Wejdź do Lo-Fi karnawału Caleba Landry'ego Jonesa

W ciągu ostatnich 14 lat, Jones trzymał swoje rosnące katalogi blisko serca, jednocześnie stając się coraz bardziej znanym z aktorstwa. Został dobrze przyjęty w 2017 roku po tym, jak skradł uwagę w uznawanych filmach, takich jak Get Out, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri i The Florida Project. Chociaż jego reputacja stała się związana z niepokojącymi postaciami, takimi jak Jeremy Armitage z Get Out czy Steven Burnett z Twin Peaks, sam Jones wydawał się jednoznacznie ujmujący, kiedy rozmawialiśmy kilka tygodni temu. Często zmieniał głos, gdy opowiadał historie, przypominając modulację, którą stosuje w The Mother Stone, i był skromny w odniesieniu do swojej pracy, żartując z chaotycznych początków swoich piosenek i ich nieformalnych nazw. Nie tylko wciąż używa telefonu z klapką, ale nasza rozmowa została opóźniona, ponieważ jego tata korzystał z jego linii.

Jak wszyscy z nas, Jones jest zamknięty w domu, czekając na ustanie globalnej pandemii. Może w odróżnieniu od wielu z nas, spędza swój czas w kwarantannie na farmie rodziców w hrabstwie Collin w Teksasie. Konkretnie, spędza większość czasu w stodole, niewyróżniającym się miejscu, w którym nagrał zdecydowaną większość swoich nieopublikowanych dzieł. Ta stodoła stała się czymś w rodzaju równoważnika dla Jonesa, podobnie jak Wilco’s Loft, punktem wyjścia dla jego muzyki, czerpiącym zarówno z wygody, jaką oferuje, jak i z mistycznej kreatywności, którą inspirowała. Odkrył, że to otoczenie izoluje go od pozornego chaosu tej chwili. "Cóż, nie wiem, przyjeżdżając tutaj, jesteś automatycznie w kwarantannie," rozważa. "To znaczy, wiem, co się dzieje, ponieważ mój tata dostaje Wall Street Journal. Poza tym, wszystko wydaje się całkiem normalne, biorąc pod uwagę, że wiesz, to nie jest normalny czas."

Możliwe, że dostrzegłeś to miejsce wcześniej w tej kryzysowej sytuacji, gdy prowadził relację na żywo z farmy. Jak ma to w zwyczaju w normalnych czasach, Jones systematycznie pisze nową muzykę, a po pokazaniu widzom swojego zagraconego, przytulnego miejsca, zagrał kilka utworów, nad którymi pracował. Jak przypomniał: "Powiedziano mi, że chcemy to zrobić kilka dni przed, i pomyślałem, że jedyna rzecz, którą mogę teraz zrobić, to prawdopodobnie to, co tworzę w tym momencie, ponieważ wiedziałem, że pamiętam te akordy." Wydarzenie było tak swobodne i nieprecyzyjne jak on sam — surowa i chaotyczna prezentacja jego szalonych, rozległych melodii.

Chociaż ten okres ogólnokrajowego pozostawania w domu był unikalnym momentem dla fanów muzyki, aby zobaczyć swoich ulubionych artystów grających swobodne wersje swoich piosenek, czułem, że szczególnie wyjątkowe było zobaczenie Jonesa, który zagrał koncert lo-fi z swojego bujnego fotela. To częściowo dlatego, że nie zorganizował jeszcze żadnych koncertów na nadchodzący album, ale także dlatego, że surowa prezentacja była zasadniczo całkowitym przeciwieństwem rzeczywistego brzmienia wielkiego, karnawałowego The Mother Stone.

Najbardziej uderzającą cechą albumu, który ukaże się 1 maja, jest jego niepohamowana ambicja. The Mother Stone to rzadki współczesny album rockowy, który stara się być w rozmowie z Wish You Were Here lub In The Court of the Crimson King. Kolekcja składa się z multi-suit wignet, kompozycji pomieszanych ruchów, które obejmują zakres leniwie brzmiących melodii do energicznych riffów, zazwyczaj w obrębie tej samej piosenki. Ale album jest też bardzo swoim własnym dziełem, odzwierciedlającym swoją własną chwilę. Są na nim silne akcenty B-estrady Abbey Road, ale również klaustrofobiczne rockowe brzmienia FM wykonawców takich jak Mini Mansions czy Alexandra Savior, bliskich Alexowi Turnerowi.

Jones nigdy nie trzyma się jednej idei zbyt długo, a ponad godzinny czas muzyki pozostawia wiele do przegrzebania, o ile potrafisz szybko przeżuć. Pierwsza piosenka i prowadzący singiel "The Flag / The Mother Stone" jest niemal mini-albumem samym w sobie, zderzając lśniący orkiestrowy marsz z postrzępioną rockową podróżą na kwasie, która ciągnie się przez siedem i pół minuty. Następna piosenka, "You’re So Wonderful," to teatralna przygoda, pełna przesadzonych efektów wokalnych i dramatycznych rytmicznych przeskoków. Po 15 utworach efekt kumulacyjny może być przytłaczający, muzyka, która zdecydowanie bije własnym bębnem, prowadząc cię poza znane terytorium.

Po kilku odsłuchach zaczynasz odnajdywać się, kiedy zaczynasz łatwiej wyłapywać poszczególne szczegóły. Różnorodność instrumentów przelatuje, zderzając się i ocierając o siebie w walce o przestrzeń w głowie — vintage'owe keyboardy Casio, zużyte Yamahy, skrzypce w odmiennych kierunkach. To wspaniałe, zagracone kolaż dźwięków. Wśród najważniejszych utworów znajduje się "No Where’s Where Nothing Died," który zaczyna się spokojnie, zanim zapali się, niczym spadająca gwiazda wypalająca się w wielkim wybuchu. To wszystko jest mętną perkusją i unoszącymi melodiami, które wznoszą się w ogromny chór z brąsem, który jest jeszcze bardziej intensywny w późniejszym powtórzeniu albumu. Inne utwory, jak "The Hodge-Podge Porridge Poke," jednak, nie marnują ani sekundy, aby wskoczyć w swoje kathartyczne kakofonie od razu.

Wielka skala albumu nie jest wynikiem metodycznej intencji, ale raczej nieokiełznanej intuicji. Księga piosenek Jonesa wzrosła tak szybko, dając niewiele czasu na wątpliwości, gdy na głos odtwarzał dźwięki w swojej głowie. "Pierwsze ruchy są najważniejsze, jak odkrywam," mówi. "Więcej czy mniej słyszysz piosenkę w jakiś sposób, jak w śnie, gdy słyszysz ją z daleka, a niekoniecznie z bliska. A im bliżej się do niej zbliżasz, tym bardziej zbliża się do ciebie." Śmieje się z abstrakcyjnego opisu, który podaje, ale kończy myśl. "I robisz te rzeczy, które wypełniają ten obraz w ten sposób, albo niszczysz go i musisz trochę zetrzeć, aby przetworzyć to od nowa."

Co definiuje The Mother Stone jako odejście od wcześniejszej muzyki Jonesa, to wprowadzenie współpracy do tego procesu pisania piosenek. Po wielu latach nagrywania prawie całkowicie dla siebie i przez siebie, Jones znalazł się w Los Angeles z wystarczającą ilością pieniędzy z filmów, aby zarezerwować swój pierwszy prawdziwy czas w studiu. Nie mogąc wrócić do stodoły swoich rodziców w najbliższym czasie, jego celem było po prostu nagranie utworów, które napisał podczas pracy nad filmami. Realizacja odpowiedniego albumu debiutanckiego nastąpiła dopiero po tym, jak Jones nawiązał kontakt z Nicem Jodoinem w Valentine Recording Studios za pośrednictwem swojego przyjaciela Danny'ego Lee Blackwella z zespołu Night Beats z Seattle.

"Powiedziałem mu tylko kilka utworów, ponieważ nie wiedziałem, ile to będzie i jak to się potoczy, ponieważ nigdy wcześniej nie współpracowaliśmy," przypomina Jones. "Ale miałem nadzieję, że to będzie album, i rzeczywiście po kilku dniach po prostu kontynuowaliśmy." Stamtąd, Jodoin wprowadził do projektu Drew Harrisona, który zaaranżował utwory smyczkowe i dęte, które pojawiają się w The Mother Stone. Rozszerzone brzmienie oznaczało także większą liczbę muzyków, łącznie ponad 20 osób zagrało na albumie, od instrumentów dętych po kolejne gitary. Przypisuje siłę muzyki temu, że "mógł wpuścić tylu wspaniałych muzyków, aby przyszli, wylać swoje żale, a potem wrócić i jeszcze raz to wszystko powtórzyć."

To odpowiednie, że album, w którym Jones wpuścił najwięcej ludzi, będzie tym, który odda najwięcej ludziom — jego pierwszym albumem przeznaczonym do publicznej konsumpcji, a przynajmniej jego pierwszym, który nie został wydany przez MySpace. W tamtym czasie, mając 17 lat, Jones ciągle niepokoił się o odbiór, zastanawiając się: "O, ile osób mnie słucha, ile osób akceptuje to, co robię?!" Teraz kręci głową na to uczucie. "To było ekscytujące, aby otrzymać potwierdzenie, ale jednocześnie stało się to trochę przytłaczające," zauważa, śmiejąc się, kiedy dodaje: "I zawsze sprawdzałem, czy jakaś była była tego słuchała."

Widzi, że pokusa natychmiastowego feedbacku wciąż w nim tkwi. "Zawsze ciekawi cię, czy to cokolwiek zmieniło, w świecie na zewnątrz," mówi. "Czy po prostu tam siedziało i nic się nie działo, wzięło cztery oddechy i umarło." Ale raczej niż potwierdzać swoją sztukę, jego pragnienie, aby ludzie słuchali teraz, ma głównie na celu zachowanie możliwości wydania więcej. Ponieważ Jones zawsze będzie pisał nową muzykę; różnica, którą mi mówi teraz, polega na tym, że jest częścią zespołu, który przekonuje, że to musi być usłyszane. A gdy coraz więcej osób dowiaduje się o jego unikalnej perspektywie muzycznej, coraz trudniej będzie mu zatrzymać te pozostałe 685 piosenek dla siebie.