Musikk i filmer og plassen de bidrar til å representere

Det er en esoterisk følelse å kjøre ned en tom motorvei med vinduene nede mens lukten av skumring lurer seg inn i bilen din og solen går ned ved siden av deg, eller å sitte på en sommerdag på en grønn plen og observere omgivelsene dine, alt mens du lytter til en sang som får stemningen til å føles heldig. Det finnes filmer som lykkes med å formidle disse meditative øyeblikkene på skjermen, som får dem til å føles håndgripelige. De bruker ofte lange opptak og dimensjonalitet som gir oss muligheten til å nyte fargene, komposisjonen, belysningen og lydene. Når disse filmene har musikk eller lydspor som stemmer overens med rommet vist i komposisjonen, vekkes alle fem sansene ved å fokusere på bare to, og det er da vi glemmer at vi sitter i et mørkt rom fullt av fremmede og begynner å utforske deres verdener.

Spatialisme, en kunstbevegelse grunnlagt av kunstneren Lucio Fontana, søkte å syntetisere farge, lyd, rom, bevegelse og tid til en ny type kunst. Fontana sa: "Jeg vil ikke lage et maleri; jeg vil åpne opp rom, skape en ny dimensjon, knytte kosmos til, som utvider seg endeløst utover det begrensende planet i bildet." Noen kunstnere kan bare forsøke å syntetisere alt dette til ett utenfor kinoen. Likevel er det ingen større følelse enn å bli helt oppslukt av en god film.

De følgende filmene utnytter rommet ved å harmonisere musikk og bilde for å trekke oss dypere inn i deres fortelling. I Robert Irwins bok, A Conditional Art, sier han: "Hver dag opplever jeg en rekke ting som overgår all kunst jeg har kjent. De er ikke bundet til noe spesielt vesen, og noen ganger – faktisk, oftest – varer de bare et øyeblikk. Deres fortsettelse ligger i det faktum at på et annet tidspunkt vil jeg oppleve noe lignende. Hver av disse oppfattende fenomenene er ikke laget av én ting, men snarere en komplisert overlapp, interaktiv helhet – noen ganger de konvergerende delene av mange separate helheter." Disse filmene bruker et musikalsk lydspor for å minne oss om kortvarige, vakre øyeblikk.

Paris, Texas

"Gleden ved å kombinere musikk og bilder motiverte meg virkelig til å fortsette mer med fortellerprosessen," sa regissør Wim Wenders. Wenders perfeksjonerte denne kombinasjonen i sin film fra 1984, Paris, Texas. Filmen åpner med de vidstrakte sandtonene og de blå himlene i ørkenene i Texas, med hovedpersonen Travis, som vandrer i en rød baseballcap helt alene med en gallon vann. Med den åpne landskapen følger "Paris, Texas" av Ry Cooder, en minimalistisk blues-slide-gitarlåt. Hvert notat er spredt ut, vibrerer gjennom rommet mellom og resonerer gjennom landskapet vi ser, og ekkoer Travis' ensomhet. Både Cooder og Wenders gjør det klart at vi ikke er her for å flykte fra virkeligheten av vårt daglige liv og følelser, men snarere for å dykke inn.

De første 26 minuttene av filmen forblir Travis stille; den hjerterivende gitarmusikken som parer seg med Harry Dean Stantons ansikt forteller oss sin egen historie. Gjennom filmen er det en overflod av stillhet. Bluesgitaren kommer sakte inn når stemningen føles riktig, går ubemerket hen mens den trekker oss dypere for å oppleve Travis' følelser mens han er tapt og søker etter noe han ikke helt vet at han ser etter. Bildene er fylt med blått og rødt i tomme vestlige landskap, ekkoer musikkens følelse av tap og frustrasjon.

Kvinne i sanddynene

En annen film som innhyller deg i frustrasjon, er den japanske regissøren Hiroshi Teshigaharas eksistensielle filmfortelling av Sisyfos-myten, Kvinne i sanddynene, med musikk av den japanske komponisten Toru Takemitsu. Niki, en entomolog, finner seg selv fanget med en kvinne inne i et gigantisk hull i sanddynene i Japan etter at han ble tilbudt et sted å overnatte av noen landsbyboere som ledet ham ned med en rebstige. Kvinnen gir ham mat, deretter begynner hun å grave ut sand etter å ha hatt en vennlig samtale. Hun graver, fyller opp sandsekker og sender dem opp til landsbyboerne til daggry.

Neste morgen våkner han for å finne at stigen plutselig er borte, og en skrikende akkord treffer. Forsøk på å klatre opp sanden bringer bare med seg mer. Musikken får rommet karakteren befinner seg i til å føles mye trangere og legger vekten av behovet for å rømme over på seeren.

Mesteparten av de to og en halv timene av filmen er stille; musikken spiller bare kanskje en samlet 20 minutter. Hver gang sanden uforutsigbart faller ned med vakre nærteksturerte opptak av lagdelt sand, spiller musikken og de forvrengte lydene av droner, strykere, fløyter og harper lag på lag og komplementerer bildene, som skaper en oppbygging av spenning.

Call Me By Your Name

Rom representerer så mye mer enn bare en plassering i alle Luca Guadagninos filmer — det er spesielt tydelig i "Call Me By Your Name": rommet mellom karakterene, rommet de befinner seg i, rommet de trenger og rommet vi får som seere. Filmen plasserer oss i en norditaliensk landskap der vi er vitne til den hemmelige romansen mellom Oliver og Elio. Vi kan ikke snakke. Vi kan ikke dømme. Vi kan bare sitte og sette pris på følelsen av å bli forelsket i en annen.

"Jeg tror rommet er en karakter i filmen min. Enten det er Italia eller et annet sted. Jeg prøver å sørge for at dere som publikum kan oppleve reisen til en karakter i hans fysiske tilstedeværelse, ikke bare i følelsesmessig reise. Hvordan kan du forstå noen hvis du ikke kan sette figuren i sammenheng med landskapet?" Guadagnino har sagt. Musikk av Sufjan Stevens er også en tilleggsfigur i filmen. Det legger vekten av de følelsene Elio opplevde gjennom sommeren på publikum i den siste scenen av filmen der Elio gråter foran peisen. Timothée Chalamet lyttet til Stevens' "Visions of Gideon" gjennom en ørepropp mens scenen ble filmet.

Den melankolske musikken er en stor del av representasjonen av rommet vi ser mellom Oliver og Elio gjennom kameraets komposisjon. "Senere," sier Oliver når han sykler av gårde, etterlater Elio alene etter å ha gitt ham en omvisning i Crema. På det tidspunktet hører vi Andre Laplantes "Une Barque Sur L’océan fra Miroirs" for første gang; fra nå av spiller den hver gang de er atskilt mens vi lengter etter å se Oliver og Elio sammen. De flytende notene fyller avstanden og skaper et subtilt ønske om Oliver inne i publikum.

Musikken i "Call Me By Your Name" forsterker følelsen av å plukke en moden fersken og bite i den, av å se brisen treffe bladene på et tre, av å hoppe i en kald elv midt på natten, alt mens man forelsker seg. Når livet føles spennende og tiden føles irrelevant.

Det finnes fortsatt så mange flere filmer der ute som vi kunne snakke om som inneholder komponister som Brian Eno, Ryuichi Sakamoto og Angelo Badalamenti, som har skapt partitur som beviser at kino har kraften til å ta to sanser og aktivere alle fem. Som Sakamoto har sagt: "Hvorfor vil jeg spille mye langsommere enn før? Fordi jeg ville høre resonansen. Jeg vil ha færre noter og mer rom. Rom, ikke stillhet. Rom er resonant, ringer fortsatt. Jeg vil nyte den resonansen, høre den vokse, deretter kan den neste lyden, og den neste tonen eller harmonien komme. Det er akkurat det jeg vil."