Nowy wizualny album Washed Out podejmuje temat intensywnej hiperstymulacji dzisiaj

To również wizualny album – razem z albumem, który trwa nieco ponad pół godziny, istnieje pełen zestaw wizualizacji, które odzwierciedlają skupienie muzyki na braku możliwości skupienia. "Muzyka odgrywa dużą rolę w utrzymywaniu mnie w szczęściu i powstrzymywaniu mnie przed wpadnięciem w szaleństwo" ogłasza nieskrępowany głos, który Greene wplata w swoją psychodelię smarowaną słońcem, oferując jedną z możliwych metod na walkę z szaleństwem. Gdzie wcześniejsza muzyka Washed Out koncentrowała się na pozytywnych wibracjach, brzmienia nasłonecznione tutaj wydają się być świadomą próbą powstrzymania nieuchronnie nadciągającej ciemności — stresujące tematy są śpiewane spokojnie, przesiąknięte poczuciem spokoju i gracji. Może to być album Washed Out z najlepiej rozwiniętą perspektywą, i to nie tylko dlatego, że rzeczywiście ma perspektywę. Z jetlagiem i tuż po podróży z Europy, rozmawiałem z Greene'em przez telefon z jego domowego studia w Atlancie w stanie Georgia.

VMP: Rozstałeś się z Sub Pop po wydaniu dwóch albumów z nimi. Mister Mellow został wydany przez Stones Throw Records, wytwórnię znaną ze swoich artystów skoncentrowanych na bitach. Jak nawiązałeś z nimi współpracę?

Ernest Greene: Byłem ogromnym fanem tej wytwórni przez długi czas. Ich artyści mieli na mnie ogromny wpływ przez lata, a niektóre z moich ulubionych albumów zostały wydane przez Stones Throw. Na jakimś poziomie zawsze marzyłem o pracy z nimi, a Mister Mellow wydawał mi się mieć cechy, które pasowały do ich estetyki i albumów, które zazwyczaj wydają. Kiedy skończyłem z moim poprzednim kontraktem, po prostu poczułem, że to idealne dopasowanie. Choć jest głównie znana jako wytwórnia hip-hopowa, w ostatnich latach wydali albumy, które są dość różnorodne. Dla mnie wydają dużo muzyki, którą lubię, i czułem, że ten album będzie tam dobrze pasował.

Jak to jest znowu być wolnym agentem?

Sam złożyłem album, a po jego ukończeniu zagrałem go dla Stones Throw. Zagrałem go również kilku innym wytwórniom, ale Stones Throw zawsze był na szczycie mojej listy. Najdziwniejszą częścią znalezienia dla albumu domu było to, że jego brzmienie jest nieco inne i być może nieco bardziej nietypowe niż wcześniejsze albumy Washed Out. Na wielu poziomach jest dużo bardziej eksperymentalny niż wszystko, co robiłem wcześniej, więc nie byłem pewien, jak zostanie przyjęty, kiedy zaczynałem grać go ludziom. Mógłby być inny, gdyby był prostym popowym albumem – wytwórnie mogłyby po prostu mówić o potencjale rynkowym czy co tam. Uważam, że to dość dziwny album, więc zastanawiałem się, czy wytwórnie będą zainteresowane, czy nie. Na szczęście reakcja była pozytywna i to było duże ulgi. Ale był okres, który był zdecydowanie trochę stresujący.

Co było inspiracją do uczynienia Mister Mellow wizualnym albumem?

Od bardzo wczesnych etapów procesu, sztuka wizualna i pewne rodzaje animacji miały ogromny wpływ na mnie, gdy zbierałem muzykę do albumu. W szczególności była pewna vintage'owa animacja eksperymentalna z lat 60. i 70., która ma to surowe, kolażowe uczucie, co było dla mnie naprawdę inspirujące. Patrząc wstecz na wcześniejsze albumy, które zrobiłem, były one tworzone w tradycyjny sposób w studio, gdzie starałem się uzyskać nagranie audio jak najbardziej czyste i nieskazitelne, ale także wyprodukować dźwięk, który byłby jak najszerszy i pełny. Przy tym projekcie chodziło o to, aby zrobić zupełnie odwrotną rzecz. Chciałem, żeby to brzmiało jak szkic, który można naszkicować w pięć minut, żeby było surowe i spontaniczne. Kierowałem się tym rodzajem klimatu podczas pracy nad tym albumem. To było świeże podejście dla mnie, i podobała mi się idea bycia trochę niedbałym, gdy składałem te piosenki, może trochę nie w rytmie tu i ówdzie, co dodaje nieco chaotycznego charakteru niektórym utworom. Gdy coraz bardziej zagłębiałem się w proces, miałem moment "A-ha!", kiedy zdałem sobie sprawę, że powinienem po prostu połączyć dźwięki i wizualizacje, które je inspirowały.

To jest kadr z utworu "Burnout Blues" z wizualnego albumu.

Jak znalazłeś współpracowników do wizualnej części albumu?

Miałem listę animatorów, których dzieła bardzo mi się podobały i których obserwowałem na mediach społecznościowych przez jakiś czas. Skontaktowałem się z nimi i dostałem naprawdę świetną odpowiedź. Piękne w tym jest to, że chociaż wszyscy mają bardzo odrębne style, a nawet pracują w różnych dziedzinach animacji, wszystkie ich prace mają tę ręcznie wykonaną jakość, tę ludzką jakość, która moim zdaniem dobrze współgrała z muzyką, którą stworzyłem. I myślę, że obie strony projektu wzmacniają się w interesujący sposób.

Jakie wskazówki, jeśli w ogóle, dałeś artystom, którzy pracowali nad wizualizacjami albumu?

Miałem wstępną sekwencję dla albumu, zanim zacząłem kontaktować się z ludźmi i pytać, czy chcą być częścią albumu. Miałem też pewne przeczucie, które utwory będą pasowały do jakich animatorów, na podstawie ich stylów. Przypisałem im utwór, a potem mieliśmy krótką dyskusję o tym, co ten utwór dla mnie znaczy i potencjalnych pomysłach na podejście do wizualizacji, ponieważ miałem ogólny pomysł na to, jak chciałem, aby album płynął z perspektywy wizualnej. Nie ma prawdziwej narracji liniowej, jest raczej poczucie, które łączy wszystko. I fajne jest to, że każdy z artystów ma tak unikalny styl, a ponieważ byłem tak dużym fanem ich prac, czułem się swobodnie, pozwalając im na pełną swobodę działania i robienie czego tylko chcą. Myślę, że docenili wolność, jaką dostali. Zwykle, gdy byliby zatrudnieni do reklamy czy czegoś, rzadko dostają szansę na zrobienie czegoś swojego, i myślę, że projekt zyskał naprawdę wyjątkowe wizualizacje, ponieważ mieli przestrzeń do rozwoju.

Jak zareagowałeś, gdy po raz pierwszy otrzymałeś wizualizacje od każdego artysty?

W przeszłości robiłem wideo w bardziej tradycyjny sposób, gdzie byli aktorzy. I w takich przypadkach jest pewna swoboda w montażu takiego projektu. Możesz przejść przez wiele rund montażu, w których wiele różnych perspektyw wyraża swoją opinię i rzeczy mogą się zmieniać. Ale rodzaj animacji użytej do wizualizacji tutaj jest tak czasochłonny i ukierunkowany na proces, że jest bardzo mało opinii, które możesz dać po drodze. Gotowy produkt to w większości przypadków gotowy produkt. Było naprawdę ekscytujące, a także trochę stresujące czekać, aż te wideo się skończą i zobaczyć, co animatorzy wymyślili. I byłem szczęśliwy, że w każdym przypadku zostałem oszołomiony i zaskoczony tym, co ci artyści byli w stanie stworzyć, i czuję, że dodają dużo do muzyki.

Na albumie przewija się motyw dotyczący nadmiernej stymulacji i przeciążenia ciągłym bodźcem sensorycznym.

„Przeciążenie sensoryczne” to fraza, której ostatnio używam naprawdę często, aby opisać to, co dzieje się w codziennym życiu. Między rodziną, przyjaciółmi a pracą czuję, że mamy bardzo mało chwil na odpoczynek, a oprócz tego, z mediami społecznościowymi i informacyjnymi, nasze mózgi są zawsze zajęte. Uwielbiałem ideę, że muzyka i wizualizacje mogą odzwierciedlać to uczucie. Jest tak wiele warstw w obu. I myślę, że to dość zabawne, że to mój najkrótszy album w historii — nieco ponad pół godziny — ponieważ czuję, że gdyby był dłuższy, byłby za dużo! Musiałbyś zrobić przerwę. W przypadku wizualizacji, jest bardzo mało momentów przerwy, ponieważ płynie jak mixtape. Nigdy tak naprawdę nie masz szansy, aby złapać oddech.

Jak osobiście radzisz sobie z hiperstymulacją dzisiaj?

Na szczęście dla mnie muzyka jest w tym pomocna. Proces tworzenia muzyki, robiłem to przez tak długi czas, więc gdy siadam i zaczynam pracować, wchodzę w strefę, gdzie nie myślisz tak bardzo, jak działasz w czasie rzeczywistym, i to było dla mnie niezwykle pomocne w blokowaniu reszty miliona rzeczy, które walczą o moją uwagę. Ale po prostu odłączenie się od świata było dla mnie ważne. Niezależnie czy to weekendy, czy wieczory tu i ówdzie, staram się zamknąć w sobie i przeczytać książkę lub zrobić coś, aby pomóc mi krok w tył od wszystkich bodźców, które nieustannie nas bombardują.