Winyl, którego potrzebujesz: Wymiana płyt

Vinyl You Need dzwoni do ludzi pracujących w sklepach muzycznych i pyta ich, które płyty uważają za niezbędne. W tej edycji przedstawiamy The Record Exchange w Boise, Idaho.

Największy sklep z płytami w Idaho ma dwa wejścia. Jedno wejście znajduje się przy 11^th Street, a drugie na W. Idaho Street—oba prowadzą do muzycznej mekki, jaką jest The Record Exchange w centrum Boise. Jedno z wejść prowadzi do kawiarni, która była pierwszą w Boise kawiarnią espresso, prowadząc do świata lokalnych produktów i popkulturowych drobiazgów oraz markowych towarów. Drugie natomiast prowadzi bezpośrednio w labirynt półek z winylami. Przy ścianie muzycznej stoi mała scena, nie wyższa niż stopa czy dwie nad ziemią, ale wystarczająco prestiżowa, aby gościć takie występy jak La Luz i Willis Earl Beale podczas niedawnego festiwalu miejskiego Treefort Music Festival w marcu.

Ponieważ populacja Boise nadal rośnie (Forbes niedawno ogłosił, że to jedno z 20 najszybciej rozwijających się obszarów metropolitalnych w kraju), desperacja ludzi za muzyką na żywo i nagraną, kawą oraz poczuciem wspólnoty powinna teoretycznie iść w parze z tym wzrostem. Na szczęście, The Record Exchange obsługuje dobrych ludzi z Boise od 36 lat i jest gotowe, by kontynuować tę misję. Skontaktowaliśmy się z pięcioma pracownikami The Record Exchange, aby dowiedzieć się, które płyty powinniście mieć na winylu.

Pięć niezbędnych płyt do posiadania na winylu dzięki uprzejmości The Record Exchange

Rachel Prin, Kupiująca

Artysta: The Clash
Album: Combat Rock
Powód: To był pierwszy album, którego słuchałam na winylu. Tak naprawdę słuchałam. Mój tata posadził mnie z parą słuchawek, wręczył mi notki i byłam urzeczona pierwszymi brzmieniami gitary. Po Sandinista! z 1980 roku, ten album wydaje się prawdziwym powrotem do formy The Clash. Liryka Combat Rock pokazuje najlepsze dzieła Joe Strummera, gdy zajmuje się Wietnamem, prawami obywatelskimi, apokalipsą, uzależnieniem od narkotyków i ogólnym poczuciem frustracji. Mimo ciężaru niektórych treści lirycznych, The Clash udaje się zrównoważyć intensywność niesamowitymi piosenkami pop. „Should I Stay or Should I Go?” to popowy złoty kruszec, a ja odważę się twierdzić, że nie można usiedzieć w miejscu przy „Rock the Casbah.” Jest coś, co przebija się przy słuchaniu tego albumu na winylu, co zawsze wydawało mi się zgubione w jakimkolwiek innym formacie. Intensywność i rozpacz tekstów, szum basu Paula Simonona, brzmienie gitary Micka Jonesa oraz warkot głosu Strummera wydają się po prostu bardziej intensywne, gdy dochodzą przez winyl. Combat Rock, z klasycznym składem po raz ostatni, jest prawdopodobnie najlepszym dziełem The Clash i absolutnie niezbędnym dodatkiem dla każdego kolekcjonera.

Brion Rushton, Zastępca menedżera sklepu/Indie Buyer

Artysta: Arthur Russell
Album: World of Echo
Powód: Nagrany tylko z wiolonczelą, połówką pogłosu i jego pragnącym głosem, album Arthura Russella z 1986 roku World of Echo to dźwięk smutnych ballad, które się rozpadły i dryfują w eter. To niezbędne nagranie dla takich jak Eleanor Rigby, Father McKenzie oraz wszyscy samotni ludzie.

Chad Dryden, Dyrektor Marketingu i Promocji

Artysta: Leonard Cohen
Album: The Songs of Leonard Cohen
Powód: Kiedy wróciłem do winylu w 1998 roku, to była pierwsza płyta, którą kupiłem. Byłem na studiach—imponujący, podatny i skłonny do romantycznego idealizmu. Płyty mają sposób wpatrywania się w ciebie na półkach, wywołując przemożne uczucie, a The Songs of Leonard Cohen przez miesiące zwodziły mnie w piwnicznym sklepie z płytami w Athens, Ohio. Kiedy w końcu zabrałem ją do domu, nie mogłem jej zdjąć z gramofonu. Urzekające i mistyczne, w głębi znaczenia, opowieści Cohena o sercu i ciele, wplecione w brzmienie flamenco, pociągały mnie raz po raz. Nie wiedziałem, co o tym myśleć, ani co to wszystko znaczy, ale wiedziałem, że nie żyłem i nie kochałem tak głęboko i chciałem się tego nauczyć. Więc ciągle ją słuchałem. Odwracając ją w kółko. Sam w ciemności. Wśród przyjaciół i filozofii oraz nocnych szarości. Z moją teraz żoną w noc, gdy się spotkaliśmy; lata później, gdy w końcu zużyłem moją pierwszą, trzeszczącą kopię, włożyła ją w ramkę, powiesiła na ścianie i kupiła mi zamiennik jako prezent rocznicowy. Gdy zbliżam się do czterdziestki, The Songs of Leonard Cohen to dużo, dużo głębsze słuchanie niż w wieku 21 lat. Tak to jest, gdy żyjesz z płytą. Ty się zmieniasz, ona się zmienia. Czasami staje się lepsza, czasami gorsza. Leonard i ja mamy wspólne urodziny. To mi się podoba. I kocham tę płytę. Tylko się poprawia.

John O’Neil, Menedżer sklepu

Artysta: Wipers
Album: Is This Real?
Powód: Punk rock pojawił się w moim życiu, kiedy najbardziej go potrzebowałem. Rozpoznałem powrót krótkich utworów jako coś dobrego, ponieważ dorastałem słuchając muzyki moich starszych rodzeństwa. Nienawidziłem bombastycznego, dygresyjnego rocka, któremu byłem poddawany przez moje rówieśników, tj. innych dzieci. Podobały mi się utwory, które czasami słyszałem w radiu, ale byłem zafascynowany jazzem z czasów big bandu, jak Ellington i Shaw, a także Bob Wills i Jego Texas Playboys.

Byłem dziwnym dzieckiem.

Dorastając w rzadko zaludnionej części Oregonu, nie działo się zbyt wiele jeśli chodzi o zespoły. Myślałem, że takie rzeczy dzieją się w Nowym Jorku czy Londynie. Pojawienie się Is This Real? zburzyło to przekonanie. Natychmiastowe, energetyczne i przygnębiające jednocześnie, oszołomiło mnie usłyszeć coś stworzonego w moim stanie, które brzmiało tak dobrze jak rzeczy działy się gdzie indziej. Greg Sage, wokalista, autor tekstów i gitarzysta Wipers, był wyprzedzający swoje czasy, ponieważ wierzył w lampy lampowe, czyste sygnały, nagrania domowe i estetykę zrób to sam. Był drażliwym, pewnym siebie człowiekiem z przerzedzonymi włosami, bez tendencji do kostiumów lub show-biznesu (choć naprawdę uwielbiał profesjonalne zapasy!).

Ta płyta, a także kontynuacja Youth Of America, wybuchają z gramofonu, z agresywnym dźwiękiem skierowanym do przodu, powtarzalnymi liniami basowymi i liniami gitary prowadzącej zamiast nadmiernych solówek. Z pewnością były dramatyczne momenty, ale brak bombastyczności był odświeżający. Zainspirował wielu z nas w Północno-Zachodnim Pacyfiku do grania na gitarze, tworzenia zespołów, nagrywania siebie i działania naprzód. I aktywnie poszukiwaliśmy innych ludzi w innych małych miasteczkach, którzy robili to samo.

To jest moc płyty. Nigdy się nią nie znudziłem. Dziękuję Jackpot Records w Portland za tak staranną opiekę nad tą reedycją oraz Gregowi Sage'owi za inspirację.

Catherine Merrick, Zastępca menedżera sklepu z upominkami

Artysta: Karen Dalton
Album: In My Own Time
Powód: Nick Cave kiedyś powiedział, że Karen Dalton była jego ulubioną piosenkarką; to wystarczyło, aby mnie zainteresować, kim ona była (chociaż wiele lat po jej śmierci) i ten album, jej ostatni przed jej śmiercią w 1993 roku, był moim pierwszym wprowadzeniem do niej. Od pierwszych akordów „Something On Your Mind”—powtarzającego się dronu prowadzącego do jej samotnego, załamanego wokalu, byłam urzeczona tą piosenką sama, oraz tym, jak doskonale oddaje to uczucie kogoś, kto intuicyjnie i z miłością dostrzega ból krążący w bliskiej osobie. Dzięki wersjom bardziej znanych piosenek („When a Man Loves a Woman” i „How Sweet It Is”), byłam zachwycona interpretacjami Dalton, a zwłaszcza jej unikalnym, niemal jazzowym frazowaniem, które czasami pozostawiało mnie w zdziwieniu, czy znów „wejdzie do” piosenki, ale robiła to za każdym razem. Nagrana przez wielu innych artystów, wersja Dalton „Katie Cruel” (tradycyjna amerykańska/szkocka piosenka ludowa) jest często uważana za najlepszą. Z samą tylko banjo, skrzypcami i jej głosem, praktycznie przenosi cię na górski szczyt—powietrze ciężkie od dymu z ogniska i mokrych liści. Chociaż amerykańska wersja piosenki datuje się na czas wojny o niepodległość, nie mogłem się powstrzymać od zastanawiania się, czy Karen odnosiła się do tego na bardziej osobistym poziomie, będąc niegdyś częścią folkowej sceny muzycznej Greenwich Village z lat 60-tych (i wysoko cenioną przez Boba Dylana oraz innych w tamtym czasie), ale to jest genialność jej głosu. Miała zdolność interpretowania piosenek na tyle głęboko, że nie można nie uwierzyć, że śpiewa o sobie. Inny wyróżniający utwór to „Are You Leaving For the Country,” luźne, wędrujące połączenie R&B i folku, z słodkim, załamanym głosem Dalton leniwie unoszącym się nad akustycznymi gitarami i basem, co zawsze wywołuje chęć skoczenia do samochodu i znalezienia starej, nieutwardzonej drogi do przejechania. Prawda jest taka, że mam to również na CD, dla samego słuchania w samochodzie, ale ciepło i delikatność głosu Karen Dalton, jak również czystość instrumentów akustycznych, pojawiają się znacznie lepiej na winylu. Jest coś znacznie bardziej magicznego w słuchaniu tych piosenek siedząc na podłodze w delikatnie oświetlonym pokoju, zwłaszcza jeśli jesteś z przyjacielem, który podziela twoją pasję do ponownego włączenia płyty i zaczęcia od nowa.