Cyfrowy/Dziel: Anonhi i najlepsza muzyka elektroniczna maja

Digital/Divide to miesięczny felieton poświęcony wszelkim gatunkom i podgatunkom w wielkim, pięknym świecie muzyki elektronicznej i tanecznej.

Zagorzali zwolennicy Trumpa, zdeterminowani zwolennicy Clintona i przeciwnicy Sandersa zdają się być chętni na jakąś zmianę w 2017 roku, chociaż określoną w znacząco różny sposób w zależności od tego, kogo zapytasz. Gdy amerykańska polityka niebezpiecznie zbliża się do czegoś, co można by uznać za bardziej toksyczne dla demokracji niż zwykłe podziały lewica-prawica, pozostaje kulturowa pustka, która wciąż pozostaje dziwnie nie wypełniona. Kłótnie i sprzeczki dotyczące piosenek kampanijnych tworzą zgrabne nagłówki, podobnie jak rekomendacje celebrytów. Podobnie jak wiece i przemówienia kandydatów, rzadko kiedy mają one większe znaczenie poza kilkoma uległymi okrzykami z koncertowej sceny, na chwilę przynoszącymi korzyści publiczności, która sama się identyfikuje.

Jeśli Ameryka jest tak podzielona, jak sugerują sondaże i wpisy w mediach społecznościowych, to gdzie są płyty, które definiują lub przynajmniej opisują naród w chaosie? Brak tak zwanej muzyki protestacyjnej można odczuć, gdy z trudnością zmierzamy w stronę nieuchronności odpowiednich konwencji. W różnych gatunkach wydaje się, że większość dzisiejszych popularnych artystów jest zadowolona z zamieszkiwania w bardziej osobistych przestrzeniach, co w wielu przypadkach czyni ich mniej znaczącymi. Ostatnie dwie płyty Kendricka Lamara praktycznie stoją same, w swoim społeczno-politycznym napięciu przedstawiając współczesne życie Afroamerykanów.

Nadchodząca płyta ANOHNI, o ciętym, nihilistycznym, pełnym jadu, dowcipnym, antagonizującym oraz po prostu oszałamiającym nowym albumie Hopelessness [Secretly Canadian] otwarcie odrzuca wszelką sztuczną separację spraw osobistych i politycznych jako tchórzostwo. Dla niej zbyt wiele stoi na szali, by milczeć. Ekologiczne zniszczenia opisane przez zaciśnięte zęby w „4Degrees” dodają mrocznego humoru do sprawy zaprzeczania zmianom klimatycznym. „Watch Me” porównuje wciąż narastające państwo inwigilacyjne do bardziej dosłownego paternalizmu, jednocześnie szczegółowo opisując niepokojące środki i racjonalizacje podawane przez władze.

Śmierć i widmo śmierci przewijają się przez Hopelessness, czy to w ofiarnych okrzykach „Drone Bomb Me”, czy w porównaniach do kary śmierci w „Execution”. Sam tytuł albumu odrzuca jedno-słowne hasło Prezydenta Obamy, a utwór noszący jego imię nie jest w żadnym wypadku pochlebny.

Dla tego potężnego i często niepokojącego albumu artystka zaangażowała dwóch z najciekawszych współczesnych producentów muzyki elektronicznej. Na pierwszy rzut oka, tajemniczy komendanta klubowego Hudson Mohawke i eksperymentalny artysta Oneohtrix Point Never wydają się reprezentować dwa bieguny etosu Warp Records. Jednak razem dali ANOHNI wspaniałą platformę dźwiękową do głoszenia swoich poglądów. Czasem łatwiej jest dostrzegać ich odpowiednie wkłady niż w innych utworach, ale takie introspektywne oceny swoją drogą niweczą jej cel: aby reprimendować i zawstydzać Amerykę za jej wyjątkową globalną rolę w sprawach politycznych i ekonomicznych. Niezależnie od tego, na kogo zamierzasz głosować, to przesłanie warto rozważyć, będąc akompaniowanym przez dobitny rytm.

Kristen Kontrol: X-Communicate [Sub Pop]

Nie jest to subtelne skręcenie w lewo w porównaniu do coraz bardziej gotyckiej trajektorii jej Dum Dum Girls, artystka wcześniej znana jako Dee Dee wzmocniła elektronikę w tym nowym pseudonimowym projekcie synthpopowym. W przeciwieństwie do męczących dźwięków Paula Banksa z Interpol z 2009 roku, debiut pełnoformatowy Kristen Kontrol robi więcej niż tylko samolubnie zaspokajać twórczy instynkt. Ci, którzy zakochali się w odważnych momentach nowej fali z 2014 roku, powinni objąć bardziej immersyjne X-Communicate. Z międzygeneracyjnymi inspiracjami sięgającymi od Bowiego przez Enyę aż po Perfume Genius, Kontrol kieruje swoje teksty w stronę wymagającego parkietu tanecznego w „White Street” oraz wzniosłym tytułowym utworze w stylu Erasure. Różnorodność albumu pozwala na wolniejsze tempo i organiczne elementy, które łączą się z klawiszami i maszynami perkusyjnymi. „Skin Shed” chytrze nawiązuje do brzmienia z początku lat 90. obecnie w pełnym odnowieniu w wytwórniach takich jak Spinnin’, tylko po to, aby przytłoczyć je przesterowanymi akordami gitarowymi. Później Kontrol wita ambientowe faktury i ambitne echa w rozbudowanym zakończeniu „Smoke Rings”.

Sepalcure: Folding Time [Hotflush]

Muzyka basowa w ostatnich latach doskonale poradziła sobie z łamaniem gatunków, zarówno pozwalając, jak i zachęcając artystów do eksplorowania mniej konwencjonalnych struktur i perkusyjnych podejść. Najnowszy owoc tej współpracy producentów Braille i Machinedrum, Folding Time korzysta z nieregularnych rytmów, nocnych tekstur i popowych głosów, aby stworzyć jedno z najbardziej emocjonalnie przytłaczających albumów w tym stylu do tej pory. Przeniknięte wiecznym poczuciem nudy i niepokoju, sonic palette Sepalcure wprawia w zamyślenie na utworach takich jak „Hearts In Danger” i „Not Gonna Make It”. Emocjonalne wzbogacenie posępnych letnich hitów Drake'a, „Been So True” opiera się na ludzkim złamanym sercu w rytmach dembow. Być może zbyt skuteczne, Burial-esque „Hurts So Bad” może zabrać cię w bardzo mroczne miejsce dzięki swojemu zapętlonemu refrenowi i odwróconemu maskowaniu.

Slushii: Brain Freeze [Slushii]

Podążając podobnym tropem jak tajemniczy producent EDM Marshmello, ten sekretny twórca wypuścił zestaw siedmiu utworów przed planowaną premierą dla wytwórni Diplo Mad Decent. Ktokolwiek stoi za tymi słodkimi klubowymi jamami, widać, że świetnie się przy tym bawi, z niespodziewanym dorosłym śmiechem dołączonym na końcu luźno trapowego „Make Me Feel”. Chichoczące manipulacje wokalne, nieprzewidywalne BPM-y i eurodance’owe ekstazy określają sporą część materiału. Luźny banger „Some More” wydaje się stworzony na nadchodzące letnie miesiące, melodie figlarnie unoszą się wokół siebie. „Statik Shock” wprowadza luźny związek z synthwave, a punkt kulminacyjny „Destiny” zręcznie łączy dichotomiczne powroty do stylu 808s And Heartbreak-style Kanye oraz wczesnopojedynczej popu trance, takiego jak Chicane i Paul Van Dyk. „Closer” obniża tempo, ale nie zdejmuje fałszywej maski, z nieco zniekształconym i prawdopodobnie męskim głosem błagającym o ludzkie połączenie. Jeśli to przypadkiem jest jakiś tajny projekt Marshmello, to nikt by się nie zdziwił, ani nie rozczarował.

Virginia, Fierce For The Night [Ostgut Ton]

Pomimo całej reputacji berlińskiej instytucji Berghain za celowe zacieranie rzeczywistości i niedostępność, debiutancki album jednego z jej rezydentów nie mógł być bardziej przyjazny. Współprodukowany z holenderskim artystą Martynem oraz współprzewodniczącymi Klakson, Dexterem i Steffim, Fierce For the Night Virginii ciepło celebruje popową sztukę muzyki klubowej, zabierając słuchaczy na prawdziwą wycieczkę po korzeniach, iteracjach i możliwościach vocal house. Otwarcie „Bally Linny” ustawia ton za pomocą subtelnej, kwasowej linii basowej otulonej delikatnymi padami. Jednak niemal natychmiast ustępuje miejsca złożonemu disco boogie „1977”, a następnie elektro-wibracjom Bambaataa w „Obstacle”. Tematycznie przylegając do tradycyjnych i związanych z miłością wizji parkietu tanecznego, jej piosenki sprawdzają się zarówno w kontekście klubu, jak i słuchania w domu, podobnie jak niektóre z najlepszych utworów Everything But The Girl. „Lies” od samego początku uchwyca istotę ery Force Tracks Luomo, podczas gdy „Funkert” i „Raverd” sięgają dalej w bardziej nielegalny okres. Wolniejsze numery, takie jak „Believe In Time”, skutecznie pomagają w sprawieniu, że album jest zrównoważony.

Gary Suarez to krytyk muzyczny urodzony, wychowany i obecnie mieszkający w Nowym Jorku.Jest na Twitterze.