Wywiad: Tim Keen z Ought o Tony Conradzie, powtarzaniu w rocku i cierpliwości przy słuchaniu

9 kwietnia, jak to niestety często bywa w tym roku, świat stracił niezastąpionego wizjonera. Tony Conrad, który zmarł na raka w wieku 76 lat, może być określany jako jeden z ojców założycieli dronowej muzyki. W pełni należący do pionierskiego leksykonu, obok La Monte Younga i Johna Cale'a, jego wpływ był niezmierny. Godspeed You! Black Emperor, My Bloody Valentine, Sunn O))); każdy zakątek rocka opartego na dronie zawdzięcza to Tony'emu Conradowi. Wśród tych, którzy zostali dotknięci jego pracą, jest Tim Keen z powtarzalnych post-punkowych zespołów z Montrealu, Ought. Rozmawiałem z Keenem na temat Conrada, dronu i szerszej dyskusji na temat cierpliwości w słuchaniu.

VMP: Niedawno wspomniałeś o śmierci Tony'ego Conrada na Twitterze, nazywając go „formującym wpływem”. Jaki wpływ miał na ciebie?

TK: Byłem klasycznie wykształconym skrzypkiem, więc było to dość dużym odkryciem, gdy znalazłem tych wykonawców, którzy mniej dbali o technikę, a bardziej o formę czy o stretching tego, co uznawane jest za możliwe lub dozwolone na instrumencie. Jako dość technicznie uzdolniony, ale muzycznie niedojrzały student pierwszego roku, Conrad i inni byli pewnego rodzaju objawieniem.

Conrad często uznawany jest za pioniera muzyki dronowej wraz z La Monte Youngiem i Johnem Calem. Jak wygląda twoja relacja z drewnem?

W pierwszym roku brałem udział w zajęciach z muzyki współczesnej XX wieku i stałem się obsesyjnie zafascynowany minimalistami -- myślę, że to była jedna z pierwszych muzyki, którą słyszałem, która miała określony ideologiczny cel dla słuchacza, która oferowała pewne nagrody, jeśli potrafiłeś spróbować słuchać w określony sposób. Mimo oczywistych problemów i zawirowań związanych z minimalistyczną ideologią, uważam, że jest w tym coś bardzo pięknego.

Jakie było twoje wprowadzenie do koncepcji „trudnej” lub „wyzwaniajacej” muzyki?

[W szkole muzycznej] istnieje pewne oczekiwanie, że jakoś przebrniecie przez muzykę, że brak możliwości słuchania czegoś jest czymś, nad czym trzeba pracować. To skomplikowane, bo myślę, że niebezpieczne jest fetyszyzowanie "trudności" kosztem muzykalności czy celu, lub zakładać, że trudna muzyka jest z definicji bardziej satysfakcjonująca niż muzyka łatwa, ale myślę, że jest coś do powiedzenia na temat wchodzenia w dzieło, próby zrozumienia, dlaczego zostało napisane. Myślę jednak, że można włożyć podobną ilość pracy w każdy utwór, niezależnie od jego trudności.

Czy możesz wymienić kilka płyt, które zrobiły na tobie ogromne wrażenie, płyt, jakich nigdy wcześniej nie słyszałeś?

La Monte Young - The Well Tuned Piano

Dirty Three - Ocean Songs

Heather Leigh - I Abused Animal

Horse Lords - Hidden Cities (i ich nowa płyta)

Bryan Eubanks i Catherine Lamb - Untitled #4 (After Agnes)

Matana Roberts - Coin Coin Chapter One

Czy lubisz być wyzwany jako słuchacz?

Tak, myślę, że szukam tego i ogólnie mam nadzieję na to.

Co myślisz, że jest najbardziej wyzwaniacą płytą w twojej kolekcji?

Myślę, że wyzwanie jest kwestią subiektywną, naprawdę zależy to od tego, do czego nie jesteś przyzwyczajony. Uważam, że zjawiskowe nagrania dźwiękowe lub bardzo wolne, ciche minimalistyczne nagrania mogą być „trudniejsze” niż, na przykład, Merzbow, ale tylko dlatego, że wydobycie z nich czegoś wymaga pewnej sustained soft focus.

Czy myślisz, że muzyka wymaga dużo cierpliwości do słuchania, są jakieś płyty, których początkowo nie mogłeś słuchać, ale teraz je kochasz?

Tak, absolutnie, myślę, że to prawda w każdym rodzaju sztuki. Wolne kino odzwierciedla widza w ich własnych głowach; jaki jest sens wolnej lub cierpliwej muzyki? Myślę, że jest wartością, aby wymagać od słuchacza czy publiczności wykonania pewnej pracy, i zgodnej wartości bycia członkiem publiczności i robienia tej pracy.

Jaką płytę wymagającą cierpliwości powinien poświęcić czas każdy?

Może The Rite of Spring? Ale jak trudna jest to dla słuchacza XXI wieku? Jest bardzo dobre cytaty z wywiadu z Holly Herndon, do których często wracam, w którym mówi, że ktoś, kto ma tylko przelotne zainteresowanie muzyką, może wsiąść do samochodu, włączyć radio i słuchać Skrillexa bez mrugnięcia okiem, co oczywiście jest dość radykalną i ostentacyjną kolekcją dźwięków (bez względu na jego jakość). Ostatnio zdobyłem wiele z nagrań, które są poza zachodnimi idiomami lub temperowanymi skalami.

Dla mnie powtarzalność odgrywa dość dużą rolę w atrakcyjności twojego zespołu. Jakie było twoje wprowadzenie do powtarzalności w muzyce rockowej, i które nagrania są twoimi ulubionymi tej kategorii?

Myślę, że masz rację, powtarzalność jest z pewnością istotna dla tej muzyki. The Velvet Underground, Wilco, Sonic Youth i podobne zespoły z liceum.

Czy myślisz, że awangarda może istnieć w muzyce pop i rockowej?

„Awangardowe” formy zawsze wdzierały się do bardziej dostępnych gatunków; w pewnym sensie musi to być konieczne, aby uniknąć nieuchronnego i niepokojącego izolowania od ideałów wówczas myślących.