Wejdź do lo-fi karnawału Caleb Landry Jonesa

W ciągu ostatnich 14 lat Jones trzymał swój rosnący katalog blisko serca, stając się bardziej znany ze swojej kariery aktorskiej. Prawdziwie zadebiutował w 2017 roku, kradnąc światła reflektorów w filmach, które zdobyły uznanie krytyków, jak Uciekaj!, Trzy billboardy za Ebbing, Missouri i Projekt Floryda. Chociaż jego reputacja jest związana z niepokojącymi postaciami, takimi jak Jeremy Armitage z Uciekaj! czy Steven Burnett z Twin Peaks, Jones sam w sobie wydaje się jednoznacznie rozbrajający, kiedy rozmawialiśmy kilka tygodni temu. Często wchodził w animowane głosy, opowiadając historie, podobnie jak modulacja, której używa przez cały The Mother Stone, i był skromny w swoim zajęciu, kpiąc z przypadkowych początków swoich piosenek i ich prowizorycznych nazw. Nie tylko nadal używa telefonu klapkowego, ale nasza rozmowa została opóźniona, gdy jego tata korzystał z jego linii.

Jak wszyscy, Jones zamknął się w domu, czekając na globalną pandemię. Może w przeciwieństwie do wielu z nas, on spędza swoją kwarantannę na farmie rodziców w hrabstwie Collin w Teksasie. Konkretni, dużo czasu spędza w stodole, skromnym miejscu, gdzie nagrał większość swoich niewydanych prac. Ta stodoła stała się czymś w rodzaju odpowiednika Loftu Wilco dla Jonesa, platformą startową dla jego muzyki, która powstała dzięki wygodom, jakie oferuje, i mistycznej kreatywności, którą inspiruje. Uważa to miejsce za izolujące od pozornego chaosu tego momentu. “Cóż, nie wiem, przyjeżdżając tutaj automatycznie jesteś w kwarantannie,” rozważa. “Mam na myśli, że wiem, co się dzieje, przypuszczam, bo mój tata dostaje Wall Street Journal. Poza tym wydaje się całkiem normalny, oprócz tego, że wiadomo, że to nie jest normalny czas.”

Możliwe, że miałeś okazję zobaczyć ten posterunek wcześniej w trakcie kryzysu, kiedy prowadził transmisję na żywo z farmy. Jak w normalnych czasach, Jones stale pisze nową muzykę, a po pokazaniu widzom swojego zagraconego, przytulnego zestawu, zagrał kilka z tych, nad którymi pracuje. Jak wspominał, “Powiedziano mi, że chcemy to zrobić kilka dni wcześniej, a ja pomyślałem, kurczę, cóż, jedyną rzeczą, którą mogę teraz zrobić, jest prawdopodobnie to, co tworzę w tym momencie, ponieważ wiedziałem, że zapamiętam te akordy.” Wydarzenie było tak nieformalne i niewymuszone, jak on sam — surowa, chałupnicza wystawa jego maniakalnych, ekspanzywnych melodii.

Chociaż ten okres ogólnokrajowego schronienia w miejscu był wyjątkowym momentem dla fanów muzyki, by zobaczyć swoich ulubionych artystów grających na żywo wersje ich piosenek, było szczególnie wyjątkowe zobaczyć Jonesa prezentującego koncert lo-fi z jego fotela bujanego. Częściowo dlatego, że jeszcze nie zrobił żadnych koncertów na żywo dla tego nadchodzącego albumu, ale także dlatego, że surowe wykonanie było w zasadzie całkowitym przeciwieństwem rzeczywistego brzmienia grandioznej, karnawałowej The Mother Stone.

Najbardziej uderzającą cechą albumu, który wychodzi 1 maja, jest jego niezrównana ambicja. The Mother Stone to rzadka współczesna płyta rockowa, która dąży do rozmowy z Wish You Were Here czy In The Court of the Crimson King. Zbiór jest złożony z wieloszutowych winiet, kompozycji połączonych różnorodnymi ruchami, które przeplatają się przez różne style, od leniwie płynących ballad po napędzane riffami utwory, często w obrębie jednej piosenki. Ale album jest również bardzo unikalny i na miarę swojego czasu. Znajdują się tu ciężkie nawiązania do strony B Abbey Road, ale również klaustrofobiczny rock FM nawiązujący do działań podobnych do Alexa Turnera, jak Mini Mansions czy Alexandra Savior.

Jones nigdy nie pozostaje przy jednej idei zbyt długo, a przy ponad godzinie muzyki zostaje tu wiele do przetrawienia, pod warunkiem, że szybko je pochłaniasz. Pierwsza piosenka i główny singiel “The Flag / The Mother Stone” jest niemal mini-albumem sama w sobie, stawiając obok siebie błyszczący marsz orkiestrowy z postrzępioną acid rockową podróżą po pustyni, która rozciąga się na siedem i pół minuty. Następna piosenka, “You’re So Wonderful,” to teatralna wyprawa, wypełniona przesadzonymi wokalnymi naleciałościami i dramatycznymi zmianami rytmicznymi. Po 15 utworach efekt kumulacyjny może być przytłaczający, muzyka, która bardzo bije własnym bębnem, prowadząc cię poza mapę.

Orientujesz się po kilku odsłuchach, kiedy możesz łatwiej wyciągnąć poszczególne detale. Szeroka gama instrumentów przemieszcza się w i poza, kolidując i trącając się nawzajem, walcząc o przestrzeń — vintage Casio, wyeksploatowane Yamahy, wijące się struny. To wspaniale zagracone kolaże dźwięków. Wśród nich jest “No Where’s Where Nothing Died,” który zaczyna się spokojnie, by potem zapłonąć jak spadająca gwiazda rozpalająca się w wielki wybuch. To wszystko drżące perkusje i pływające melodie, które przeradzają się w ogromny chóralny refren z wsparciem instrumentów dętych, jeszcze bardziej rozbudowany w późniejszym repryzie na albumie. Inne utwory jak “The Hodge-Podge Porridge Poke,” nie tracą ani sekundy, by ruszyć z ich katartycznymi kakofoniami od samego początku.

Wielki rozmiar albumu nie jest wynikiem metodycznego zamiaru, ale raczej nieograniczonego instynktu. Jones’owi udało się szybko rozwinąć swój songbook przez niewiele czasu poświęcanie na drugie przemyślenia, jak odtwarzał na głos dźwięki w swojej głowie. “Pierwsze ruchy są najważniejsze, odkrywam,” mówi. “W pewnym sensie słyszysz utwór, jak we śnie, daleko, niekoniecznie z bliska. A potem im bliżej jesteś, tym bliżej jesteś.” Śmieje się z abstrakcyjnego opisu, który oferuje, ale kończy myśl. “I robisz te rzeczy, które wypełniają ten obraz w ten sposób, albo niszczysz i musisz oczyścić tablicę, by go przemyśleć od nowa.”

To, co definiuje The Mother Stone jako odejście od wcześniejszej muzyki Jones’a, jest wprowadzenie współpracy w procesie pisania piosenek. Po wielu latach nagrywania niemalże samodzielnie, Jones znalazł się w Los Angeles z wystarczającą ilością pieniędzy między filmami, by zarezerwować swój pierwszy prawdziwy czas w studiu. Nie mogąc wrócić wkrótce do stodoły swoich rodziców, jego celem było po prostu nagranie utworów, które napisał podczas pracy nad filmami. Realizacja debiutanckiego albumu nastąpiła dopiero po tym, jak Jones został połączony z Nic’em Jodoin’em w Valentine Recording Studios przez swojego przyjaciela Danny’ego Lee Blackwella z zespołu Night Beats z Seattle.

“Powiedziałem mu tylko kilka piosenek, ponieważ nie wiedziałem, ile to będzie i jak to wyjdzie, ponieważ nigdy wcześniej nie pracowaliśmy razem,” wspomina Jones. “Ale miałem nadzieję, że będzie to album, i rzeczywiście po kilku dniach po prostu kontynuowaliśmy.” Od tego czasu Jodoin wprowadził do współpracy Drew Harrisona, który zaaranżował części smyczkowe i dęte, które przechadzają się po The Mother Stone. Rozszerzony dźwięk oznaczał dalszych muzyków, i w sumie ponad 20 osób zagrało na płycie, od instrumentów dętych po drugie i trzecie gitary. Jones przypisuje siłę muzyki “możliwości zaproszenia tylu innych świetnych muzyków, którzy wlewają trochę swojego wnętrza, dają coś z siebie, a potem wracają i znowu dają coś nowego.”

To jest odpowiednie, że płyta, na której Jones pozwolił najwięcej ludzi, będzie tą, którą wypuści do największej liczby osób — jego pierwszy album do publicznej konsumpcji, albo przynajmniej pierwszy nie wydany przez MySpace. Wtedy, w wieku 17 lat, Jones nieustannie martwił się o odbiór, zastanawiając się, “Oh, ilu ludzi mnie słucha, ilu ludzi akceptuje to, co robię?!” Teraz kręci głową na to uczucie. “To było ekscytujące uzyskać potwierdzenie, ale jednocześnie trochę to zdegustowało,” zauważa, śmiejąc się, kiedy dodaje: “I zawsze sprawdzałem, czy była dziewczyna słuchała tego.”

Zdaje sobie sprawę, że pokusa natychmiastowej informacji zwrotnej nadal jest w nim. “Zawsze jesteś ciekawy, czy to coś poruszyło, na zewnątrz, na świecie,” mówi. “Albo czy po prostu tam siedziało i nie zrobiło nic, i wzięło cztery oddechy i umarło.” Ale zamiast potwierdzenia swojej sztuki, jego pragnienie, aby ludzie słuchali teraz, głównie służy zachowaniu możliwości wydawania więcej. Bo Jones zawsze będzie pisał nową muzykę; różnica, jaką teraz opowiada, polega na tym, że jest częścią zespołu, który uważa, że to musi być usłyszane. A gdy coraz więcej ludzi usłyszy o jego unikalnej muzycznej perspektywie, będzie trudniej utrzymać te pozostałe 685 piosenek dla siebie.