10 najlepszych albumów Charlesa Mingusa, które warto mieć na winylu

Pierwotnie studiujący puzon i wiolonczelę, Mingus był multiinstrumentalistą, który przeszedł do kontrabasu, który ostatecznie stał się jego motywem muzycznym. Mingus był powszechnie uważany za fenomen na kontrabasie, w końcu koncertując z Louisem Armstrongiem, Lionelem Hamptonem i Duke'em Ellingtonem, zanim zaczął tworzyć własne kompozycje i prowadzić własne zespoły.

Mingus ucieleśniał ciężką pracę i samodoskonalenie, co skutkowało dorobkiem przekraczającym 250 wydania. Włożył swoje serce i duszę w swoje rzemiosło, tworząc zróżnicowaną i wspaniałą listę wydania. Katalog nagrań Mingusa to emocjonująca jazda. Jest dziki, nieprzewidywalny, niestabilny, wrogo nastawiony i błyskotliwie pomysłowy. To wszystko, czego można się spodziewać po człowieku takim jak Charles Mingus.

Pithecanthropus Erectus (1956)

Ten album jest tak innowacyjny, jak i odważny. "Pithecanthropus Erectus" to dzieło koncepcyjne, w którym Mingus ujawnia, że jest to poemat dźwiękowy. Poemat ten nakreśla podróż ewolucji hominida od małpy do człowieka w pozycji wyprostowanej, tylko po to, aby hominid zniszczył siebie w skutek ludzkiej natury.

Mingus również stworzył niesamowicie urocze "A Foggy Day (In San Francisco)", w którym maluje obraz dokładnie tego, muzyką. Gwizdy dzwonią, samochody trąbią, a syreny wyły, tworząc malowniczy obraz mglistych dni w San Francisco. W 1956 roku to po prostu było niesłyszane. Mingus był odważny, awanturniczy i śmiały, by podjąć się czegoś takiego. Piękno tego utworu polega na tym, że nie jest to klisza i nie wydaje się tandetne. Naprawdę przenosi cię do innego czasu i miejsca.

To podczas tego albumu Mingus naprawdę eksperymentował z tym, jak komponował i tworzył muzykę. Rzekomo tworzył solówki i kompozycje dla swoich muzyków w oparciu o ich osobowości, a nie umiejętności. Jako kompozytor, który tradycyjnie dyktował części, zapisując je na papierze, Mingus zdecydował się porzucić tę formę kompozycji i zamiast tego dyktować partytury na ucho, pozwalając muzykom na swobodną ekspresję.

Ten album udowodnił mu, że jest ojcem chrzestnym improwizowanego jazzu, otwierając drzwi dla wielu muzyków i zachęcając ich do tworzenia muzyki, która łamała konwencjonalne zasady musicalności. Pithecanthropus Erectus położył muzyczne fundamenty, które na zawsze wpłyną na ten gatunek.

The Clown (1957)

The Clown to album, który kontynuował improwizowaną formę Mingusa. Niemniej jednak, jest on bezczelny i ma tak silną tożsamość. To podczas tego albumu Mingus zaznacza swoją pozycję jako jeden z największych kontrabasistów i kompozytorów.

Jego solówka w "Blue Clee" jest po prostu wspaniała. Wydaje się bluesowa, brzmi surowo i natychmiast przyciąga uwagę. Mingus wymusza, abyś słuchał, zauważał i cieszył się. Mingus gra z zaraźliwą pewnością siebie. Jego zdolność do zmiany dynamiki zarówno swojego instrumentu, jak i swojego zespołu nie ma sobie równych.

To ponownie udowadnia "Haitian Fight Song." Przez chwilę Mingus gra solo. Jest to smutne i melancholijne. Jest moment, w którym muzyka wydaje się bezcelowa, aż zespół powraca do utworu, a wtedy zdajesz sobie sprawę, że Mingus zawsze wiedział, dokąd zmierza.

"Reincarnation of a Love Bird" to utwór, który nie został pierwotnie skomponowany dla Charlie'ego Parkera, ale po pewnym czasie tworzenia utworu Mingus zdał sobie sprawę, że ta piosenka "była Charlie." Podobnie jak Charlie Parker, melodia to luźna, chaotyczna i często niepokojąca kompozycja. Nuty wędrują od duru do mollu, tempo zmienia się z szybkiego na wolne. Jest pewna siebie, a następnie zdezorientowana. Pod względem metafor nie zbliżysz się do Charlie'ego Parkera.

Tytułowy utwór "The Clown" jest przełomowy. Przeplatający się z sarkastycznym podtekstem, semi-improwizowany utwór sprawia, że od samego początku czujesz się nieswojo. Piosenka jest narracja przez Jean Shepherd, który opowiada o clownie i jego pragnieniu miłości i akceptacji. Nawet gdy clown udaje mu się sprawić, że ludzie się śmieją, wciąż czuje się upokorzony. Chociaż Mingus odnosił sukcesy jako muzyk, zawsze miał wrażenie, że być może nie odbywa się to na jego zasadach. Mingus był torturowaną osobą, która często czuła się kontrolowana przez ograniczenia i bariery stworzone przez rasę, klasę i wytwórnie płytowe. Nawet gdy odnosił sukcesy, Mingus niekoniecznie był szczęśliwy. "The Clown" to piosenka, która oferuje najgłębsze i najciemniejsze wgląd w psychikę Mingusa.

Mingus Ah Um (1959)

Mingus Ah Um to wspaniały album. Chociaż w dzisiejszych czasach to coś powszechnego, Mingus w 1959 roku wygłaszał twarde oświadczenia polityczne na temat rasy i segregacji, o które niewielu się odważyło. "Fables of Faubus" to bezpośredni atak na gubernatora Arkansas i jego sprzeciw wobec integracji dziewięciu czarnoskórych uczniów do Little Rock Central High School. Mingus był katatonicznie odważny, aby złożyć takie oświadczenie, ale po prostu nie dbał o normy społeczne, które jego zdaniem rządziły kontekstem jego muzyki. Tak naprawdę te zasady miały odwrotny skutek, a Mingus często przesyłał swoje niezadowolenie do swojej muzyki, co widać w "Fables of Faubus." Melodia wydaje się niemal radosna, a może nawet komiczna, tworząc ironiczną i niemal cyrkową melodię, aby wyśmiewać gubernatora Arkansas. To radosna wystawa inteligentnej wrogości.

"Goodbye Pork Pie Hat" był hołdem dla zmarłego Lestera Younga i jest to powolna i refleksyjna melodia, raz jeszcze ukazująca geniusz Mingusa, gdy stoi za swoim kontrabasem. To uwodzicielskie muzyczne dzieło. Jest harmonijne, delikatne i miękkie. "Pussy Cat Dues" jest podobnego rodzaju, oferując elegancki i alkoholiczny nastrój, podczas gdy cool muzyka swobodnie płynie.

Mingus Ah Um to album, który jest ceniony za swoją spójność i osobowość. Chociaż styl muzyki znacznie się różni, album jest pełen i po każdym utworze czujesz się zadowolony. Słuchaj od początku do końca, zasługujesz na to.

Presents Charles Mingus (1960)

Mingus wydał ten album na infamowej wytwórni Candid, która pozwalała mu na większą kreatywną kontrolę niż wcześniejsze wytwórnie. W rezultacie, Mingus mógł nagrać wokale do wcześniej wspomnianego "Fables of Faubus", które zostało ponownie nagrane i nazwane "Original Faubus Fables." Wytwórnia Columbia odmówiła wydania oryginalnej piosenki z tekstami, ponieważ były one tak zasadniczo wrogie, że Columbia uznała je za zbyt antagonizujące dla kraju, by można je było z nimi kojarzyć. Podczas nowego nagrania tej piosenki, Mingus i jego zespół skandują, że gubernator Faubus jest "głupcem", "nazistą" i "chorym." Takie heroiczne czyny rzadko były świadkiem w jaskrawych światłach popularnej kultury. Piosenka sama w sobie jest arcydziełem wymieniających się rytmów, przeplatających solówek i gładkich tekstur muzycznych. To utwór w minimalistycznym stylu, o semi-improwizowanej atmosferze. John Handi i Shafi Hadi na zmianę dodają utworowi gęste, tenorowe solówki saksofonowe, zanim muzyka zatrzymuje się i Mingus bierze na siebie kontrolę na swoim kontrabasie. Szaleje z pasją, przesuwając w górę i w dół struny z wściekłą intencją. Aggresja i kpinę są antagonizujące, co cieszy.

Przyjemność, jaką można czerpać z Presents Charles Mingus, wynika z wcześniej wspomnianej kontroli twórczej. "What Love" to dzieło fenomenalnego kwartetu z Mingusem, Ercem Dolphy'm, Tedem Cursonem i Dannie Richmondem. Przekraczająca muzykalność jest wywoływana przez wolność, jaką oferuje Mingus. Mingus prowadził zespół swoją grą na kontrabasie, stwierdzając, że są wolni w tworzeniu muzyki, jaką chcą, ale muszą dostosować się do tego, co on gra na swoim kontrabasie, zarówno rytmicznie, jak i tonowo. Każdy muzyk po kolei improwizuje solówkę, tworząc niezrównaną kompozycję. Z wszystkich prac Mingusa, to jest wyróżniające się dzieło unikalnej improwizacji. Album jako całość to kreatywne arcydzieło.

Blues and Roots (1960)

Blues and Roots to mocno uderzający album. Czerpiąc z bluesa, gospelu i soulu, Mingus stwierdził w notatkach liniowych, że stworzył ten album, aby zmierzyć się z krytykami na temat tego, że nie swingował wystarczająco. Kiedy Charles Mingus był zapędzany w kozi róg, często wychodził z pięściami. Z Blues and Roots, była to dosłownie prawda.

Nie muszę dodawać, że Mingus czyni swój punkt od pierwszej do ostatniej nuty. Blues and Roots mocno swinguje i nasącza duszą. "Wednesday Night Prayer Meeting" to surowy blues w najlepszym wydaniu. Zespół swinguje w pełni przez cały czas, z Horace'm Parlanem grającym na fortepianie z imponującą autorytetą. Zespół na zmianę wygrywa bluesa, brzmiąc świeżo i wyrafinowanie, a jednocześnie surowo i unikalnie.

Pepper Adams jest szczególnie płodny na tym albumie, jego baritonowy saksofon dodaje ziemisty nastrój do instrumentów dętych, które naprawdę wydobywają blues w muzyce. Jest to szczególnie widoczne podczas "Cryin' Blues." Pepper Adams dostarcza kręgosłup dla zespołu, odrywa głęboki i basowy riff na saksofonie baritonowym. Tenorzy Jackie McLean i John Handy imponująco łączą się z Pepperem Adamsem i razem tworzą harmonię.

Trudno jest oddzielić każdy utwór i wskazać, dlaczego jest genialny. Blues and Roots to podróż, więc weź w niej udział i ciesz się jazdą.

Oh Yeah (1962)

Oh Yeah prezentuje to, co można by nazwać „gwiazdorskim” składem brassowym. Koktajl Booker Ervina i Rolanda Kirka jest fenomenalny, a słuchacz ma trudności ze znalezieniem lepszej kombinacji brassów niż ta.

"Devil Woman" to koktajl wstrząśnięty powyższą sekcją brassową, tworzący miękki i ziemisty jam, który w równym stopniu nawiązuje do bluesa i post-bopu. To kuszący utwór, w którym Mingus prowadzi na pianinie. Klawisze opadają jak krople deszczu, podczas gdy są uzupełnione przez najlepszą na świecie kombinację instrumentów brassowych. Roland Kirk i Booker Ervin później oferują solówki, które rozpuszczają się w ustach. Solówki są delikatne, a każda nuta grana perfekcyjnie. Mniej znaczy więcej, jak to mówią.

Kiedy już jesteś zrelaksowany, tempo zmienia się na "Wham Bam Thank You Ma’am." To najlepszy hard bop. Zespół szybko kładzie mocny rytm, prowadzony przez energicznego Mingusa, który krzyczy przez cały utwór. Roland Kirk ponownie prowadzi szalona solówkę, a Mingus go wspiera. "Tak, Roland!" krzyczy. Nie możesz się powstrzymać, musisz się uśmiechnąć. Naprawdę rozkręca atmosferę.

To samo można powiedzieć o "Eat That Chicken." Ten utwór to kolejny radosny klasyk bopowy. Nie możesz powstrzymać się od kiwania głową i tańczenia, cokolwiek robisz w danym momencie.

Tijuana Moods (1962)

Tijuana Moods to definicja zorganizowanego chaosu. Album zawiera "Ysabels Table Dance" i niech będzie powiedziane, że nigdy żaden utwór nie miał bardziej odpowiedniego tytułu. Tempo tego tytułu sprawia, że kręci ci się w głowie. Początkowo "Ysabels Table Dance" wybucha chaosem, aby zwolnić tempo, by zrobić miejsce na wystąpienie Curtisa Portera. Jakby znikąd tempo znowu wzrasta i chaos znowu wybucha. Ysabel Morel na kastanietach zasługuje na wzmiankę, jej kastaniety są szczególnym akcentem podczas tej piosenki. Dźwięk kastanietów przypomina konika, sięgając na pierwszy plan anarchii z wyjątkowym i niezastąpionym dźwiękiem. Ostrzegamy, ta muzyka może skłonić cię do wzięcia udziału w tańcu przy stole.

Piękno tego albumu tkwi w przemianie z chaosu w spokój, z walki do pocałunku. Może to idealnie personifikować dwubiegunową diagnozę Mingusa. "Flamingo" to utwór zamykający, jest to pieszczotliwy i meandrujący finał. Bill Triglia bawi się na pianinie, podczas gdy Clarence Shaw rozbrzmiewa swoją trąbką. Duet dopełnia się nawzajem w swoim stylu gry, tworząc aksamitną atmosferę tak do zdie'cie. To niezrównane zakończenie albumu. To filiżanka kawy po obfitym posiłku; to papieros po seksie.

The Black Saint and the Sinner Lady (1963)

Podobnie jak Mingus Ah Um, The Black Saint and the Sinner Lady został przyjęty z szacunkiem. The Black Saint and the Sinner Lady to szorstkie i kłótliwe dzieło sztuki. Można by argumentować, że ten album big bandowy wpisuje się w ramy awangardy, pozostając jednocześnie wiernym cechom tradycyjnego albumu big bandowego.

Mingus nagrał ten album z szerokim zakresem utalentowanych muzyków, w tym Bookerem Ervinem na saksofonie tenorowym, a aranżacje były tworzone przez infamowanego Boba Hammera. Nawiązanie tej relacji z Hammerem było nieocenione dla osobistego rozwoju muzycznego Mingusa. Później odnosił się do Hammera jako do swojego "Beethovena."

Wyjątkowym utworem byłoby "Group Dancers." Jaki Byard położył fundamenty dla tej piosenki delikatnym, stonowanym fortepianem. Zaczyna się miękko, z Byardem dyktującym tempo utworu z pewnością. Po chwili, która wydaje się chwiejna, tempo drastycznie się zmienia, a instrumenty dęte wchodzą do muzyki jak byk w chińskim sklepie, rozbijając wszystko na swojej drodze. W mgnieniu oka chaos uspokaja się, a Jaki Byard sprowadza nas z powrotem na ziemię, sprzątając narobioną bałagan. To świetne.

Ostatnie trzy utwory tego albumu są połączone w jeden ruch i trwają 17 minut. Noszą nazwy "Trio and Group Dancers," "Single Solo’s and Group Dance" oraz "Group and Solo Dance." Te trzy utwory to hałaśliwe zestawienie, które często schodzi w chaos, z brassami latającymi wszędzie. Big band jednoczy się, tworząc ogromny swingujący dźwięk, który zmusza cię do stąpania. Zespół osiąga niesamowite crescendo, grając z błyskawiczną prędkością, której ledwo można stąpać. Zanim się zorientujesz, zespół zwalnia całkowicie. The Black Saint and The Sinner Lady potrafi być wyczerpujące, ale i ekscytujące.

Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus (1963)

Raz jeszcze współpracując z Bobem Hammerem, Mingus oferuje nieco uproszczony, hałaśliwy album post-bop. Chociaż na tym albumie występuje big band, Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus wydaje się bardziej surowy niż wcześniejsze nagrania.

"II B.S" prezentuje potężną grę Mingusa na kontrabasie. Odczepia struny swojego kontrabasu, kładąc solidną linię basową dla zespołu, który wchodzi w grę w odpowiednim momencie. Mingus jest w całkowitej kontroli, a ten utwór ujawnia wszystkie jego bombastyczne umiejętności. "Better Get Hit in Yo’ Soul" wyrywa się z tej samej klatki, z nadprzyrodzonym Ercem Dolphy'm, który prowadzi sekcję brassową, która wznosi się przez ten utwór. Solówki są jasne i musujące, a zespół przedstawia synergiczne i pewne siebie, które mogło wzrosnąć jedynie dzięki muzykom prowadzonym przez Hammera i Mingusa.

"Theme for Lester Young" to wolniejsza, somnambuliczna melodia. Odkrywa elementarną, lacedz charakterem. Od pierwszej nuty do ostatniej czujesz się przeniesiony. Kiedy się zaczyna, od razu przenosisz się do zadymionego baru w Nowym Jorku i pijesz drinka z drogo zmarłym Lesterem samym. To była piosenka stworzona na pamięć Lestera Younga, którą chciałby podziwiać.

Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus jest często pomijany, ale nie powinien. To pewny siebie, dopracowany album post-bop, który zasługuje na Twoją uwagę.

Let My Children Hear Music (1972)

Let My Children Hear Music to wspaniałe dzieło orkiestracji, a to, co Mingus uważał za "najlepszy album", jaki kiedykolwiek stworzył. W trakcie tego albumu Mingus połączył siły z kompozytorami i transkrybentami Sy Johnsonem, Alanem Raph i Hubem Millerem. Pomogli Mingusowi stworzyć wodoodporną kompozycję, alleviating pressures, które wcześniej doprowadziły do jego załamania i późniejszego odstawienia od muzyki.

Ostatecznie Let My Children Hear Music to album, który przyjął inne podejście do innych albumów Mingusa. Choć Mingus kontrolował główną część muzyki, w tym nagraniu było więcej delegacji zaangażowanej i konsekwentnych wejść innych osób. Chociaż tworzona muzyka nie była z natury nowa dla Mingusa, techniki postprodukcji, którymi zajmował się Teo Macero, oferowały słuchaczom album Mingusa wyprodukowany z nowymi technikami i pomysłami. Teo Macero sprytnie użył koktajlu przesterów, efektów dźwiękowych i istniejących próbek, aby stworzyć klimat głęboki, brassowy i hałaśliwy.

"The Chill of Death" jest sublime, bardziej przypominającą ścieżkę dźwiękową filmu grozy niż klasycznie uformowany utwór bopowy, którego byś się spodziewał. Sekcja smyczkowa jest przerażająca, z Mingusem recytującym wiersz nad tymi strunami, które dają ci dreszcze.

"Hobo Ho" to magnetyczny kawałek bopu. Bobby Jones naprawdę daje ci czadu na swoim saksofonie tenorowym, podczas gdy Joe Wilder i Lonnie Hillyer odpierają z dzikimi solówkami na trąbkach w trakcie 10-minutowego utworu, który przypomina muzykę brassową w muzycznej bójce barowej. Orkiestracja na tym albumie jest naprawdę znakomita, a ty czujesz, że wsparcie tak dużej i nieprzeniknionej orkiestry dodaje solistom pewności, która ukazuje ich talent.