Den tapte historien om Indias forhold til jazz

(bilde via Meridian)

1920-årene var en turbulent tid for fargede mennesker, og mer spesifikt, svarte mennesker i Amerika. De slet med å navigere i en verden preget av utbredt rasisme, og afroamerikanere kunne ikke føle seg velkomne eller trygge. Dette tiåret førte også til jazzens epoke— en tid preget av overdådighet, narkotikaforbud og nye penger. I løpet av denne epoken, og i senere år, ville ikoniske jazzmusikere som Louis Armstrong og Duke Ellington turnere verden rundt med sine backingband. Steder de opptrådte ville overraske deg; Afghanistan og India var voksende hotspots for en østlig jazzfan. Dessverre har opptak av Ellingtons opptreden i Afghanistan siden blitt ødelagt av Taliban, men restene av dens svigninger og kampånd er fortsatt tydelige.

India, i synnerhet, utviklet en spesiell forkjærlighet for jazz, og afroamerikanske turnemusikere følte seg velkomne i denne scenen. For å unnslippe den konstante forfølgelsen de opplevde i USA, bestemte svarte jazzmusikere seg for å gjøre India til sitt nye hjem, og dermed ble røttene til indisk og afroamerikansk musikalsk samarbeid født. Det beryktede luksushotellet Taj Mahal i Mumbai gikk til og med så langt som å be den svarte fiolinisten fra Minnesota, Leon Abbey, om å danne et ni-manns jazzband i 1935. Før dette hadde Abbey vært en sentralfigur i jazzscenen i Paris i seks måneder, og han etablerte det første helt svarte bandet som spilte jazz i India. De spilte for de elite publikumene i Mumbais overdådige og ekstravagante art-deco ballroom i Taj. Å se et jazzband opptre var et arrangement; enorme søyler prydet rommet og en roterende scene sørget for at Taj Mahal-hotellet var hjemmet til Mumbais mest sprudlende musikere.

Jazz fant også veien til India delvis på grunn av den kalde krigen. Russland og USA presenterte India for det de oppfattet som sin største kunst for å vinne deres lojalitet. Mens russerne sendte Kirov-balletten (nå kjent som Mariinsky-balletten) på en tvers-landsturné, var amerikanerne fast bestemt på å gjøre jazz til gjenstanden for Indias affeksjoner. Dave Brubeck var en av de første musikerne som ble valgt av CIA for å turnere, og som et resultat begynte han å jamme med mange lokale musikere. Dette førte igjen til at indere som kanskje ikke hadde utvidet seg utover sitt tradisjonelle komfortsone begynte å eksperimentere med en tolkning av et konsept de allerede var kjent med: improvisasjon. En av Brubecks favorittjammerne var Micky Correa, som gikk videre til en fruktbar karriere som varte i over 30 år. De afroamerikanske musikerne som fulgte på denne kvasi-politiske turen fulgte også etter, og deres innflytelse var merkbar i moderne indisk popkultur. Jazz nådde også India gjennom oppdagelse. Som en portugisisk koloni var romersk katolske goans spesielt mottakelige for jazz fordi de hadde en interesse for vestlig musikk og kultur. Ofte har goanske katolikker europeiske navn, og det var goanske musikere som viste seg å bli legender i Mumbais jazzscene, som Frank Fernand eller Anthony Gonsalves. Gonsalves ble et husstandsnavn per default på grunn av dette, han ble nevnt i 1977-komedien Amar Akbar Anthony i sangen “My Name Is Anthony Gonsalves.” Dette sier mye om den enorme innflytelsen disse jazzmusikerne hadde.

I India ble afroamerikanske jazzmusikere møtt med varme, velkomne og aksept; noe som var uvant i det de hadde kalt hjem. Og av de mange afroamerikanske jazzmusikerne som bosatte seg i India og samarbeidet med lokale musikere vokste indisk jazz. Et annet fast band for Taj Mahal Hotel var et samarbeid mellom svarte, indiske og hvite musikere; bandet var ledet av Teddy Weatherford på piano, og Cricket Smith på kornett, og så indisk jazz utvikle sin egen stil utover mer tradisjonell amerikansk jazz. Den klare ideen om sjangeren kan virke dikotomisk i starten, men gir mer mening og stemmer bedre overens når man vurderer og dechiffrerer dens komposisjonelle røtter. Klassisk indisk musikk er iboende improviserende, basert på friform-vokaler, komplementert av glitrende sitarer og sprudlende tablas. Jazzartister med indisk etnisitet tok improvisasjon—et konsept de var godt inne i—og anvendte det til pentatoniske skalaer i stedet for ragas (indiske skalaer), spilte på treblåseinstrumenter og messing i stedet for shehnai, og vestlig perkusjon i stedet for tabla og dhol. Denne sammensmeltingen av kulturer gjorde at indiske musikere kunne diversifisere og utvide sine musikalske inspirasjoner, men ga også karrierer til noen av de mest ikoniske indiske musikerne i historien.

Den indiske jazzscenen har dessverre for det meste vært glemt i India til tross for at den er en integrert del av dens aura. Omfanget av jazzens gjennomtrengning viser hvor mye Mumbai var en multikulturell og virkelig global by på nivå med New York. Likhetene ligger i at de er havnebyer og deres evne til å være pragmatiske og ta inn påvirkninger. Faktisk er jazz så viktig for den moderne indiske ånden at da India fikk uavhengighet fra Storbritannia den 15. august 1947, feiret de rikeste av de rike på Taj med ikke annet enn jazzmusikk. Selv om uavhengighetsdagen feires med det patriotiske 1882-bengalske diktet-sang “Vande Mataram”, symboliserte dette musikalske partnerskapet frihet og kreativitet for både svarte og brune musikere som ble undertrykt av hvite mennesker. Dessverre gikk den lengstlevende indiske jazzmusikeren, Micky Correa, nylig bort, så ingen er igjen for å fortelle øyenvitneskildringer fra ballroomet i Taj Mahal hotel. Det som er verre, er at det ikke ble gjort noen intervjuer med disse musikerne heller, og vi kan bare stole på deres innflytelse fanget i populærkulturen for å utforske historien om indisk jazz.

Bollywood-produsenter og musikalske direktører fikk nyss om jazz-trenden blant Indias elite, og de trengte noe, eller mer spesifikt, noen til å modernisere sin snart utdaterte lyd. Den personen var en mann som kanskje er synonym med indisk jazz, Antonio Xavier Vaz, bedre kjent som Chic Chocolate. Kanskje den mest kjente jazzmusikeren du aldri har hørt om, Chic var en multi-instrumentalist fra Goa som klarte å slå igjennom ved å spille trompet på mange Bollywood-soundtracks. Chic var sterkt inspirert av Louis Armstrong og ble ofte omtalt som “Louis Armstrong of Bombay,” til og med gående så langt som å bruke det karakteristiske lommetørkleet og synge med den grovkornede og hese stilen.

Han begynte i Mumbai med å lede et elleve-manns band på Taj Mahal Hotel. Hans arbeid var produktivt, hans innflytelse er tidløs, og naturen av hans komposisjon og opptreden danner grunnlaget for dette ekteskapet av kulturer som indisk jazz promotert. Å se Chic Chocolate opptre var mer enn bare en gjennomsnittlig konsert, han sørget for at publikum fikk en opplevelse de aldri ville glemme. Han hadde en høyrøstet og sjarmerende personlighet som fortryllet både fremmede og stamgjester; han kunne spille på publikum med sin vittige personlighet, og hans kjærlighet til å opptre var håndgripelig. Han utviklet til og med et så sterkt forhold til sine stamgjester at han spilte favorittsangene deres så snart de kom inn i rommet. Denne livligheten er definitivt tydelig i musikken hans, når du lytter til gamle opptak av hans soloarbeid blir du fascinert av trompetspillingene hans. Trompeten hans hadde en grovhet og råhet, spesielt på sporet “Contessa”; den hadde nesten en personlig livlighet av sitt eget og krevde alles oppmerksomhet. Chic hadde spilt trompet siden han var 25 og klarte å oppnå et enestående nivå av virtuositet. Selv om han primært var kjent som trompetist, gjorde hans dyktighet at han i tillegg spilte saksofon, fiolin og flere rytminstrumenter, og han ble også en arrangør og dirigent.

Jazzens innflytelse var så klangfull at den nådde Bollywood, og Chic Chocolate har blitt kreditert med å introdusere vestlig musikk til indiske musikkdirektører. C. Ramchandra, en produktiv Bollywood-komponist, ble spesielt påvirket av jazz og ønsket å inkorporere det i sitt produksjon. Ramchandra jobbet veldig tett med Chic for å forme en stil og hedre jazzen på en veldig indisk måte. Til tross for jazzen blant eliten og i luksushoteller, gjorde jazzens fusjon med Bollywood—indias svar på popmusikk—at den ble tilgjengelig for alle uansett klasse eller kaste. Bollywood-filmen Albela som kom ut i 1951 var en myk introduksjon til Chic Chocolate. I sin kjerne er lydsporet veldig søtt, mykt og moderne, men Chic Chocolates trompet som suser gjennom disse ellers veldig indiske sporene fungerte som en inngangsport til jazz. Et slikt spor er “Eena Meena Deeka” fra 1957-filmen Aasha som ble så berømt at den har blitt brukt i internasjonale reklamer. Denne sangen så Ramchandra finne ut hvordan man skulle tolke jazz på en distinkt indisk måte, mens det fortsatt hørtes tradisjonelt ut som afroamerikansk jazz. Teksten “maka naka” er konkani for “jeg vil ikke ha,” det vi så var en fusjon av goanske, portugisiske og afroamerikanske påvirkninger sammen i en unik sonisk opplevelse. Til slutt var det en morsom, meningsløs sang som innkapslet Chics livsglede, og som alle andre sanger han er kreditert for, demonstrerer den hans musikalske og geografiske genre-spennende pragmatikk perfekt. Bollywood-musikk har lenge hatt en historie med å ta trender og inkorporere dem med tradisjonelle indiske elementer, mest bemerkelsesverdig med Bappi Lahiris tolkning av disco.

Uheldigvis i 60-årene—tiåret som markerte høyden av jazzens popularitet—hadde sjarmen til sjangeren begynt å avta. Da komponistduoen Laxmikant-Pyarelal begynte å skape bølger i Bollywood med sin rekreasjon av psykedelisk musikk fra vest og mer tyngre, elektroniske instrumenter og rock’n’roll begynte å ta prioritet, etter en noe 40-årig regjering som strakk seg over to generasjoner, var ikke jazz lenger kult. Betydningen av indisk jazz ligger imidlertid ikke bare i sitt endelige produkt, men i den rasemessige solidariteten og samarbeidet som ble født: to diskriminerte grupper av fargede mennesker av hvite folk; India av kolonialisme, og afroamerikanere av slaveri, som lånte sitt land; sin musikk til hverandre og skapte noe så utrolig unikt. Det som ser ut til å være en nesten ufattelig sammenstøt av kulturer for de som ikke er kjent med dette, er faktisk en innsiktsfull utforskning av hvordan musikkens formbarhet skaper skjønnhet og idiosynkratisk talent.