereolab). Jego arcydzieło, Homotopy to Marie, powstało stosunkowo wcześnie w jego karierze i jest 50-minutową kolażem dźwiękowym, łączącym estetykę sztuki performatywnej avant-gardowego Throbbing Gristle z jeszcze bardziej absurdalną, surrealistyczną wrażliwością. Nieliczne momenty na Homotopy to Marie przypominają prawdziwe melodie, a te chwile często pojawiają się po tym, jak słuchacz zostaje poprowadzony przez przerażające labirynty brzęczących talerzy, znalezionych dialogów, skrzypiących drzwi, szczekających psów i różnych innych dźwięków, które są najbardziej niepokojące, gdy światła są wyłączone, a wszystko inne jest dziwnie ciche. To, że tak wiele albumu to pusta przestrzeń, tylko sprawia, że dźwięki na taśmach Stapletona są jeszcze bardziej przerażające. Podczas gdy późniejsi artyści industrialni tworzyli rytmiczne wzory z takich surowych hałasów i efektów, Stapleton znalazł swoją sztukę w pokręconej symfonii chaosu.

Cabaret Voltaire: 2x45

Cabaret Voltaire z Sheffield zaczęli tak samo jak Throbbing Gristle, poprzez pokazy sztuki performatywnej połączone z eksperymentami z pętlami taśmowymi. Jednak zespół — nazwany na cześć klubu w Zurychu, który był centrum ruchu dadaistycznego na początku XX wieku — ewoluował przez różne fazy swojej kariery, robiąc wczesne wrażenie singlami synth-punkowymi, takimi jak „Nag Nag Nag”, zanim włączyli ciemniejsze, surowsze dźwięki, które bardziej przypominają intensywne podejście do tego, co teraz nazywamy „industrialem”. Ich czwarty album 2x45, wydany po ich surowych wczesnych płytach i bardziej przyjaznym dla parkietu materiału z okresu ich muzyki elektronicznej (EBM), to najbardziej dzika kreatywna płyta Cabaret Voltaire, łącząca dance punk, no wave i elektronika-heavy militarystycznego wczesnego industrialu. To jedna z ich najbardziej zabawnych płyt, napędzana rytmami takich utworów jak otwierający „Breathe Deep” i „Protection”, ale także wśród ich najbardziej dziwnych i niepokojących nagrań. Przerobione wokale i chaotyczna gęstość „War of Nerves” przypominają trochę funky Godflesh. To jeden z bardziej przystępnych albumów zespołu, pomimo czasami surowych elementów, a co interesujące, był to pierwszy, który znalazł się na brytyjskiej liście albumów.

Einstürzende Neubauten: Halber Mensch

Nazwa Einstürzende Neubauten tłumaczy się jako „zapadające się nowe budynki”, co zasadniczo podsumowuje etos niemieckiego zespołu. Wzięli pojęcie industrialu dosłownie, tworząc dźwięki z kawałków metalu i sprzętu, a surowe hałasy, które tworzyli, często bardziej pasowały do musique concrete niż do rzeczywistego pisania piosenek. Halber Mensch (tłumaczenie: pół człowiek) stanowił przełom dla zespołu, ponieważ ich kompozycje stały się znacznie bardziej muzykalne, nawet bardziej ludzkie, chociaż nadal dość przerażające. Utwór tytulowy albumu jest na przykład utworem chóralnym, ale to materiał, z którego powstają koszmary — septet głosów śpiewających, jakby zaangażowani w kultowy rytuał. „Yü-Gung”, jakkolwiek szorstkie może być, nadal jest napędzane stałym bitem 4/4 i rytmicznymi wokalami Blixy Bargelda. Nawet w momentach takich jak „Seele Brennt” i „Sensucht” występuje osobliwa piękność. W kolejnych latach grupa przyjęłaby bardziej konwencjonalne melodie, ich teledyski ukazywały się raz lub dwa razy na MTV w programie 120 Minutes, ale żaden album nie zdołał tak płynnie połączyć kakofonii ich instrumentacji z metalu odpadowego z uczciwymi piosenkami.

Foetus: Nail

J.G. Thirlwell zebrał niemal tyle pseudonimów, ile ma nagrań przez lata — You’ve Got Foetus On Your Breath, Scraping Foetus Off the Wheel, Steroid Maximus i Clint Ruin, aby wymienić tylko kilka. Ale ewolucja jego wielu moników świadczy o nieustannej twórczości umysłu australijskiego muzycznego szaleńca. Nail, jego czwarty album studyjny jako Foetus (Scraping Foetus Off the Wheel, dla tych, którzy śledzą), jest jednocześnie jego najbardziej przystępną i nieograniczoną kreatywnie zbiorem muzyki. Połączenie tnących, metalicznych dźwięków perkusyjnych industrialu z bluesem, jazzem, post-punkiem, a nawet piosenkami musicalowymi, album czasami brzmi jak cartoonowe muzyki Raymonda Scotta wykonywane przez złe roboty.

Punkty odniesienia Thirlwella są liczne i różnorodne, czerpiące z Szekspira na punk-bluesowym rytmie „Throne of Agony”, podczas gdy „Enter the Exterminator” zawiera elementy „In the Hall of the Mountain King” Griega i „DI-1-9026” nawiązuje do Timothy'ego Leary'ego. Kiedy album osiąga ostatni utwór „Anything (Viva!)”, Thirlwell krzyczy: "Mogę zrobić, co tylko chcę!" Rzeczywiście.

Coil: Horse Rotorvator

Okładka albumu Horse Rotorvator zespołu Coil, prosta, ale niepokojąca, przedstawiająca pusty altanę z jej cieniami rozciągającymi się po pustym polu, jest opatrzona krótką narracją o „ogromnym urządzeniu do przesuwania ziemi” stworzonym z żuchw koni Czterech Jeźdźców Apokalipsy. To dobra wskazówka, co czeka słuchacza na tym albumie. Gdzie taki artysta jak Nurse With Wound jest przerażający z powodu całkowitej niepojętości tego, co się dzieje, Coil tworzy podobny rodzaj horroru z czegoś znacznie bardziej przystępnego, a nawet ładnego. John Balance, Stephen Thrower i były członek Throbbing Gristle Peter Christopherson znajdują piękno w zdeprawowaniu i vice versa, ukazując przerażającą tkliwość w balladzie „Ostia (The Death of Pasolini)”, proto-neofolkowym żalu o brutalnym morderstwie reżysera filmowego Pierra Paolo Pasoliniego w 1975 roku. Jest także wymagający martial stomp EBM w „Penetralia” i przerażająca atonalność w „Blood From the Air”. Znajomy głos dla słuchaczy nowofalowych pojawia się również w wyróżniającym się death-bluesie „Slur”, mianowicie Marca Almoda z Soft Cell, któremu przypisano imię Raoul Revere. Zaledwie dwa lata wcześniej, w rzeczywistości, Coil nagrał swoją wersję „Tainted Love”, którą Soft Cell uczynił sławną, z Almodem występującym w teledysku symbolizującym Anioła Śmierci.

Ministry: The Land of Rape and Honey

Wczesne lata Ministry spędziły, rzucając na ścianę dosłownie wszystko, żeby zobaczyć, co się utrzyma (synth-pop, new romantic, goth rock), a przez ostatnie dekady osiedli się na politycznym, opartym na dowcipach industrial metal. Ale w połowie lat 80., Al Jourgensen i jego zespół znaleźli swój rytm, zasadniczo tworząc szablon dla industrial rocka. Gdzie industrial historycznie miał jedną nogę w przestrzeni artystycznej, a drugą na parkiecie, Ministry od zawsze preferowali to drugie, ich dźwięki bogate w sample tworzą zderzenie elektronicznych bitów z ciężkimi metalowymi gitarami.

The Land of Rape and Honey nie jest ich najbardziej usprawnionym albumem, ale zdecydowanie jest najlepszy, kreatywną eksplozją mrocznej atmosferycznej grozy i czystej głośności. Z „Stigmata” stworzyli hymnu klubowego, który może konkurować z ich wcześniejszym, kiczowatym singlem „Every Day Is Halloween”, podczas gdy „The Missing” znalazło ich znacznie dalej w metalowej estetyce, a „Golden Dawn” wywołuje apokaliptyczną, filmową atmosferę, przywołując obrazy rozpadających się budynków i kłęby dymu. Chociaż Ministry są daleko od bycia najpoważniejszym zespołem w historii industrialu, byli pierwszymi, którzy opanowali go jako dużą, przyjazną dla mainstreamu produkcję.

Godflesh: Streetcleaner

Justin Broadrick miał zaledwie 19 lat, gdy zadebiutował przełomowym albumem metalowo-industrialnym z Godflesh, Streetcleaner z 1989 roku. To wyjątkowy fakt, biorąc pod uwagę, że nie brzmi to jak praca dopiero co dorosłego — to dźwięk, którego można by się spodziewać od złowrogich, nieśmiertelnych istot, które żyją pod powierzchnią ziemi. Gdzie korzenie industrial metal wywodziły się głównie od artystów, którzy wyewoluowali z wczesnych korzeni industrialu i post-punku — takich jak Killing Joke czy Ministry — personel Godflesh był już nieco bardziej ustabilizowany w metalu samym w sobie, a Broadrick krótko grał w Napalm Death, nim spowolnił tempo i zatrudnił maszynę perkusyjną. Streetcleaner, w rezultacie, nie jest żadnym albumem tanecznym — to szorstka seria pitch-shifted pierwotnych krzyków, zgrzytających riffów gitarowych i uderzeń basu Rolanda. To dźwięk szczególnie sadycznej dystopii.

Nine Inch Nails: The Downward Spiral

W przypadku zdecydowanej większości pionierskich aktów industrialnych, akceptacja przez mainstream nie była zbyt istotnym czynnikiem, a w przypadku Throbbing Gristle sukces crossover był pomysłem, który całkowicie kłócił się z ich prowokującymi wrażliwościami. Jednak dla Trenta Reznora, artysty, który rzeczywiście współpracował z członkami Throbbing Gristle, pop i industrial nie były sprzecznościami. Rolling Stone opisał debiut Nine Inch Nails Pretty Hate Machine jako „pierwszy album industrialny w wykonaniu piosenkarza/autora tekstów”, a z jego następnym albumem z 1994 roku The Downward Spiral, Reznor wykorzystał ten wczesny szablon, aby stworzyć spójną, koncepcyjną płytę art-rockową, wykorzystując narzędzia industrialne do skonstruowania jej szerokiego brzmienia.

Po premierze The Downward Spiral był bezprecedensowym przełomem w muzyce industrialnej, ukazując zarówno maniakalne ekstremy industrialnego metalu opartego na samplach („March of the Pigs”), jak i jego najbardziej introspekcyjne i niszczycielskie ballady („Hurt”). Czasami album przypomina wręcz robotyczną jednostkę, która porusza się przez strumienie iskier, jak w rozszalałym „Reptile”. To arcydzieło produkcji, które uczyniło ideę muzyki industrialnej powszechnie rozpoznawalną, zawdzięczając to w dużej mierze przebojowi seksowemu, „Closer”. Fakt, że Maxwell wykonał ten utwór w MTV Unplugged zaledwie dwa lata później, oznaczał nieco surrealistyczny moment, w którym granica między niegdyś hałaśliwą podziemną kulturą a Top 40 w końcu się zatarła.