Et intervju med Haruomi Hosono, Japan sin Brian Wilson

Hvordan føler du om å ha musikken din utgitt utenfor Japan? Har du noen gang hatt lyst til å bli vellykket i utlandet?

Haruomi Hosono: Vi lever i en tid hvor vi lett kan gå tilbake og gjenoppdage musikk fra fortiden, og jeg får personlig glede av å oppdage skjulte perler, i en arkeologisk forstand. Når det er sagt, overrasker det meg at det er interesse for mine egne album nå, samtidig som jeg vil si takk til de som ønsker å gi dem ut. Med Yellow Magic Orchestra på 80-tallet tenkte vi mer på det utenlandske markedet enn Japan. I tillegg følte vi at vi markedsførte oss mot det lille antallet spesifikke musikkelskere som eksisterte i hvert land. Det var den typen ambisjon vi hadde med YMO. Grunnen til dette er at frem til da, med soloalbumene mine, jobbet jeg på en svært isolert måte, og laget det jeg ønsket å lage. Musikken var ikke rettet utad; den var mer innad. Den typen musikk når ikke ut til så mange mennesker. Jeg følte at det ville vært vanskelig å fortsette å lage musikk på den måten; derfor satset jeg på teamet vi kalte YMO.

Hva fikk deg til å bestemme deg for å spille utenlands nå, etter alle disse årene?

Med disse showene føles det som jeg bare går med strømmen, som, "La oss se hva som skjer." Tidligere likte jeg ikke så godt å spille live, men siden for omtrent 10 år siden, av en eller annen grunn, har jeg spilt live jevnlig og jeg har faktisk begynt å nyte det. Men det er konflikten jeg kaller "musikk schizofreni" som baby boomers i Japan alltid blir plaget med — selv om musikken min blir forstått i Japan, føler jeg at det ikke nødvendigvis vil være tilfelle med vestlige publikum. Så det er vanskelig å bli for begeistret for å spille utenlands. Det sagt, da jeg spilte for første gang i Taiwan og Hong Kong i januar i år, ble jeg imponert over hvor mye de forstod av det jeg gjorde, mye mer enn jeg trodde de ville. Så nå føler jeg det ville vært greit å spille i Asia. Jeg vet ikke helt hva jeg kan forvente i London, så jeg er litt mer bekymret enn ikke. Ærlig talt, mer enn bare å spille utenlands, har jeg et ønske om å spille på en liten kafé et sted som Brooklyn. I stedet for å rope til et publikum av ukjent størrelse, foretrekker jeg å gjøre noe litt mer beskjeden og mindre i omfang.

Apryl Fool, Happy End, YMO, soloartist, sesjonsspiller, låtskriver, produsent — du har hatt mange roller som musiker. Hvilken liker du best? Hva er ditt favorittprosjekt av alle du har vært med på?

Jeg liker å være med i innspillingsøkter med folk jeg kommer godt overens med, slik det er på Muscle Shoals. Å være i et band er akkurat som en hvilken som helst plan eller et prosjekt, og det medfører anspente relasjoner og ansvar. Jeg har kunnet håndtere den typen stress tidligere, men jeg vil ikke ha mer av det nå. Og siden jeg har innsett at jeg ikke er så dyktig som jeg trodde, ønsker jeg ikke å overforlenge meg selv og prøve å gjøre noe bare for å gjøre det. Hvilken rolle passer jeg best for? Det ville vært å lytte til musikk. Hvis jeg kan legge til noe, så er det ikke bare å lytte til musikk, men også å skille mellom alle de forskjellige aspektene av musikk.

Du har en utrolig merittliste som låtskriver, ikke bare for egne plater, men også for andre artister. Men nylig har du sagt at i stedet for å skrive nye sanger, er det viktigere å covere andres sanger for å bevare dem. Hvorfor er det?

Det finnes like mange fantastiske sanger fra det 20. århundres vestlige kultur som det finnes stjerner. Jeg er glad for å lytte til de sangene dag etter dag. Selvfølgelig har jeg ikke blitt kvitt ønsket om å skrive nye sanger selv, men det er så mange klassiske sanger der ute i denne verden allerede, jeg tror det er viktigere å synge dem for å bevare dem. Folk i dag har en tendens til å glemme slike ting, så noen ganger føles det som musikk er en truet art. Nyansene, grooven, akustikken — det er allerede mange aspekter som har gått tapt.

Hvordan føler du om at andre artister coverer sangene dine?

Jeg vil selv bli utryddet en dag, så jeg ville vært takknemlig hvis det er noen som kan føre det videre.

Du har nevnt at du aldri likte å synge før nylig. Hvorfor tok det 50 år å komme til det punktet?

Fordi jeg ikke er god til å synge. Men for omtrent 10 år siden innså jeg at det er morsomt å synge sanger jeg liker.

Fra ung alder har du vært fascinert av amerikansk populærkultur, som countrymusikk, westernfilmer, popmusikk fra vestkysten. Hva førte deg ned den veien? Hadde det noe å gjøre med den okkuperte Japan-perioden?

Da jeg ble født to år etter krigens slutt, var det i hovedstaden i et beseiret land — Tokyo. GHQ-hovedkvarteret var der, og amerikaniseringen raste gjennom Japan. Men mye flott musikk og filmer kom som et resultat, og da jeg var rundt 4, lyttet jeg nonstop til boogie woogie-musikk på 78-plater. Det var mye militærmusikk og rokyoku, men jeg plukket alltid ut swing eller Disney-musikk for meg selv. På mine live-show i Japan mumler jeg alltid om hvordan GHQ hjernevasket meg til å spille boogie woogie.

Hva var dine første inntrykk av å komme til Amerika — var det annerledes enn du hadde forestilt deg? Hvordan føler du om Amerika i dag?

Vi spilte inn på det berømte Sunset Sound-studioet, gjorde en økt med Van Dyke Parks, observerte Little Feat spille inn Dixie Chicken — det var en viktig læringsopplevelse. Ellers kjøpte vi en mengde plater og spiste mye hashbrowns på Denny's. Jeg var 22 på den tiden. Hvorfor høres amerikanske plater så bra ut? Er det elektrisitet? Er det magnetfeltene? Det var de slags spørsmålene vi stilte hverandre hver dag. Den gangen føltes Amerika så langt unna Japan kulturelt, og jeg hadde en sterk beundring for det. Men ikke så mye nå. Det er det samme med Japan også. Jeg lurer på hva som endret seg så mye...

Du har omtalt Van Dyke Parks som "sensei." Hva har du lært som hans student? Hvilken slags Amerika oppdaget du fra å lytte til hans Discover America-album?

Det jeg lærte fra maestroen var metoden for å lage forskjellige farger av lyder lag på lag, og å lage musikk som en maler. Discover America lærte meg hvordan musikk i Amerika har blitt sterkt beriket av sin hybride kultur, og tar ledetråder fra karibisk eller kreolsk musikk, for eksempel.

Hvilken er en større musikalsk inspirasjon for deg: den imaginære verden sett gjennom linsen av Hollywood-filmer og eksotika som du har elsket siden ungdommen, eller den virkelige verden som du ser foran deg?

Å leve innenfor samfunnet er realiteten for mennesker — og det samfunnet kan hemme oss. Men relativt sett har vi fortsatt frihet i vår personlige tid. Når vi kjører bil, for eksempel, vil jeg gjerne tro at vi fortsatt har frihet til å dra hvor vi vil. Men selv da kan ikke biler hoppe over tid. Vårt hjerte, derimot, har evnen til å fly til kanten av universet. Det er inspirasjonens verden. Eksotika ga meg en følelse av frigjøring fra rammene av virkeligheten.

Det ser ut som om din "Tropical trilogy" og YMO som helhet var konseptuelle i den forstand at de utforsket hvordan Japan ble sett gjennom Østens øyne. Med andre ord, å snu skriptet på "orientalisme" og uttrykke det gjennom musikk fra et japansk perspektiv. Hvorfor var du interessert i den typen subversivt perspektiv?

I fortiden hadde hver lands musikk sin egen farge. Men på 80-tallet begynte musikk laget med synthesizere og programmering å dukke opp på bynivå, og Tokyo var ikke annerledes. Men informasjonssamfunnet har gjort disse individuelle bykjennetegnene praktisk talt meningsløse. Nå er det enten global musikk, eller en veldig personlig musikk laget gjennom innspilling hjemme. I YMO-tiden, i stedet for å se utenlands for inspirasjon, var det morsommere for oss å friske opp perspektivet vårt mot vårt eget hjem, Tokyo. Det er den samme typen spenning turister får når de besøker Tsukiji i Tokyo eller går inn i en pachinko-salong. Så det var annerledes enn orientalisme; det var en ambisjon mot kaos. Jeg tror folk har en tendens til å bli tiltrukket av kaos i orden, eller orden i kaos.

YMO har blitt beskrevet som lyden av Tokyo. Hvordan ville du beskrive Hosono-lyden?

Å jobbe med et band eller som produsent er likt å jobbe som et designteam. Men musikken jeg lager for meg selv er mer som arbeidet til en maler eller en skulptør. Jeg bruker instrumenter som en palett, og jeg legger lag på lag med lyd eller skraper dem bort. Så det er bare min egen personlige musikk.

Du har nevnt at du er tiltrukket av en blanding av forskjellige kulturer, slik som i musikken fra New Orleans. I den forstand, hva føler du om japansk kultur, som ikke virker så mangfoldig sammenlignet med noen av de store amerikanske byene?

På 1950-tallet ble det laget interessant musikk over hele verden, inkludert Japan. Det var en tid hvor all den flotte musikken [stilene] påvirket hverandre. I Japan var det en sterk mambo-påvirkning, og det ble til og med oppfunnet en ny rytme kalt "Dodompa." New Orleans-musikere ble påvirket av sanger som Ray Charles sin "What I’d Say," og de inkorporerte nye lyder i sine hjemmelagde stilarter. Hvor musikk blir født er alltid utilsiktet, glede-seeking, enkelt og greit, og det er aldri noen vanskeligheter.

Du har alltid hatt interesse for de nyeste teknologiene og inkorporert dem i musikken din. Er det fortsatt tilfelle nå? Hva føler du om de nyeste synthesizerne og programvareinstrumentene?

Dessverre har jeg blitt desillusjonert. På tidlig 2000-tall var PC-er fortsatt fleksible, og det var mange interessante plug-ins. Nå er systemene så strengt kontrollerte at verktøyene jeg har brukt begynner å dø med hver OS-oppdatering. Nå har vi høy-kvalitets lydfiler, og du kan til og med lage ekte lydene orkestre med dem. CG har hatt den samme typen utvikling. Men verktøyet jeg ønsker nå er den tidlige Emulatoren. Jeg brukte den til å lage albumet Philharmony, noe som ville vært umulig å gjøre nå. Jeg likte lavoppløsningslydene i de store floppy-diskene, men jeg har ikke utstyret til å dekode det lenger. Jeg har ikke energien i meg til å gjenopplive det. Men jeg er sikker på at det finnes lydfiler som det. Jeg vil se etter dem. Forresten, jeg har brukt gamle RCA-mikrofoner for nylige innspillinger. Men det blandes på 96khz. Inngangen er fra 40-tallet, og utgangen er den nyeste — slik er det.

Av alle instrumentene du har brukt til å lage musikk, hvilket er ditt favorittinstrument?

En akustisk gitar og en spansk gitar som jeg har brukt mye nylig. Den første er en Gibson "Nick Lucas" modell fra 1930-tallet. Den sistnevnte ble spesiallaget av en fantastisk gitarbygger i Tokyo, med en hals tilpasset mine hender og et lignende design som den berømte Arcangel-gitaren jeg elsker. Den har en vakker lyd. Åh, og jeg kan ikke glemme dette — jeg er primært en bassist. Jeg setter stor pris på min 1964 Fender Jazz Bass.

Hvordan føler du om å se tilbake på fortiden din?

Fortiden innhenter deg alltid. Men det er ikke bra å ha for mye interesse for seg selv. Det bør bli latt i fred.

Du har nevnt at å komme opp med bandnavn er en hobby for deg. Hva er navnet på ditt neste band? Har du noen gode bandnavn som du aldri har brukt?

Jeg har blitt lei av det. Jeg blir lei av de fleste ting. Men jeg noterer alltid ned ord som kan bli gode sangtitler. Og det kan være bra å danne et band. Med navnet mitt skjult. Vil jeg bli lei av det også?

Hva er ditt neste prosjekt?

Argh, jeg er ikke så god med tanken på prosjekter. Jeg har aldri vært i stand til å planlegge livet mitt. Det er mer av fortiden nå enn av fremtiden, så jeg kan ikke tenke for mye fremover. Hvis jeg kan skjule navnet mitt fra det, ville jeg lekt meg med en techno-enhet. Men jeg vil sannsynligvis ikke gjøre det. Hvem vet? Jeg er ikke helt sikker.

Utenom musikk, hva begeistrer deg for øyeblikket?

Teoretisk fysikk, som kvanteteori og superstrengteori, som spør oss hvor mye mennesker muligens kan vite om verden. Med andre ord føler jeg “Verdens ende” hver eneste dag. Som du vet, lever jeg her i Tokyo, skjer jordskjelv ofte.