Cyfrowy/Dzieląc: Elektroniczna muzyka we wrześniu, recenzja

Mimo moich najlepszych starań jako właściciela tej regularnie pojawiającej się kuratoryjnej selekcji elektronicznych ciekawostek, muzyka taneczna nadal króluje. Kiedy większość osób wyrusza na parkiet, ostatnią rzeczą, jaką chcą usłyszeć, są neoklasyczne abstrakcje Oneohtrix Point Never czy spazmatyczne wybuchy Cronenbergowskiego Iglooghost, które absolutnie uwielbiam. Zazwyczaj ludzie wychodzą tańczyć, bo chcą tańczyć, a rodzaj pewnych rytmów, które spełniają takie proste pragnienia, mają mniej wspólnego z umysłem, a więcej z pierwotnym instynktem. Z kolei Digital/Divide zazwyczaj faworyzuje słuchanie w fotelu nad nocnym klubem, głównie dlatego, że odbyłem swoje w amerykańskich klubach i obecnie wolę przesypiać noce.

Jako ktoś, kto kiedyś imprezował w półlegalnych miejscach, takich jak kina porno i muzea dla dzieci, i nadal chwali się nowym znajomym, że kiedyś pił alkohol Richiego Hawtina w podniesionej loży nieistniejącego już klubu The Limelight, łatwo wyrażać cynizm wobec głęboko skomercjalizowanego stanu nowoczesnej muzyki tanecznej. EDM, tworzone według szablonu, przerosło dachy i ściany oraz księżyc, stając się zaplanowaną odskocznią od indie rockerów i raperów krzyczących nad nagraniami własnych głosów na każdym festiwalu muzycznym. Elektroniczne listy Billboard w dużej mierze składają się z różnych plantów przemysłowych, występów popowych piosenkarzy i dobrze wyprodukowanych gości wyglądających, jakby urodzeni na trzeciej bazie.

Jednak wartość intensywnej wyprawy w obietnicę najlepszej części setu nadal ma swoje uroki. I niewiele wytwórni oddaje to, co jest tak cholernie dobrego w klubowaniu, jak Anjunadeep. Londyńska wytwórnia regularnie wydaje najlepszą muzykę house w stylu deep/electro/tech/progressive, większość to przyjemne kawałki, które podnoszą na duchu, jednocześnie pracując nad tylną częścią ciała. Jest to również jedno z nielicznych miejsc, które traktuje format albumu serio, pozwalając swoim artystom przedstawić coś więcej niż niestarannie złożone kompilacje czy cyniczne playlisty pod publikę.

Najświeższą ofertą pełnometrażową jest album Yotto, fińskiego DJ/producenta, który od 2015 roku miał tam kilka wydawnictw. 13 utworów, które składają się na Hyperfall (Anjunadeep), niesie ze sobą wyraźną sentymentalność, tematycznie nasycając płytę emocjonalnym ciężarem. Nazwany na cześć jego podmiejskiego rodzinnego miasta, „Kantu” budzi młodzieńcze niebezpieczeństwo, z zaprogramowanymi dźwiękami dzwonków wyrażającymi pilność wśród basowych falowań. Podobny dramat wkrada się do „Turn It Around”, który zaczyna się nieco nadzieją, zanim nowa melodia przyniesie dalszą jasność. „Odd One Out” błyszczy wszystkimi cechami prime tech-house’u, podczas gdy „Walls” zanurza się w synthpopową sensacyjność, rozrastając się w nieskrępowane odrodzenie nowej fali.

Chociaż pojawia się tu garstka gości, album nie nadużywa tego przywileju jak wielu jego popowych kolegów. Yotto angażuje swojego dosłownego brata CAPS do wykonania płaczliwego blue-eyed soulu „Epilogue” i angażuje islandzką piosenkarkę Margrét Rán Magnúsdóttir, aby przeniosła ekstatyczne „The One You Left Behind” ku zimowemu słońcu. Sønin i Laudic dołączają do utworu „Hear Me Out”, inspirowanego Underworld, który mimo pozornej melancholii bulgocze pozytywną energią.

Hiro Kone: Pure Expenditure (Dais)

Industrialny boom w techno ostatnich lat zaowocował wieloma charakterystycznie szorstkimi i niepokojącymi dziełami. Jedną wadą jednak jest to, że zbyt często upraszcza różnorodność dźwiękową swojej tradycji muzycznej. Od czasu Throbbing Gristle, istniało wiele aktów, które nie ograniczały się tylko do zgłębiania ciemności po więcej ciemności. Raczej rzucili światło na te miejsca i przestrzenie, aby stworzyć kolorowe, ale autentyczne interpretacje swoich wizji, które pozostawały w ramach szerokiego gatunku. Hiro Kone działa w tej szczególnej przestrzeni, oferując niespokojną aktualizację z połączeniami z Coil i katalogiem Ant-Zen Records. Pure Expenditure skrzy od początku do końca, jest to bujne i warstwowe arcydzieło, które odsłania swoje sekrety z artystyczną przebiegłością. „Scotch Yoke” błyszczy tak samo, jak jęczy; „Disoccupation Of The Sphere” zwodzi minimalizmem, stopniowo odsłaniając zasłonę. Weteranka najbardziej czczonych zakątków industrialu, poetka i pieśniarka Little Annie, wyłania się ze swojego najnowszego kokonu, aby zachwycić umysły w „Outside The Axiom.”

Jlin: Autobiography (Planet Mu)

Od czasu, gdy Dark Energy z 2015 roku pokazało potencjał footwork poza parkietem, oczy były zwrócone na tę producentkę z Indiany. Zeszłoroczny, znakomity Black Origami wzmocnił jej eksperymentalną renomę, przesuwając punkty wyjścia w wybranym gatunku na odważne nowe terytoria. W tym projekcie, będącym ścieżką dźwiękową do współczesnego przedstawienia tanecznego choreografowanego przez Wayne'a McGregora, kontekst klubowy jej wcześniejszych prac schodzi na dalszy plan, a ona pokazuje zarówno oszałamiający design dźwięku, jak i mistrzowską kompozycję. Od lekkiego i brzęczącego „Carbon 12” po organiczne pejzaże dźwiękowe „Anamnesis (Pts. 1 & 2)”, jej kontrolowane wykonanie złożoności, a czasem nawet chaosu jest czymś, co warto podziwiać. Obficie sampelowany „The Abyss Of Doubt” dezorientuje, mechanicznie szumiąc, podczas gdy „Kundalini” wiernie powraca do duchowych zainteresowań Jlin z echami sitaru. I choć słuchacze mogą się zagubić bez odpowiednich wizualizacji i ludzkich ruchów, prowokacyjna godzinna Autobiography mimo to wywołuje obrazy w umyśle. Zgodnie ze swoimi tytułami, „Mutation” i „Unorthodox Elements” szarpią i mielą, przypominając jednocześnie Cabaret Voltaire i balet.

Jumping Back Slash: Fun (self-released)

Przybysz z Wielkiej Brytanii, mieszkający od pewnego czasu w Południowej Afryce, Jumping Back Slash często był gorącym zwolennikiem i praktykiem południowoafrykańskich wariantów muzyki house, znanych odpowiednio jako gqom i kwaito. Nawet jeśli regionalne niuanse i subtelności tej muzyki mogą być mniej więcej niezrozumiałe dla anglofilów, części jego najnowszego projektu zasługują na przyciągnięcie nowych słuchaczy do dźwięków Kapsztadu, Durbanu i Johannesburga. „My Dagga Tragedies” tłucze się, podczas gdy jego absolutnie piękne syntezatory proszą o przedłużenie nad gęstą basówką, podczas gdy podobnie banger „I Keep Waiting” utrzymuje to euforyczne pragnienie. Napięcie panuje w „On A Wire, Suspended”, które posiada pewne kinowe jakości. Nie zadowalając się trzymaniem jakiegokolwiek podgatunku, psotny charakter JBS przebija się w heavy metalowym szale „Tinfoil”, trwającym ledwie minutę cyfrowego hardcore punku, oraz w dronach i warble „Eating Dragonfruit With My Wife.” Fun? Zdecydowanie.

Niagara: Apologia (Principe Discos)

To nie jest zwykła płyta Principe. Oczywiście portugalska wytwórnia stojąca za kuduro futurystami Dj Firmeza i DJ Marfox regularnie prezentuje różnorodność dźwięków sceny, ale Apologia jest inna. Otwarcie „França”, dziwna mała pętla wzmocniona głosami pozbawionych ciał postaci, ledwo przypomina wibracje wydobywające się z przedmieść Lizbony. Niagara ujawnia swoją (jego? Jej? Jego? Ah, cokolwiek!) prawdziwą formę jako wewnętrzni elektroniczni psotnicy wytwórni, śliniąc się nad meblami i drwiąc z zasłon. Niezależnie od tego, czy ten debiutancki album chce wywołać śmiech, czy nie, nieuchronność uśmiechu zapewnia raczej pocieszającą konsekwencję przez cały wart swojej długości czas trwania. Wprowadzająco zatytułowany „6:30” przeciąga kwasowe bąki aż do siedmiu minut, podczas gdy „Damasco” bawi się słuchaczami, felerując swą melodię w irytującej rzeczywistości. Porównawczo poważniej brzmiące utwory, takie jak „Cabo Verde” i „2042” nawiązują do bardziej klubowych stylów, z których znane jest to wydawnictwo. Jednak tutaj bity liczą się mniej niż zazwyczaj. Kiedy to zaakceptujesz, Apologia prężno zdobywa przebaczenie.