Arlo McKinley omfavner 'Dette rotet vi er i'

Produsert av Matt Ross-Spang (Margo Price, Jason Isbell) og innspilt i det legendariske Sam Phillips Recording Studio i Memphis, This Mess We’re In finner McKinley utvide lyden han skapte på Die Midwestern, og gjør sangene mer fyldige med strykere, tangenter og orkestrale innslag. Tematisk håndterer LP-en sorg, depresjon og rotete menneskelige relasjoner, emner som særlig bør resonere med lytterne etter de turbulente årene vi har hatt de siste to og et halvt årene.

Nedenfor får du VMP til å ta en prat med McKinley om hvordan melodier kommer til ham, tiden han tilbrakte på Sam Phillips og hva det betyr å være en del av John Prines musikalske arv.

Dette intervjuet har blitt komprimert og redigert for klarhet.

VMP: Du har måttet vente litt før du får ut dette albumet. Hvordan føler du deg nå som det bare er en uke til lytterne hører det komplette prosjektet?

Arlo McKinley: Jeg har holdt på med det i nesten nøyaktig et år. [15. juli] er omtrent tiden vi avsluttet innspillingen. Jeg har levd med det en stund og måtte faktisk slutte å høre på det en periode fordi jeg tenkte: "Jeg kommer til å høre dette mye." Jeg er spent. Jeg er spent på at det endelig, endelig skal komme ut til verden. Jeg er superstolt av denne platen.

Når begynte du først å skrive sanger til albumet? Det er en sterk tematisk forbindelse mellom mange av dem — var det en sang eller idé som hjalp til med å etablere disse forbindelsene?

Kort etter at Die Midwestern kom ut [i 2020], satt jeg rundt og skrev ting, bare tullende med ideer. "Stealing Dark from the Night Sky" kom først. Så "Rushintherug," da jeg skrev den, tror jeg jeg innså at jeg skrev et album. Det var øyeblikket, selv om jeg hadde skrevet noen av de andre mellom de to. Jeg tenkte at alle sangene på en eller annen måte var koblet sammen. Jeg visste ganske raskt fordi jeg alltid skriver, på en måte. Noen ideer fester seg; noen gjør det ikke. Men det hadde aldri vært slik før, hvor alle sangene jeg skrev virket som om de var en del av et lite narrativ. De er alle litt sammenkoblet, noe som jeg tror kom fra å se tilbake på hele COVID-opplevelsen og den tunge nedstengningen og alt det der.

De forbindelsene du fant, jobbet du bevisst mot å utvide dem? Eller var det mer et naturlig biprodukt av det som var i tankene dine mens du skrev?

Jeg tror det skjedde organisk, virkelig. Noen av sangene der — som "Bag of Pills" fra Die Midwestern var over 15 år gammel — jeg gikk tilbake til, for jeg har en liste over sanger jeg har skrevet som sannsynligvis er 40-something sanger som jeg vil prøve å gå tilbake til litt bevisst. Jeg tror, mer når det gjelder å gå tilbake til de gamle sangene, så var det å finne sanger som ville passe litt til lyden og narrativet av hele greia. Men når jeg skrev, tror jeg de bare koblet seg sammen på en organisk måte. Sangene "Stealing Dark [from the Night Sky]" og "Rushintherug" og "To Die For," og sånt, er alle nye, og så gikk jeg tilbake og ryddet opp i "Back Home" og "Dancing Days," som er eldre sanger som på en eller annen måte så ut til å passe med albumet.

“Rushintherug” er en av favorittsporene mine. Jeg ble virkelig tatt med av melodien. Det er noe som stakk seg ut over hele platen — du bruker melodi på en så emosjonell måte. Hvordan spiller melodisk skriving inn i din låtskrivingsprosess?

Det er en veldig stor faktor. Det er vanligvis slik jeg ender opp med å skrive. Jeg har aldri vært en som kan sette seg ned og si: "Jeg skal skrive en sang i dag." Den prosessen har aldri virkelig fungert. Jeg prøver å ikke tvinge noe, og det meste av det jeg skriver kommer fra en melodi eller noe jeg kom opp med i hodet, mens jeg kjører eller bare sitter rundt. Det var det som skjedde med refrenget i den sangen, så det er der den sangen startet. Jeg hørte melodien til det refrenget i hodet mitt og tenkte: "Åh, faktisk, det er ganske catchy. Så jeg skriver en sang rundt dette." Det er viktig for meg å skrive catchy ting. Melodi, det er det jeg får mest ut av musikk, pene melodier og sånt. Med dette albumet generelt, tror jeg den sangen satte tonen for hvordan det ville høres ut: strykere, med mye tangenter og orgler. Jeg ville bare lage et vakkert album.

Tekstene dine er også så rike på bildebruk. Som på “Back Home,” linjen, “Denne byen er en symfoni som aldri ser ut til å være i tone,” er så spesifikk og tankevekkende. Hvordan finpusset du en så livlig låtskriverstemme?

Det er fortsatt et mysterium for meg. Jeg vet ikke hvor det kommer fra. Jeg begynte virkelig ikke med låtskriving før jeg var i slutten av 20-årene, tidlig i 30-årene. Jeg blir 43 i år. Jeg har alltid vært sanger, bare sunget harmonier i band og sånt. Og jeg vet virkelig ikke hvor skrivingen kom fra. Jeg skriver bare om meg selv og mitt liv og situasjoner jeg gjennomgår. Den linjen er bare sånn: "Jeg vet ikke, alt rundt meg beveger seg, men ingenting ser ut til å være på plass." Når jeg tenker på det nå, synes jeg det er rart at jeg sitter og gjør disse tingene. Det har ikke alltid vært der. Og det var noe som tok meg lang tid å bli trygg på.

Tittelsangen stakk seg også ut for meg, både for vokalen din og for budskapet, som ser ut til å være noe folk vil resonere med etter å ha vært gjennom de siste to årene. Hva fikk den sangen til å føles representativ for hele albumet?

I løpet av de siste årene har jeg innsett hvor viktige relasjoner og vennskap virkelig er. Jeg var ikke alltid klar over hvor mye jeg trengte visse mennesker i livet mitt før jeg ble tvunget — før vi alle ble tvunget — til å gå uten å ha disse menneskene i livene våre på daglig basis, og å være alene en liten stund. Og jeg tenkte at tittelen “This Mess We’re In” bare var passende for tiden. Den er mer passende nå enn den var da jeg kom på den. Verden er i en merkelig situasjon.

Ja, det ser ut til å bli mer passende for hver dag, dessverre.

Det er saken, ja. Det er uheldig at det ser ut som om det finnes "sider" og sånt. Jeg vet ikke, det er bare sprøtt hvordan folk holder seg [borte] fra hverandre på grunn av politiske eller religiøse overbevisninger. Og det er en ting som musikk alltid har gjort, for meg i hvert fall, som å spille konserter eller lytte til musikk — det er et avbrekk fra alt det der for et minutt, i det minste håper jeg. Det er det jeg håper å tilby.

Jeg leste et sitat fra deg som sa at det å lage dette albumet ga deg "et indre kompass" for å navigere vanskelige tap du opplevde. Kan du si litt mer om hva det betyr for deg?

Det var rett før Die Midwestern kom ut. En av de beste vennene mine døde av en overdose, og kort tid etter døde moren min. Jeg tror disse sangene bare var det jeg gikk til, for å prøve å komme meg gjennom en tid som allerede var hard, takle det når COVID først kom og alt det galskapen. Så kom disse to store tapene, for meg var det vanskelig å navigere gjennom det på noen annen måte. Det var nesten som filmen Groundhog Day. Hver dag våknet jeg opp og det var det samme om og om igjen, fordi vi ikke kunne dra på turné, vi kunne ikke spille konserter, jeg kunne ikke dra til New England for å se venner, kunne ikke gjøre noe sånt. Så jeg tror det er der mange av sangene kommer fra. Det er virkelig slik jeg kom meg gjennom det på den tiden og hvordan jeg fortsatt kommer meg gjennom ting som spiller en stor rolle i livet mitt.

Du fikk innspilt albumet med Matt Ross-Spang i Sam Phillips Recording Studio i Memphis. Hvordan var den opplevelsen?

Det var fantastisk. Å jobbe med Matt, ser jeg ikke for meg at jeg jobber med en annen produsent med det første. Han ser bare ut til å forstå hva jeg prøver å gjøre uten at jeg trenger å si mye. Det var gøy. Det hadde nesten en mer avslappet følelse [enn Die Midwestern] for meg å lage. Det var alle sammen som bare fant det ut mens vi gikk, fordi Matt bare hadde noen akustiske demoer [av] sanger jeg hadde sendt ham, og bandet hadde ikke hørt dem ennå. Det var gøy å se sangene ta liv, å se disse gutta og jentene i bandet høre dem for første gang. Bare jeg som spilte gitar og så hva vi skapte ut av det var en morsom opplevelse. Og studioet er som en tidskapsel. De har ikke endret seg mye i det hele tatt. Tredje etasje i det bygget har fortsatt ikke blitt endret. Det er fortsatt Sam Phillips' kontor. De har ikke endret teppet. Det er en merkelig følelse å være der inne og vite at du står der mange andre store artister har vært. Du vil ikke forlate Sam Phillips med en dårlig plate.

Du er en av det som ser ut til å være et voksende antall country-artister som finner inspirasjon i sjangere som punk og metal. Hvordan ser du country krysse med disse sjangrene?

Jeg har to eldre brødre. Så, når jeg vokste opp, hørte jeg alltid på platene deres når de var hjemme. Og når de kom hjem og sparket meg ut av rommene deres, gikk jeg til rommet til pappa og hørte på hans countrygreier. Jeg tror jeg merket tidlig at det ikke er stor forskjell [mellom sjangrene], i hvert fall med formelen for å skrive sanger på en punk måte, som vanligvis er tre akkorder, et lite vers, refreng, vers, refreng. Slik skriver jeg fortsatt sanger. Knapt noen av sangene mine har et bridge eller noe sånt. Og de er bare direkte og rett på sak. Jeg lærte meg selv å spille gitar ved å høre på gammel Social Distortion, Back Flag og sånt. De bandene gjør egentlig det samme [som countrymusikk], bare gjør det mye raskere og høyere. Jeg kunne lett gjøre sangene på dette albumet til raske, høye sanger også. De er skrevet på samme måte.

Fanbasen din virker spesielt dedikert. Hva tror du det er med det du gjør som forbindes med folk på et så sterkt nivå?

Det er en annen ting som også er et mysterium for meg. Min formodning ville vært at jeg bare er ærlig og direkte og kanskje synger om ting mange kanskje ikke tar opp, som avhengighet, mental helse og depresjon. Jeg har snakket om dette med andre, men jeg tror jeg muligens viser folk at, du vet, du ikke er så gal som du kanskje tror du er. Det er en normal ting som ikke blir snakket om. Noen av e-postene og meldingene vi får er bare veldig tunge. Jeg fikk en melding fra en veteran fra Afghanistan som sa at han hadde vært der i to turnuser. Han sa at det eneste som ville bringe alle fred og roe ned alle om kvelden var å høre på platen min. Jeg vet ikke om jeg kan få en større kompliment enn det.

Du var den siste artisten John Prine signerte til sitt plateselskap, Oh Boy Records, før han gikk bort i 2020. På en måte vil karrieren din alltid ha en forbindelse til hans arv. Hva betyr det for deg?

Jeg ønsker alltid å sørge for at jeg representerer Oh Boy-etiketten så godt den fortjener å bli representert. Bare det å vite at jeg for alltid vil være den siste som signerte er noe som veier tungt på meg, på en god måte. Å i det hele tatt havne på hans radar på noe tidspunkt er fantastisk for meg. Jeg har ofte sagt at hvis dette alt sammen skulle ende i morgen og forsvinne — og jeg håper virkelig det ikke skjer — men hvis det gjorde, ville det være mer av en suksess enn noe jeg noen gang kunne ha forestilt meg at jeg ville ende opp med å se eller motta fra låtskriving.