Margo Price kan ikke boxes inn

Ikke at ting nødvendigvis var så bra tidligere i år da Price's tredje album, That’s How Rumors Get Started, først ble annonsert. Men i tiden mellom da og nå ble ting fra dårlig til verre. Selvsagt så vi ikke noe av dette komme: ikke tornadoen som ødela Price's nåværende hjemby Nashville, ikke viruset som drepte John Prine og satte Price’s egen ektemann, Jeremy Ivey, på sidelinjen, ikke den nåværende rasemessige oppgjøret i Amerika.

Det er midt i dette kaoset at Price slipper sin lenge etterlengtede oppfølger til 2017’s All American Made, en som utvider hennes musikalske palett enda lenger for å inkludere forvrengte gitarer, trommemaskin flourishes og sjelfulle bakgrunnskor. En skinnende lys fristed som forbinder country, klassisk rock og blues, det er både en tidskapsel — med nikk til velbrukte album fra likesom Fleetwood Mac, Tom Petty og Neil Young — og unikt aktuelt i sin eklektisme og Price's nøyaktige, no bullshit lyrisme.

Hvor Midwest Farmer’s Daughter fokuserte på Price's bakgrunnshistorie og All American Made talte til et land som for øyeblikket er i oppløsning, finner That’s How Rumors Get Started et sted i midten. Noter av selvbiografisk historiefortelling florerer, selv om de taler mer til den nære fortiden enn den fjerne, med spor som “Twinkle Twinkle,” “Gone to Stay,” og “Prisoner of the Highway” som fanger gledene, frustrasjonene og hjertesorgene ved å navigere verden som en suksessfull turnerende musiker i fremmarsj. Selv om den markant ikke er eksplisitt politisk, har albumet fortsatt sine subtile øyeblikk som minner lytteren om Price’s fryktløse forpliktelse til å tale sin sannhet, kritikk være fordømt. “Du kjenner meg ikke. Du eier meg ikke,” synger hun på lead-singelen “Stone Me,” like uavhengig som hun alltid har vært.

Fra våre respektive karantener snakket vi med Price om hennes mest ambisiøse album hittil, hennes nektelse å male seg inn i et hjørne, og å forsøke å skape i stadig skiftende krisetider.

Lyden og stemningen på dette albumet er en slik progresjon fra dine to første. Hva påvirket beslutningen om å utvide litt sonisk med dette albumet?

Jeg visste bare at jeg ikke ville fortsette å lage den samme platen om og om igjen. Jeg har spilt i rockeband før, og jeg visste at det var bare et tidsspørsmål før jeg ville gjøre noe annerledes enn bare, du vet, mer forankret i country. Og også har ikke countrymusikkindustrien akkurat vært den mest velkomne for kvinner eller minoriteter. Jeg vil gjerne ut av den lille tankegangen, vet du? Jeg elsker countrymusikk, men jeg elsker ikke organisasjonene som driver den.

Jeg tror en av tingene som trekker så mange lyttere til deg er at du ikke er redd for å roppe ut. De to første singlene du ga ut fra albumet, “Stone Me” og “Twinkle Twinkle” — du tar nyanserte, velfortjente skudd på industrinaturen og hvordan, selv når du blir vellykket, kan det fortsatt være urettferdig.

Ja, bare en annen sett av problemer. Jeg mener, jeg er virkelig takknemlig for min karriere, men det er mange hindringer som folk forventer at du skal hoppe gjennom og forventninger og mange ting som jeg personlig ikke er villig til å inngå kompromisser på eller gjøre. Det har vært bra i mange henseender, men i andre veier er jeg bare klar til å utvide meg musikalsk, også. Jeg vil utforske andre sjangere — og jeg har alltid gjort det. I løpet av de siste 15, 20 årene med å spille gitar, og enda lenger å spille piano, har jeg hatt en kjærlighet for alle forskjellige typer musikk og folkemusikk og blues og soulmusikk...gospel og punk rock og bare klassisk rock and roll. Jeg tror du ikke kan være vel afrundet hvis du holder deg til en ting om og om igjen.

Albumet minner meg om Tom Petty og the Heartbreakers’ Southern Accents på en måte — det er en tråd av lyden din gjennom det, men det er så eklektisk. Det er noen country-lenende sanger, klassiske rockespor, soul, new wave...Ønsket du bevisst at dette albumet ikke bare skulle være mer rock-tungt, men mer velafrundet totalt sett i å inkorporere dine forskjellige påvirkninger?

Jeg ønsket å male en annen palett, helt sikkert. Jeg hadde gjort de to siste albumene med pedal steel og fioliner og mandolin og dobro. Jeg ønsket å gjøre mer som organ- og pianodrevne ting, og det er noen synther der. Det er en trommemaskin på en sang — det er organiske trommer på den også — men på “Heartless Mind,” er det første gang jeg inkorporerte trommemaskiner.

Jeg ønsket å endre før spillet endres. Du ser disse sjangrene som blir veldig populære — jeg sammenligner det litt med Alabama Shakes og soul-eksplosjonen som skjedde i deres tid der alle slags jagde den lyden og folk ønsket å signere band som var som dem og det ble litt trendy å gjøre det — som, til og med hvite mennesker gjør blåøyet soul. Men etter en stund er det noe annet som blir i stil. Jeg tror det er viktig å utvide, og jeg trengte det mentalt. Jeg trengte å ta et skritt tilbake og skrive annerledes. Jeg hadde gjort mye selvbiografisk historiefortelling, så det var godt å bli litt mer abstrakt. Noe av det, selvfølgelig, er basert på mine personlige opplevelser, men jeg tror ikke det er like lett å alltid fortelle nøyaktig hva jeg snakker om på dette albumet.

I tillegg til mer abstrakt historiefortelling, er det mange sanger som er mer umiddelbare enn dine tidligere album, dokumenterer og tar lager av måtene livet ditt har endret seg de siste årene. Har du en preferanse mellom å skrive om ting mens de skjer eller å skrive om den fjerne fortiden når du har mer plass mellom deg selv og emnet?

Det hjelper virkelig å ha plass og refleksjon i det du gjør. Som, “Letting Me Down” ble på en måte skrevet til en gammel high school-venn av meg, og min ektemann skrev et vers til en gammel high school-venn av hans. Det var noe jeg ikke hadde tenkt på en stund, men det var veldig terapeutisk. Jeg finner meg selv nå, når jeg sitter ned for å skrive i denne vanvittige tiden i historien - det er vanskelig å vite hva som kommer til å skje. Dag til dag endres ting så raskt og du vet virkelig ikke hvordan det kommer til å ende. Så, det er litt vanskelig å skrive om noe når du er rett i det øyeblikket. Tre dager vil gå og noen nyheter rett ut av det blå treffer og hva du skrev er ikke engang relevant lenger.

Du hadde et utrolig backingband på dette albumet — Benmont Tench, James Gadson, Matt Sweeney, Nashville Friends Gospel Choir, for å nevne noen. Hvordan var prosessen med å spille inn, og hvordan påvirket de retningen sangene dine tok mens dere alle spilte inn?

Jeg hadde så mye moro med å spille med Matt Sweeney og, selvsagt, er James Gadson en ren legende, tilbake til Aretha Franklin og Bill Withers, og han spilte med D'Angelo. Han var bare så profesjonell og så positiv og morsom å jobbe med. Han satt bare bak trommesettet og reiste seg ikke med mindre vi skulle spise lunsj. Han var tilbake der, forpliktet, kjøre toget.

Og det var virkelig morsomt å være i et rom på East-West Studio fordi det føltes som vi bare spilte i et lite rom sammen. Jeg følte at alt bare limte seg, selv om de ikke hadde hørt sangene før — jeg sendte dem ikke mange demoer eller noe sånt. Vi gjorde litt pre-produksjon og det var et par ting, men for det meste ville jeg bare sitte ned med en akustisk gitar i kontrollrommet og spille det, og så ville jeg si, “Denne sangen vil jeg ha som en Springsteen-stemning.” Eller, “Denne sangen vil jeg ha som en Fleetwood Mac-vibb eller Neil Young” — hva det enn var. Så ville de bare helt spikre det. Det var virkelig uanstrengt, og innspillingsprosessen var naturlig.

Det er sanger på albumet som virker som hyllester til disse klassiske bandene. “Stone Me” føles som Tom Petty’s “Won’t Back Down;” “Prisoner of the Highway” føles som en oppdatering av Trio’s “Wildflowers” — alt gjennom ditt eget linsen. Gikk du inn i noen spor med den hensikten å referere til andre artister, eller skrev du bare og oppdaget at de tok på seg lignende former?

Jeg vil vanligvis skrive ned tre eller fire referansespor. Jeg vil ikke bare ta en sang og rive den — selv om, godt øre på “Stone Me” og “Won’t Back Down.” Den, faktisk, jeg spilte mer kraftig med bandet mitt og så kom den ut litt mer dempet og jeg var som, “Jeg vet ikke...” De fleste sporene ble som jeg hadde forestilt meg, men noen av dem kom veldig annerledes ut. “Heartless Mind” — jeg trodde det bare skulle ha en rett, gitar-drevet Heartbreakers-vibe. Når vi fikk alt på det, var jeg som, “Åh, dette er som Blondie eller The Pretenders.” Det var så ikke hva jeg hadde forventet, men jeg elsket det virkelig, virkelig.

Men, ja, jeg ville bare tenke på noen få bare som en referanse for dem om hva jeg gikk for. Jeg følte det var nyttig å gi noen slags som, “Ok, dette er hva jeg vil at du skal høres ut som.” Jeg håper at jeg ikke er for avledet. Det var en god ting, også, ved å ha Sturgill og Bryan David R. Ferguson, for å si dette høres litt for mye ut som dette og vi ville endre ting, bare for å sikre at ingenting var for mye av en tilbakekalling eller for avledet.

Du har spilt med Sturgill før, men hvordan var det å ha ham produsere albumet?

Det var flott. Jeg hadde noen bekymringer som gikk inn i det. Jeg visste ikke om det ville ødelegge vårt vennskap fordi jeg kan være ganske opinionert og jeg har en veldig klar visjon for hva jeg vil gjøre. Men Sturgill fortsatte bare å si, “La meg gjøre ett album av ditt. Jeg lover at det vil være det beste ting. Det vil være det beste lydende tingen du noensinne har gjort.” Han var bare så ivrig etter å gjøre det, og han var flott å jobbe med i studioet. Han brakte inn David R. Ferguson, en ingeniør som var gode venner med Johnny Cash og Jack Clement. Vi hadde alle en flott tid, bare å skyte skitten og le og spise mye mat, for jeg var gravid. Det var virkelig godt å komme inn i rommet og bare gi litt, gi dem tøylene, på en måte, for å si, “Hei, hva om vi skrev en liten bro her?” eller, “Trenger du åtte vers til denne sangen?” Og noen ganger er svaret ja, men noen ganger var jeg som, “Ok, jeg antar vi kan gjøre det litt mer konsist.”

Du har snakket litt før om hvordan innspillingsprosessen mens gravid var en så annen opplevelse, spesielt i forstand av å ha en veldig klar visjon.

Jeg hadde definitivt ikke forventet å bli gravid. Det var som rett da vi hadde samtaler om å gå inn. Vi hadde snakket om innspilling en stund, men så snart jeg virkelig tok beslutningen om å gå inn der og starte alt, det var da jeg fant ut at min ektemann og jeg ventet. Jeg hadde vært edru i et par måneder bare fordi jeg ville; min ektemann fylte 40 og vi var som, “Du vet hva, vi skal ta en pause og bare bli virkelig klare i hodet for en stund.” Så jeg hadde vært edru i to måneder, og så fant jeg ut at jeg var gravid. Jeg hadde allerede slags dette veldig klare nye tingen på gang. Og så, selvsagt, graviditeten bare virkelig forsterket det.

Jeg føler at det er en stor forbindelse mellom den kreative prosessen med å spille inn et album og bære et barn. Prosessen tar så lang tid, det starter smått og så vokser alt og bygger det og det blir ditt mesterverk når det er ferdig, forhåpentligvis. Det var flott. Jeg hadde ingen problemer med å synge. Selvsagt, på slutten, når jeg var over ni måneder gravid, da hadde jeg litt problemer med å få et godt pust, men jeg hadde ingenting annet enn tid. Vi arbeidet bare med dette. Det var bare ingen tidsfrist, og jeg følte at jeg kunne få alt perfekt. Det er slags som redebygging, også, være ganske spesifikk om miksene og alt det der.

Musikken din har alltid vært politisk, spesielt i innramming måtene personlig er politisk. Med tilstanden i verden slik den er nå, hvor ser du rollen av kunst og musikk som et middel til å gjøre endringer for det bedre, eller i det minste som et tilfluktssted for mennesker?

Jeg har definitivt lyttet til mye musikk selv, så jeg kan relatere som en lytter og som en musikkelsker at det virkelig letter stress i virkelig usikre tider. Det blir vanskelig å tenke på hvordan jeg må dele og promotere denne platen akkurat nå når det er så mange andre ting å snakke om. Men samtidig vet jeg at flere mennesker lytter til musikk nå enn de har på veldig lang tid. Jeg tror vi ikke har hatt plass til å gjøre det. Du vet, alle var så distrahert, levde i denne 15-minutters verdenen. Det er godt å vite at kunsten hjelper mennesker. Jeg håper bare at folk innser at kunstnere trenger deres hjelp nå fordi det er vanskelig å tjene til livsopphold når alle kan se mediene dine gratis. Det tar mye penger, og vi må ta vare på våre kunstnere i denne dagen og alderen, for sikkert.

Foto av Bobbi Rich