Cyfrowy/Dywizja: Recenzja muzyki elektronicznej września

Coś w pomieszczeniu zmienia się, gdy słyszysz Loraine James’ „Glitch Bitch”. Elektryczność trzeszczy w powietrzu, a grawitacja wydaje się wyraźnie cięższa, gdy piosenka niosąca naprzód i pełna wulgaryzmów mantra sprawia, że cokolwiek wcześniej słuchałeś, brzmi teraz trywialnie lub staromodnie. To rozpoczęcie koronacji, wprowadzenie artystki działającej na wyższym poziomie sztuki.

Od czasów Burial's Untrue żaden album nie uchwycił i nie podsumował ukrytego osobistego Londynu tak jak ** For You & I (Hyperdub)**, zdumiewający debiut Jamesa dla nieustająco istotnej wytwórni Kode9. Struktura tutaj dzieli się na dwie części, poruszając jej queerowość w niestabilnym i potencjalnie wrogo nastawionym kraju, podczas gdy konfrontuje się z wychowaniem na osiedlu Enfield w północnym Londynie. Bass, grime i mniej określone formy gatunkowe nadają tu ciężar, z emocjami i pomysłami wirującymi w eterze „Hand Drops” i plink-plonk z gry wideo tytułowego utworu.

Na przesterowanych amen breaks i rozmytych loopach, James mruczy powtarzane pełne strachu strofy w „So Scared”, które z biegiem czasu zyskują poetyczną głębię. Często jednak woli pozwolić innym mówić za siebie, lub przynajmniej dostarczyć kontekst do światów, które przemierza. Raper Le3 BLACK daje o sobie znać w szaleństwie „London Ting / Dark As Fuck”, podczas gdy wokalista Theo unosi się z trzepoczącymi nerwami „Sensual”. „My Future” drażni się z kulturą klubową, a jego niepewność okazuje się dywersją, prowadzącą do powrotu Le3 i bardziej zamyślonych refleksji na temat relacji. (Znaczące, że dziewczyna Jamesa wykonuje numer w „Glitch Bitch”).

Duma, niepokój, miłość i żałoba płyną i odpływają przez For You & I, a jego wyjątkowość i ukryte uczciwość doskonale pasują do drżącej duszy i medytacyjnego kapania materiału. Swobodny i wyzwalający sposób, w jaki James łączy te utwory, odsłania wizję autorski, coś niełatwego do zrozumienia ani przyswojenia za jednym razem. Nagradzające przy każdorazowym przewijaniu, złożoność człowieka i maszynerii złączone tutaj ma niewiele wspólnego z dystopijnymi tropami fikcji, ale raczej z nieupiększonymi realiami jej życia.

Cashmere Cat: Princess Catgirl (Mad Love / Interscope)

W erze własnych awatarów od animoji po bitmoji, antropomorfizowany kot z kreskówki z Princess Catgirl powinien oznaczać długo oczekiwane i często obawiane nadejście wirtualnej gwiazdy popu. Przybywając dwa lata po wzniosłym komercyjnym projekcie R&B dance 9, najnowszy projekt Cashmere Cat zamiast tego kąpie się w dolinie niesamowitości, radośnie ezoteryczny i mocno pokryty lepką powłoką. Poza estetyką wideo gry wirtualnej rzeczywistości, sztuki i jej odpowiadającej koncepcyjnej osoby, ta przyjemna płyta wyraża radość samej w sobie. Producent stojący za obecnym hitem Shawna Mendesa i Camili Cabello „Señorita”, zachowuje ucho do radiowej gotowości, jednocześnie skręcając to w coś nienaturalnie przyciągającego i zaraźliwego. Z pomocą współpracowników takich jak Benny Blanco i Sophie, utwory takie jak „Back For You” i deepfake Christiny Aguilery „Watergirl” szybują w przestrzeni, gdzie zderzają się kultura klubowa i landrynki. Furrystyczny gorączkowy sen aż po sam koniec, Princess Catgirl zamyka się czymś, co można opisać jedynie jako piosenka tematyczna dla tytułowej bohaterki.

Hide: Hell Is Here (Dais)

Przypominając radykalizm przełomu wieków Digital Hardcore, jak i sceny power electronics z tego okresu, Hell Is Here sprawia, że przekaz tego duetu z Chicago jest jak najbardziej niewygodnie jasny. Nie tracąc czasu na uprzejmości, żrące wprowadzenie „Chainsaw” odtwarza ohydne, a jednak niepokojąco znormalizowane zaczepek na tle szorstkich tekstur. W przeciwieństwie do industrialnego techno i EBM, które zazwyczaj dominują tę scenę, elektronika Hide ma bardziej punkowy efekt, dając krzyczanym wokalom Heather Gabel naprawdę buntowniczą podstawę do wyskokiwania. Rezultatem tego konfrontacyjnego miksu jest zimna strzelanina „SSSD” i ponura bijatyka „Everyone’s Dead”. I choć ci, którzy mają nadzieję tańczyć całą noc, nie znajdą wiele do poruszania nogami na Hell Is Here, oprócz może katartycznego uderzenia „Grief”, każdy, kto odważy się doświadczyć tej brutalnej prawdy, wyjdzie z tego lepiej.

patten: Flex (555-5555)

Zredukowany z duetu do solowego artysty, patten powraca z albumem najlepiej opisanym jako tryb podróży w czasie. Otwieracz „Flame” płynnie wkracza z klasycznym brzmieniem Artificial Intelligence, kluczowej iteracji techno, która po raz pierwszy umieściła rodzimy projekt wytwórni Warp Records na mapie. Stamtąd jednak Flex szybko przeskakuje w niezbyt odległą przyszłość z trapowym jąkaniem „Night Vision” i garage’owymi cięciami „Slipstream”, zanim powraca do rozbudowanego junglismu na „Chimera”. Chęć do kwantowych skoków przez mnóstwo klubowych dźwięków definiuje ten album, najlepszego od debiutu ponad dekadę temu. Nawet gdy rytm jest skłonny do radykalnych zmian z utworu na utwór, przemierzając zdekonstruowane rytmy basu z jednocześnie oddanymi i destrukcyjnymi energiami, zachowuje brzmieniową spójność. Duża część tego ma związek z podejściem pattena do traktowania głosu, z pociętymi i zapętlonymi fragmentami mowy i śpiewu jednoczącymi różne światy występujące w „Infrared” i „Shadowcast”.

Wolfram: Amadeus (DFA)

Kiedy Daft Punk wypuścił wspaniały Discovery w 2001 roku, poszukiwacze klasyków i tropiciele dźwięków szybko zaczęli przytaczać jego źródła. Choć niektóre z nich wydawały się być próbami szykowania przykładowego zawstydzenia w celu obalenia brzmienia za charakterystycznymi singlami jak „One More Time” i „Harder, Better, Faster, Stronger”, to, co duet zrobił z materiałem źródłowym, ostatecznie przewyższyło krytyków. Podobne odczucia towarzyszyły mi podczas odsłuchiwania „What Is It Like” Wolframa, które w całości wprowadza swoje etno-techno brzmienie z zaginionego klasyka Petera Gabriela i Deep Forest z 1995 roku „While The Earth Sleeps”. Jednak niedługo po drugim przesłuchaniu, rozluźniłem się na tyle, by zrozumieć, jak mało to ma znaczenie na albumie tak zuchwałym, aby nazywać się Amadeus. Niezależnie od tego, ile lub ile niewiele wiedeńscy producent faktycznie tu wyprodukował, album ma altruistyczne cele w celebrowaniu teraz niemodnej Eurodance. Na jego korzyść, gościnnie udział wzięli tacy jak Egyptian Lover i Haddaway, a ten ostatni użyczył swojego głosu w piano-napędzanym house „My Love Is For Real”.