Jay-Z, Meek Mill, 21 Savage i najlepszy rap lipca

Jay-Z: 4:44

Porady finansowe, które Jay-Z okresowo udziela w ciągu 4:44, zostały dokładnie przeanalizowane przez krytyków i obserwatorów. Niektórzy uważają je za bezdusznie i oderwane od rzeczywistości; inni zaś uznają je za ważny element każdej ruchu czarnego nacjonalizmu. Kiedy w utworze „The Story of O.J.” gani swoje młodsze ja za kupowanie sportowych aut zamiast budynków w już zrewitalizowanych dzielnicach, staje się to swego rodzaju testem Rorschacha: czy Jay działa drapieżnie? Radykalnie? A może po prostu chce być traktowany na równi z tymi o jaśniejszej skórze?

Wydany na koniec czerwca, 4:44 przerywa estetyczny chaotyzm albumu z 2013 roku Magna Carta Holy Grail i zwłaszcza z 2009 roku The Blueprint 3. Bity No ID oscylują między wygodnymi a bardzo dobrymi, przekształcając garść drogich sampli w coś ciepłego i zjadliwego. Zamiast rozwijać temat Lemonade Beyonce za pomocą pikantnych szczegółów lub—co przyprawia o dreszcze na samą myśl—odpowiadać na nie za pomocą ripost, Jay wyraża swoje frustracje sobą i swoimi niedoskonałościami, tak jak jeden może to zrobić przed terapeutą, lub może bliskim przyjacielem. Rezultatem jest grupa utworów, które momentami wydają się zbyt wypracowane, ale są pełne dowcipu, z perspektywą i pokorą, wszystkie napędzane przez niezwykle (choć może niespodziewanie) zwinny zestaw flow jak na kogoś urodzonego w latach 60.

21 Savage: Issa Album

Napisam artykuł na łamach Complex o tym, jak Issa Album to kolejny krok naprzód dla szybko rozwijającego się, niezapotwaryzującego 21 Savage, oraz o tym, jak ten szybki rozwój jest często przysłaniany przez obrzydliwy wiczorokom. Prawda jest taka, że ​​wielu z jego komercyjnych atutów i reputacji krytycznej zawiązuje się z jego brutalnymi postawami, które jego muzyka dekonstruuje. To wyjątkowa zagwozdka dla artysty, zwłaszcza takiego, który lepiej radzi sobie w krótkich, fragmentarycznych frazach, niż w rozwiniętym meta-komentarze. 21 odnosi sukcesy głównie poprzez ignorowanie zgiełku, cicho rozwija swoją osobowość na wosku, włączając w to więcej motywacji, więcej bagażu psychicznego, więcej niepokoju.

Przejście z Metro Boomin do rotacji drogich producentów dobrze mu służy; nastrojowe brzmienie Savage Mode zostało tu zastąpione przez chude, celne, przeważnie doskonałe numerony, które eksponują głos i teksty 21 w nowych sposóbach. Są próby wejścia do radia („FaceTime”), ale w większości przypadków Atlanjan wydaje się nie przejmować się krajobrazem rapu, preferując, jak to robił od końca swojej mixtape'owej protestacji, zanurzanie się głębjej w siebie, kiedy to tylko możliwe.

Tyler, the Creator: Scum Fuck Flower Boy

Nagłówki koncentrują się na domniemanej seksualności Tylera, the Creatora, i na tym, jak ta domniemana seksualność wpływa i kwalifikuje jego historię prowokacyjnych (a czasami czasami ordynarnych) tekstów o seksie i płci. W rzeczywistości, nie ma tutaj nic zaskakującego w Tylerze, artyście, który na przemian lub równocześnie—kiedy mu to pasuje—działa w wyznaniowym i konfrontacyjnym stylu. Dwutorowe nawiązania tutaj (rozważania o miejscach ukrywania się i „fazach” oraz warczenie „Całuję białych chłopców od 2004 roku”) uderzają z obu stron, spokojny dzieciak i błazen. I to pasuje, ponieważ Scum Fuck Flower Boy jest najlepszą płytą Tylera do tej pory, właśnie dlatego, że syntetyzuje każdy muzyczny i osobisty fragment w technikolorową całość.

„I Ain’t Got Time!” brzmi jak Scrooge McDuck wykonujący „Money, Cash, Hoes”. Trudno pozbyć się wrażenia, że Frank Ocean został przypisany do Odd Future jako sprytny zabieg marketingowy, ale to uczucie w niczym nie psuje chemii, jaką Frank dzieli z Taylerem; „911/Mr. Lonely” w zasadzie spełnia obietnicę tych najwcześniejszych dumpów z MySpace, parą hipermutujących dzieci, które dorosły, ale nie za bardzo. Wpływ, jaki miały albumy Neptunes na produkcję Tylera, nie został przesadzony, ale tutaj eksploruje ich najbardziej dziwaczne, najbardziej chaotyczne końce: „Who Dat Boy?” jest jak ponury przerywnik w rozdmuchanej proporcji stadionowej.

Meek Mill: Wins & Losses

Nie chcę używać tej przestrzeni, aby pisać o Draku, ale do cholery: mój Boże to było męczące, patrząc, jak ludzie, którzy nigdy nie spędzili czasu z płytą Meek Milla, wyśmiewają go, że, na przykład, nie mają siedmiu nieskończonych basenów. Całkowicie przegrał breef. Powinien rzucić ścieżki referencyjne z jasnego nieba, a potem iść prosto na gardło. Ale hołdowanie komercyjnemu statusowi Drake’a—i śmieszne twierdzenie, że nie ma to nic wspólnego z klasą—mówi o tym, co ginie w proverbialnej rozmowie na temat popularnej muzyki rapowej. Jest (wiem, że to wyładowane słowo) płytkie i zaciemnia prosty fakt, że Meek Mill jest konsekwentnie dobrym, często genialnym raperem. Wins & Losses jest prawdopodobnie dziesięć minut dłuższy niż powinien być („Glow Up” i drugi utwór Ricka Rossa mogłyby zostać wycięte bez problemu), ale to żywa, głęboko odczuwalna płyta, która argumentuje, że Meek jest jednym z najbardziej niezawodnych mainstreamowych talentów swojego pokolenia.

Na wcześniejszych etapach swojej kariery Meek wydawał się być surowym talentem, sportowcem, który poruszał się bardziej na osi północ-południe niż wschód-zachód. Ale uzupełniał swoje pisanie takimi zwrotami jak „Tony Story”, a z czasem nauczył się przyspieszać i zwalniać z wściekłej intensywności intro „Dreams and Nightmares”. Wins & Losses rozmieszcza różne umiejętności Meek’a z starannym planowaniem i niesamowitym poczuciem tempa. Ustęp, który rozpoczyna się tuż przed dwuminutową znaczekiem w „Heavy Heart”, buduje i łamie napięcie lepiej niż prawie wszystko inne w jego katalogu; utwór „We Ball” z udziałem Young Thuga, z jego elegią dla Lil Snupe, jest żołądkowym momentem swoim intensywnością i otwartością. Płyta jest przepięknie wyprodukowana, bujna, ale nigdy zbędna; jest tu próbka od artysty wcześniej znanego jako Spooky Black oraz subtelne gasty Future, Yo Gotti, Ty Dolla $ign oraz Quavo, pamiętającego Blues Clues, między innymi. To jest rodzaj płyty, w który się zanurzasz.