Robustne współprace i złożone historie 'Heavy Light'

„Po prostu myślę, że retrospekcja to narzędzie, które powinno pozostać ostre,” mówi Vinyl Me, Please.

Dużo myślała też o swojej artystycznej historii. Remy rozpoczęła U.S. Girls w 2007 roku i przez około dekadę prowadziła ją jako solowy projekt, współpracując z innymi muzykami i personelem studyjnym przy nagraniach, ale przeważnie występując na żywo sama. Rzeczy zmieniły się dramatycznie przy In A Poem Unlimited, gdy Remy zaprosiła 20-osobowy zespół muzyków sesyjnych do nagrania albumu, a następnie grała utwory na żywo z ośmioosobową grupą. Koncerty U.S. Girls zmieniły się z pojedynczych występów Remy w wybuchowy jamboree z dzikimi solówkami gitarowymi, potężnymi chórami, dudniącym saksofonem i hipnotyczną sekcją rytmiczną.

Nagle nie był to już tylko solowy projekt, ale w pełni funkcjonujący zespół, a Remy chciała, by ten duch na żywo znalazł się na jej nowym albumie Heavy Light. Podczas gdy utwór z Poem jak „Time” brzmi swobodnie i luźno, to album ten był faktycznie nagrywany przez dziewięć osób przez trzy dni, a potem dopracowywany przez miesiące; wszystkie overduby, chórki, produkcja wokalna i wiele dodatkowych instrumentów były nagrywane osobno.

„To był naprawdę dotknięty album,” mówi Remy. „Wiedziałam, że nie chcę tego powtórzyć; naprawdę chciałam stworzyć album, gdzie wszystko było nagrywane tak jak jest. . . W tym przypadku mieliśmy 15 osób nagrywających naraz. Nagrywaliśmy album przez osiem dni, więc wszystko, co jest na tym albumie, zostało zrobione w te osiem dni przez te osoby.”

Podczas przesuwania swojego brzmienia do przodu, chciała również sięgnąć do początków projektu. Utwory „Overtime,” „State House” i „Red Ford Radio” są w rzeczywistości przerobionymi wersjami starszych utworów U.S. Girls, a jednym ze współautorów, z którymi pracowała Remy, była jej długoletnia przyjaciółka Basia Bulat, z którą zawsze chciała współpracować. Tematyka utworów dotyczy w dużej mierze dzieciństwa Remy i zawiera niezliczone refleksje na temat starzenia się w związku z jej życiem. Ale album zaczyna się od ognistego dyskoteki „4 American Dollars,” utworu, który z humorem odrzuca samą ideę waluty w obliczu upadającej gospodarki i płonącej planety. To nie jest rozważanie nad istniejącą historią, ale reaktywny odpór dla daremności materializmu — próba pozytywnego wpływu na naszą przyszłą historię, akceptując efemeryczność czasu. Heavy Light jest pełen takich gęstych warstw.

Rozmawialiśmy z Remy o nauce pracy z tyloma współpracownikami, nawiązując do jej płodnej przeszłości i niektórych z najciekawszych koncepcyjnie utworów na Heavy Light. Nasza rozmowa została skrócona dla jasności:

Biorąc pod uwagę, że przez tyle lat robiłaś ten projekt sama, czy musiałaś przejść pewną krzywą nauki, by kierować i zarządzać tyloma osobami?

Tak, nigdy nie mogłabym tego zrobić dziesięć lat temu. Byłoby to poza moim zasięgiem, to nie byłoby możliwe. Jedną z głównych rzeczy, które przyczyniły się do tego, że mogłam to zrobić, było branie lekcji śpiewu. Kiedy zaczęłam to robić, pokazało mi to, w czym jestem dobra, gdzie są moje mocne strony. To naprawdę podniosło moją pewność siebie, co pozwoliło mi być otwartą na pracę z innymi ludźmi.

Moi teściowie są filmowcami i dużo się od nich nauczyłam na temat organizowania pracy ludzi. Jak dobrze traktować ludzi, gdy z nimi pracujesz, aby byli najbardziej efektywni. To oznacza humanitarny harmonogram pracy, jedzenie, przerwy. To po prostu gromadzenie więcej umiejętności, posiadanie więcej doświadczenia i po prostu starzenie się.

Wiem, że pracowałaś również z dwoma współautorami na tym albumie, Basią Bulet i Richem Morelem. Dlaczego wybrałaś właśnie tych dwóch autorów?

Cóż, to ciekawe, ponieważ wróciłam do starszych utworów, więc były one również pisane z innymi ludźmi. Ale główni współautorzy na albumie, Basia Bulet i Rich Morel, to dla mnie oczywiste wybory. Pisałam z Riche'em na Poem, napisałam „Rosebud” i piosenkę „Poem” z nim, i mamy świetną, bardzo łatwą relację roboczą.

Basia to moja najdroższa przyjaciółka i zawsze chciałyśmy zrobić razem album, a to wreszcie okazało się odpowiednim czasem. Była nieoceniona w procesie. Wycofałam się z ludzi, z którymi naprawdę pracowałam i robiłam albumy przez ostatnie kilka lat. Celowo stwierdziłam, „Muszę się wyzwać. Muszę pracować z innym inżynierem. Muszę nie pracować z moim mężem przy tym albumie.” Bo kiedy jest ci zbyt wygodnie, możesz zbyt wiele oddać innym ludziom, bo wiesz, że po prostu się tym zajmą.

Naprawdę chciałam się wykorzenić, a Basia mieszka w Montrealu i pracowała w tym studiu i poleciła tego inżyniera i to była świeża, bardzo nowa metoda pracy, ale też z kimś, kogo znam i komu ufam, z kim czuję się bezpiecznie. Więc nie mogłabym się po prostu wykorzenić i pójść do losowego studia z grupą ludzi, których nie znam. Potrzebowałam kogoś, kto mnie zna i szczególnie zna moją wcześniejszą pracę, jak prace przed 4AD.

Bardzo lubię przerywniki na tym albumie, te kolaże mówione. Chciałabym wiedzieć, skąd pochodziły te pomysły i dlaczego chciałaś je umieścić na albumie?

Zawsze robię skecze lub przerywniki, po prostu lubię tę formę i myślę, że często może być to oczyszczacz palety dla muzyki. Ale jest tak dużo mnie na tym albumie, jestem tak obecna na nim; naprawdę chciałam dać trochę przestrzeni innym ludziom, aby mogli mówić. I także naprawdę sygnalizować ludziom, że musimy bardziej słuchać innych, nawet jeśli jest to trudne. Jest kakofonia ludzi, którzy mówią, i powinniśmy próbować słuchać.

Wymyśliłam listę pytań lub promptów dla tych ludzi do odpowiedzi. I przechodziłam przez nie z każdą osobą i je nagrywałam, a następnie w domu budowałam te kolaże, i mogłam zrobić cały album tylko z tym. Było tam tak dużo materiału, tak pięknego, naprawdę surowego materiału. Więc wybrałam te trzy, które uważałam za najbardziej szokujące, najbardziej skuteczne, które pasowały do reszty albumu. I były to również pytania, na które ludzie odpowiadali w pewien podobny sposób, co uważałam za interesujące.

Wiem, że osoby, z którymi rozmawiasz w tych utworach, to inni muzycy, którzy przyczynili się do albumu. Ale czy miałaś intymne rozmowy z nimi przed tymi sesjami?

Nie. Znaczy, z niektórymi, bo niektóre z tych ludzi są moimi naprawdę dobrymi przyjaciółmi. Ale po prostu sporządziłam listę pytań, wszyscy zebrali się w głównym pomieszczeniu, a następnie jedna osoba na raz wchodziła do kabiny wokalnej — ja byłam w kabinie kontroli — i zadawałam pytania przez talkback. A gdy osoba skończyła, musiała opuścić i iść do pokoju przerwy, aby nie skażać osób, które jeszcze nie przeszły sesji.

Więc nikt nie wiedział, o co będę pytać; nie wiedzieli, jak głęboko lub powierzchownie to będzie. I było fascynujące zobaczyć osoby, które od razu miały odpowiedzi, osoby, które potrzebowały czasu, by odpowiedzieć, osoby, które były bardzo oporne i nie chciały tego robić i były wyraźnie niekomfortowe i po prostu chciały to przejść. Byli ludzie, którzy byli w tym pokoju przez 20 minut, to zamieniało się w konfesjonał, byli bardzo zaangażowani. A byli też ludzie, którzy byli tam przez dwie minuty. Po prostu powiedzieli, „Nie. Nie wiem. Nie pamiętam.” To było bardzo mówiące, to było bardzo interesujące doświadczenie.

Mój ulubiony utwór na albumie to „Woodstock 99,” który zawiera część utworu Jimmy'ego Webb „MacArthur Park.” Zastanawiam się, dlaczego chciałaś wstawić fragment tego utworu?

Cóż, utwór opowiada o moim przyjacielu, który mieszka w MacArthur Park. Więc kiedy kiedykolwiek szłam do jego domu, zawsze było to bardzo romantyczne. I nie mam na myśli romantyzmu w sensie seksualnym, po prostu bardzo romantyczne miejsce, gdy znasz tę piosenkę tak dobrze jak ja, i to jest jak „Wow, jestem tutaj, to prawdziwe miejsce.” Zawsze wyobrażałam sobie, jak to było w latach '60.

Utwór opowiada o nim, o rozmowie, którą mieliśmy raz, gdy odwiedzałam go, i o naszych życiach. Urodziliśmy się kilka miesięcy po sobie i mieliśmy podobne wychowanie, obaj jesteśmy muzykami, ale bardzo różnymi typami muzyków. Porównywaliśmy i kontrastowaliśmy nasze życia i pojawił się temat Woodstock ‘99, który ja oglądałam na MTV, a on na Pay-per-view.

To była naprawdę fascynująca rozmowa. To było naprawdę otwierające oczy dla mnie. I nie było to ciężkie, był to diner. Po prostu siedzieliśmy tam, miałam zaraz lecieć z L.A. Ale to było jakby czas się zatrzymał w tej rozmowie i czułam, że poznałam jego i siebie lepiej i to sygnalizowało coś dla mnie o kulturowych artefaktach, które konsumujemy i jak to nas kształtuje. I napisałam tę piosenkę w samolocie wracając do domu.

I na końcu śpiewam o MacArthur Park: „Naprawdę o coś chodzi w MacArthur Park.” Więc kiedy przyniosłam ją mojej przyjaciółce Basi, aby opracować akordy, było to jak, „Nie możemy nie umieścić tej oryginalnej piosenki tam. To jest proszące się o to, dosłownie o to prosi.” A ta piosenka była napisana, kiedy oryginalny Woodstock się odbywał. Działała na wszystkich tych poziomach, a gdy wrzuciliśmy ten mały fragment tej piosenki tam, naprawdę rozkwitła i stworzyła strukturę dla piosenki, jakiej nie słyszałam wiele razy, co jest tym rodzajem zakończenia piosenki kogoś innego twoją piosenką.