Zaginiona historia relacji Indii z jazzem

(zdjęcie dzięki Meridian)

Lata 20-te XX wieku były burzliwym czasem dla ludzi kolorowych, a szczególnie dla czarnoskórych w Ameryce. Zmagając się z nawigowaniem w świecie, w którym rasizm był wszechobecny, Afroamerykanie nie mogli czuć się mile widziani ani bezpieczni. Ta dekada przyniosła także erę jazzu—czas ostentacji, prohibicji i nowych pieniędzy. W tym okresie oraz w kolejnych latach ikoniczni muzycy jazzowi, tacy jak Louis Armstrong i Duke Ellington, odbywali światowe trasy ze swoimi zespołami. Miejsca, w których występowali, mogłyby cię zaskoczyć; Afganistan i Indie stały się rozwijającymi się miejscami dla miłośników jazzu Wschodu. Niestety, nagrania z występu Ellingtona w Afganistanie zostały zniszczone przez Taliban, ale resztki ich swingowego i walczącego ducha są nadal wyraźne.

Indie, w szczególności, zyskały szczegolne zainteresowanie jazzem, a afroamerykańscy muzycy cieszyli się życzliwością tej sceny. Aby uciec od stałej prześladowania, z jakim mieli do czynienia w Stanach Zjednoczonych, czarni muzycy jazzowi postanowili uczynić Indie swoim nowym domem, a z nimi narodziły się korzenie współpracy muzycznej pomiędzy Indiami a Afroamerykanami. Infamous luksusowy hotel w Mumbaju, The Taj Mahal, nawet posunął się do złożenia propozycji czarnoskóremu skrzypkowi z Minnesoty, Leonowi Abbey, by w 1935 roku stworzyć dziewięcioosobowy zespół jazzowy. Przed tym Abbey był stałym elementem paryskiej sceny jazzowej przez sześć miesięcy i założył pierwszy czarnoskóry zespół grający jazz w Indiach. Grali dla elitarnych tłumów Mumbaju w luksusowej i ekstrawaganckiej art-deco sali balowej Taj. Oglądanie występu zespołu jazzowego było wydarzeniem; olbrzymie kolumny zdobiły salę, a obrotowa scena sprawiła, że hotel Taj Mahal stał się domem dla najbardziej ekscytujących muzyków Mumbaju.

Jazz dotarł także do Indii częściowo z powodu zimnej wojny. Rosja i Stany Zjednoczone zaprezentowały Indiom to, co uważały za swoje największe osiągnięcia artystyczne, aby zdobyć ich przychylność. Podczas gdy Rosjanie wysłali Kirov Ballet (obecnie znany jako Mariinsky Ballet) w trasę po kraju, Amerykanie byli zdeterminowani, by uczynić jazz obiektem afekcji Indii. Dave Brubeck był jednym z pierwszych muzyków wybranych przez CIA do trasy i w rezultacie zaczął improwizować z wieloma lokalnymi muzykami. Doprowadziło to z kolei do tego, że Indusi, którzy wcześniej nie wychodzili poza strefę komfortu, zaczęli eksperymentować z interpretacją pojęcia, z którym już się zaznajomili: improwizacji. Jednym z ulubionych improwizatorów Brubecka był Micky Correa, który później miał owocną karierę trwającą ponad 30 lat. Afroamerykańscy muzycy, którzy kontynuowali tę quasi-polityczną trasę, również poszli w jego ślady, a ich wpływ był wyczuwalny w współczesnej indyjskiej kulturze pop. Jazz dotarł też do Indii poprzez odkrycia. Jako portugalska kolonia, katoliccy Gończycy byli szczególnie otwarci na jazz, ponieważ mieli uzasadnione zainteresowanie zachodnią muzyką i kulturą. Często Gończycy nosili europejskie imiona, a to właśnie Gończycy stali się legendami w indyjskiej scenie jazzowej, tacy jak Frank Fernand czy Anthony Gonsalves. Gonsalves stał się znanym nazwiskiem na mocy tego, że został wspomniany w komedii z 1977 roku Amar Akbar Anthony w piosence „My Name Is Anthony Gonsalves.” To świadczy o ogromnym wpływie tych muzyków jazzowych.

W Indiach afroamerykańscy muzycy jazzowi byli witani z ciepłem i akceptacją; coś, co było im obce w miejscu, które nazywali domem. A z wielu afroamerykańskich muzyków jazzowych osiedlających się w Indiach i współpracujących z rodzimymi muzykami wyrosło indyjskie jazz. Innym zespołem rezydencyjnym w hotelu Taj Mahal była wspólna inicjatywa czarnoskórych, indyjskich i białych muzyków; prowadził go Teddy Weatherford na fortepianie, a na kornecie grał Cricket Smith, a indyjskie jazz zyskało swój własny styl, wykraczający poza bardziej tradycyjny amerykański jazz. Sam koncept gatunku może wydawać się na początku dichotomiczny, ale staje się bardziej zrozumiały i gładko spójny, gdy oceniamy i rozszyfrowujemy jego korzenie kompozycyjne. Klasyczna muzyka indyjska jest z natury improwizacyjna, opiera się na wolnych wokalach, uzupełnianych lśniącymi sitarami i tętniącymi tabla. Artyści jazzowi indyjskiego pochodzenia brali improwizację—koncept, z którym byli dobrze zaznajomieni—i stosowali ją do skal pentatonicznych zamiast ragas (indyskich skal), grając na instrumentach dętych i blaszanych zamiast shehnai, oraz korzystając z zachodniej perkusji zamiast tabla i dhol. To połączenie kultur pozwoliło indyjskim muzykom zdywersyfikować i rozszerzyć swoje inspiracje muzyczne, a także zrodziło kariery niektórych z najbardziej ikonicznych indyjskich muzyków w historii.

Scena jazzu w Indiach niestety została w większości zapomniana, mimo że była integralną częścią jej atmosfery. Ogromność przenikania jazzu pokazuje, jak bardzo Mumbaj był miastem multiculturalnym i naprawdę globalnym, porównywalnym z Nowym Jorkiem. Ich podobieństwa tkwią w tym, że są miastami portowymi i mają zdolność do pragmatyzmu i przyjmowania wpływów. W rzeczywistości jazz jest tak ważny dla nowoczesnego indyjskiego ducha, że gdy Indie uzyskały niepodległość od Wielkiej Brytanii 15 sierpnia 1947 roku, najbogatsi celebrowali w Taj Mahal przy nie byle jakiej muzyce jazzowej. Chociaż Dzień Niepodległości jest upamiętniany patriotycznym wierszem bengalskim z 1882 roku, który stał się piosenką „Vande Mataram”, to muzyczne partnerstwo symbolizowało wolność i kreatywność zarówno czarnoskórych, jak i brązowych muzyków stłamszonych przez białych. Niestety, najdłużej żyjący indyjski muzyk jazzowy, Micky Correa, zmarł niedawno, więc nikt nie pozostał, aby opowiedzieć naocznie relacje z sali balowej hotelu Taj Mahal. Co gorsza, nie przeprowadzono z nimi żadnych wywiadów, a możemy tylko polegać na ich wpływie uchwyconym w popkulturze, aby odkryć historię indyjskiego jazzu.

Producenci filmowi Bollywood i dyrektorzy muzyczni dostrzegli trend jazzu wśród indyjskiej elity i potrzebowali czegoś, a konkretniej, kogoś, kto zmodernizuje ich wkrótce przestarzały dźwięk. Tym kimś był mężczyzna, który być może stał się synonimem indyjskiego jazzu, Antonio Xavier Vaz, lepiej znany jako Chic Chocolate. Był może najbardziej znanym muzykiem jazzowym, o którym nigdy nie słyszałeś, Chic był multiinstrumentalistą z Goi, który zdołał osiągnąć sukces grając na trąbce w wielu filmowych soundtrackach Bollywood. Chic był pod silnym wrażeniem Louisa Armstronga i często nazywano go „Louisem Armstrongiem Bombaju,” nawet posuwając się do noszenia charakterystycznej chusteczki i śpiewania w jego chrapliwym i gardłowym stylu.

Zaczął w Mumbaju, prowadząc jedenastoosobowy zespół w hotelu Taj Mahal. Jego praca była płodna, jego wpływ jest wieczny, a natura jego kompozycji i występów tworzy podstawy tego połączenia kultur, które promował indyjskie jazz. Oglądanie występu Chica Chocolate'a było czymś więcej niż przeciętnym koncertem; upewniał się, że jego widownia miała doświadczenie, którego nigdy nie zapomną. Miał głośną i ujmującą osobowość, która zaczarowywała zarówno obcych, jak i stałych bywalców; potrafił poruszyć tłum swoją dowcipną osobowością, a jego miłość do występów była wyczuwalna. Rozwinął tak silną więź ze swoimi stałymi klientami, że grał ich ulubione utwory, gdy tylko wchodzili do sali. Ta żywiołowość jest zdecydowanie widoczna w jego muzyce; słuchając starych nagrań jego solowej pracy, można być urokliwym przez jego grę na trąbce. Jego trąbka miała tę chropowatość i surowość szczególnie w utworze „Contessa”; wydawała się mieć własne życie osobowości i przyciągała uwagę wszystkich. Chic grał na trąbce od 25 roku życia i zdołał osiągnąć niezrównany poziom wirtuozerii. Choć był głównie znany jako trębacz, jego zwinność oznaczała, że dodatkowo grał na saksofonie, skrzypcach oraz wielu instrumentach rytmicznych, stając się aranżerem i dyrygentem.

Wpływ jazzu był tak dźwięczny, że dotarł do Bollywood, a Chic Chocolate jest uznawany za osobę, która wprowadziła muzykę zachodnią do indyjskich dyrektorów muzycznych. C. Ramchandra, płodny kompozytor Bollywood, był szczególnie pod wpływem jazzu i starał się wkomponować go w swoje twórczości. Ramchandra ściśle współpracował z Chic, aby doskonalić styl i oddać hołd jazzowi w bardzo indyjskim stylu. Mimo wszechobecności jazzu wśród elit i luksusowych hoteli, infuzja jazzu z Bollywood—praktycznie hinduskim odpowiednikiem muzyki pop—umożliwiła mu dotarcie do wszystkich, niezależnie od klasy czy kasty. Film Bollywood Albela, który wyszedł w 1951 roku, był łagodnym wprowadzeniem do Chica Chocolate'a. W swojej istocie ścieżka dźwiękowa jest bardzo słodka, delikatna i współczesna, ale trąbka Chica Chocolate'a w tych w innych bardzo indyjskich utworach służyła jako brama do jazzu. Taki utwór to „Eena Meena Deeka” z filmu z 1957 roku Aasha, który stał się tak znany, że pojawił się w międzynarodowych reklamach. Ta piosenka widziała Ramchandrę próbującego zinterpretować jazz w wyraźnie indyjskim stylu, zachowując jednocześnie brzmienie tradycyjnego afroamerykańskiego jazzu. Tekst „maka naka” oznacza w konkani „nie chcę”, to, co widzieliśmy, to fuzja wpływów goan, portugalskich i afroamerykańskich zharmonizowanych w jedno wyjątkowe doświadczenie dźwiękowe. Ostatecznie była to zabawna, nonsensowna piosenka, która uchwyciła żywego ducha Chica, a jak każda inna piosenka, za którą jest uznawany, doskonale ilustruje jego muzyczne i geograficzne pragmatyki.

Niestety w latach 60-tych—dekadzie, która oznaczała szczyt popularności jazzu—czaar gatunek zaczęło tracić urok. Duet kompozytorski Laxmikant-Pyarelal zaczynał zdobywać popularność w Bollywood, przywracając psychodelię z zachodu, a coraz cięższe instrumenty elektroniczne i Rock'n'Roll zyskiwały pierwszeństwo; po czterdziestoletnim panowaniu, obejmującym dwie pokolenia, jazz przestał być uważany za „cool”. Jednak ważność indyjskiego jazzu leży nie tylko w swoim końcowym produkcie, ale także w solidarności rasowej i współpracy, która narodziła się: dwóch dyskryminowanych grup ludzi kolorowych przez białych; Indie przez kolonializm, a Afroamerykanie przez niewolnictwo, pożyczali sobie nawzajem swoją ziemię, swoją muzykę i tworzyli coś tak niesamowicie unikalnego. To, co wydaje się być niemal niepojętym zderzeniem kultur dla tych, którzy nie są zaznajomieni, jest w rzeczywistości pełnym godnych uwagi eksploracji tego jak plastyczność muzyki tworzy piękno i idiosynkratyczny talent.