Goon Sax' sjarmerende dumhet og oppriktighet

Louis Forster så på den japanske skrekkfilmen fra 1977 House da han fikk en idé. Inspirert av filmens hovedkarakterer som var oppkalt etter sine primære personlighetstrekk — en kvinne som stadig justerer sminken sin ble kalt Gorgeous, en annen som elsker musikk ble kalt Melody — gjorde Forster det samme for bandmedlemmene sine James Harrison og Riley Jones, som opptrer med ham som The Goon Sax. Forster ga Harrison navnet Lazy, Jones ble Busy og han selv ble Bendy.

“Jeg synes James er den mest avslappede typen,” sier Forster. “James ligger ikke tilbake, han er James Horizontal Harrison.”

“Jeg antar at jeg er litt lat,” svarer Harrison, med en stemme som lyder som et skuldertrekk. “Men jeg tror det finnes andre folk i bandet som gjør like dumme ting.”

Siden debuten deres i 2016, Up To Anything, har det Brisbane-baserte trioen med indie-pop og post-punk navigert mange beskrivelser — “like kloke som de er triste,” “selvdegraderende, men aldri bedrøvet,” “kjærlig enkel” — selv om “dum” aldri så ut til å lede an. The Goon Sax, som ble dannet i 2013 som en duo av Harrison og Forster, som er sønnen til Robert Forster fra Go-Betweens berømmelse (Jones ble med i 2014 etter bare noen måneders trommeskole), har en evne til å ramme inn små øyeblikk som enda mindre. Up To Anything, som ble utgitt da bandmedlemmene var 16 og 17 år gamle, beskriver sakte intime øyeblikk fra tenåringslivet med et depressivt lengsel — “Jeg vil at folk skal tenke på meg,” synger Forster på albumets tittelspor.

Selv om de bare er noen år eldre, utforsker The Goon Sax nytt terreng med sitt andre album, We’re Not Talking, som er ute nå: angst. LP-en skrår, tidvis, mellom frenetisk, romantisk, lengtende, kløende. På “Love Lost,” et Harrison-ledet spor med strykere og kastanjetter, klager han: “Jeg har problemer som jeg ikke vet hvordan jeg skal håndtere / og jeg har saker som jeg ikke vil bli sett med.” Andre steder, hvisker Jones, “Jeg kommer til å savne tristheten / det er det eneste jeg noen gang har kjent” på “Strange Light,” en hyllest til Brisbane og feilene som ble gjort der.

På We’re Not Talking, bidro alle tre medlemmene av Goon Sax til vokal- og instrumentkomposisjon, en avvik fra Harrison og Forsters primære låtskriving på Up To Anything. Live bytter de instrumenter, med Jones som av og til tar over gitaren og Forster som hopper på trommer, hvert medlem er en del av en maskin som kontinuerlig jobber, stadig forberedt på innvirkning.

“Vi forventer det verste hele tiden,” spøker Forster.

“Kanskje flyet ikke krasjer helt ennå,” svarer Jones, “men det føles som om det kan krasje.”

VMP: Hvordan endret dynamikken i låtskrivingen seg på We’re Not Talking?

Louis Forster: Jeg mener vi bestemte oss ikke bevisst for at vi skulle jobbe annerledes. Det skjedde mer eller mindre slik at Riley ble mer komfortabel med å synge. På den første platen skrev jeg flere sanger enn James, og denne gangen skriver James mange sanger veldig raskt. Vi har alle mer innspill på hverandres sanger.

Hvordan fungerer kritikkprosessen når dere redigerer hverandres arbeid?

Riley Jones: Vi kritiserte ikke hverandre særlig. Jeg tror jeg aldri følte behovet for det. Vi var litt som, “Ja, helt rett. Vi har en annen sang. Kult,” noe som er heldig.

LF: Jeg tror ikke det var slik, “Jeg liker denne sangen, men endre teksten og ta ut dette, så blir det bra.” Jeg tror ikke slike ting noen gang skjer. Det handlet om å ha mer innspill på strukturen til hverandres sanger mens vi øvde, at ting ikke var så konkrete med en gang når vi begynte å spille en sang, og at de endret seg mye. Noen av [sangene] spilte vi i to år før vi spilte dem inn. Over tid var de sannsynligvis ganske uigenkjennelige fra den opprinnelige tilstanden.

Det er alltid morsomt å kartlegge utviklingen av visse sanger: Jeg hadde denne følelsen en gang, nå er det en helt annen levende ting.

RJ: Det er rart hvordan det blir til en egen ting så raskt.

LF: Så, når du spiller det inn, føler du at det på en måte holdes i en permanent tilstand, noe jeg hater. Noen ganger mener jeg at musikk ikke burde spilles inn fordi det fortsetter å endre seg etterpå. Alle sangene endrer seg fortsatt for meg fordi vi spiller dem annerledes, spiller dem raskere eller saktere eller med forskjellige folk som synger. Å spille inn noe gir det nesten en falsk permanent tilstand.

RJ: Men det er bare en plate. Bare en registrering av hvordan det hørtes ut.

Men noen kan åpne Spotify og det er den eneste konteksten de har for sangene i motsetning til noen som ser deg spille live mye.

LF: Jeg tror det er hvis du spiller det annerledes enn måten det er spilt inn på, ser det ut som du har endret det.

NPR nevnte noe interessant da de skrev at mange sanger mangler oppriktighet når det gjelder kjærlighet. Tror du at dere har den oppriktigheten? Hva skal til for virkelig å være oppriktig i musikk?

LF: Jeg mener det er oppriktig. Det er morsomt å tenke tilbake på disse sangene nå som vi har spilt dem inn, og skrev dem for en stund siden. Jeg er helt sikker på at hver eneste ting vi sa er oppriktig og sann. Det er absolutt noe jeg ikke kan [finne] feil med.

Hvilke øyeblikk inspirerer deg til å skrive?

LF: Jeg føler ofte at jeg ikke nødvendigvis skriver om ting mens de skjer. Jeg skriver alltid om ting som har skjedd et stykke tid senere. Det er bare hendelser og følelser som blir redigert ned i teksten. Observasjoner. Det var en sang jeg skrev for å prøve å huske hvor jeg vokste opp før jeg flyttet bort fordi jeg ville spesielt huske det. Det var nesten en mental notis.

Hvilken sang var det?

LF: Noen deler av “Strange Light.” Riley skrev mange av de tekstene også. Den hadde opprinnelig en hel haug med andre tekster, men det var den opprinnelige hensikten med de sangene.

Hvor mye spiller tid og sted inn i hvordan du skriver tekster?

James Harrison: Kanskje tid og sted spiller en stor rolle fordi når jeg skriver, har noe skjedd og så går jeg hjem og kanskje jeg tar meg et glass. Jeg liker mange band fra Brisbane og noen av dem får musikken min til å høres ut som andre band fra Brisbane.

LF: Jeg synes denne platen er veldig tid og sted for meg. Brisbane i 2015, 2016, tidlig 2017. Jeg tenker veldig mye i forhold til år.

Hva skjedde i livene deres i Brisbane i 2015?

LF: Jeg var i 11. klasse, Riley og James ville ha vært i 12. klasse. Det var en ganske emosjonelt forvirrende tid. For meg handlet det om å være forelsket for første gang og bli så overveldet av det.

JH: Jeg var i 12. klasse og det var forvirrende og litt forelsket.

LF: For meg handler denne platen mye om angst. Den forrige platen, den første, husker jeg at jeg tenkte den hørtes veldig deprimert ut, og denne høres mer angstfylt ut enn deprimert.

Dere går gjennom alle følelsene.

JH: Jeg tror angst er en stor del av det.

LF: Du må fokusere på noe bestemt. For øyeblikket skriver jeg for det meste om frykt og [når] du endrer emner eller motivasjoner, hvilke følelser blir til skriving? Du føler fortsatt alle de andre tingene, men hvilket punkt i tankene dine går over i en sang?

Selv måten platen ble til, sonisk, er litt mer oppløftende. Det oversettes til en mer angstfylt lyd.

RJ: Det er raskt, og jeg tenkte bare på rytmer og prøvde å gjøre rytmene mer interessante på denne. Jeg håper vår neste plate ikke vil høres ut som angst.

Hva håper du den høres ut som?

RJ: Bare litt mer kosmisk.

JH: Å være kosmisk ville vært mye bedre.

RJ: Hvem vet om det er mulig å lage noe som et produkt av negativitet eller angst. Det er kanskje ikke mulig. Kanskje det er mulig, men vi vil ikke like det.

Fordi det er denne oppfatningen om at fra smerte kommer stor kunst.

RJ: Det kan komme fra tidlige bluesmusikere som skriver den mest smertefulle, hjerteskjærende, vakre musikken. Kanskje vi må bli mer smertefulle eller noe. Kanskje det ikke er nok.

JH: Jeg tror ikke det er nok.

LF: Jeg tror sanger også kan komme fra å føle seg veldig bra. Mye god musikk kommer fra å føle seg flott. Kanskje det er mer en idé som kommer fra smerte fordi ofte når folk føler seg virkelig bra, er de for opptatt med det til å ville skrive om det.

Får skrivingen deg noe nærmere klarhet om tingene du skriver om?

LF: Til en viss grad. Noen ganger gjør den ikke det i det hele tatt. Det gjør det nesten mer forvirrende og frustrerende, fordi musikk og hva du gjør med det er begrenset. Det er vanskelig å forvandle noe til et par lyder og ord.

RJ: Jeg tror med denne platen tenkte vi at vi kunne gjøre det. For meg så det ut som vi kunne gjøre det ved å være så ærlige som mulig. Vi hørte så mye musikk som ikke føltes ærlig og virkelig verdsatt når det var det. Jeg vet ikke om jeg ville hatt samme tilnærming nå. Absolutt vil jeg alltid være ærlig, men jeg vil også være mer leken med det.

LF: Jeg tror du begynner å innse, bare ved å formulere ting akkurat slik de skjedde ikke vil gi folk følelsen de hadde. Det var en merkelig ting for meg å innse. Du kan ikke kommunisere de tingene.