De 10 beste elektroniske albumene fra 2018

Housemusikkens grep om Sør-Afrikas musikk forble fast i 2018, tilstede i gqom-fyllere av Distruction Boyz og den polyrhythmiske dansepoppen til Heavy-K, for å nevne noen. Som sådan bør ingen bli overrasket over at Johannesburg-byduoen av vokalist Manteiga og produsent Spoek Mathambo i stor grad opererer under det samme grepet av elektrisk musikkens varige tradisjon her. For Kasi Royalty, bygger de bro mellom retroenergi og moderne vibber for en ofte dyp og grundig tilfredsstillende klubbopplevelse. “Deep Ocean Deep” bringer minner tilbake til CeCe Peniston og Crystal Waters’ respektive klassikere, med tittelen som smelter sammen på en smart måte gjennom Manteigas lepper. Utover den fantastiske garasjen av “Just To Touch” og Chicago-rytmen av “Love At First Sight,” livliggjør deres delte innflytelsesby ting enda mer, fra afrobeat-jazz av “Babaloo” til Soweto-svinget av “Nika Mapha.” Mathambos musikalske mesterskap har lenge vært åpenbart, og Batuk forsterker bare hans legitimitet.

Langsiktige NAAFI-fans vil sikkert huske denne chilenske artisten fra 2013’s Nueva, en imponerende EP med futuristiske urbane danse-strukturer. Fem år senere leverer han et merkbart mer tilgjengelig album med mange vokalgjester. Paul Marmota har helt klart ikke blitt pop-latino, noe som tydelig bevises av hans subversive valg av imponerende kule gjester fremfor mainstream-navn. Faktisk viser hans Zona dype forbindelser til urbano-undergrounden, med et rikt utvalg av raperos og cutting-edge reggaetoneros som passer til hans fortsatt relativt alternative produksjoner. Han inkluderer Tomasa Del Real og NAAFI-støttespiller Lao for “Poquito”, en opaliserende neoperreo-trening, og sikrer seg Spanias latin trap mørke hest MC Buseta for den eksplosive “Dime Bonita.” Basshoder og dembow-entusiaster finner felles grunn i de vibrerende tonene og livlige rytmene av “Acelero” og “No Te Asustes.” Når det gjelder produksjonsvisninger, er Marmotas lett det beste av året i format, og kommer i rett tid for å vise urbano’s brede lydområde.

Med all respekt til RP Boo og hele Teklife-kameratene, kunne fotarbeidets meteorske vekst de siste årene som en av klubbmusikkens mest innovative former ikke ha vært mulig uten Jlin. Gary, Indiana, innfødte har blitt prøve-stammende stilens ledende visionær, tro mot sjangerens prinsipper samtidig som hun tankefullt presser grensene på essensielle album som fjorårets Black Origami og dens 2015-første Dark Energy. Et fengslende samarbeid med koreograf Wayne McGregor, hennes dristige musikk til hans dans bringer lyddesign videre til forgrunnen. Vindspeil og vannaktige dråper befolker den urolige men magiske “First Overture (Spiritual Atom),” en gripende introduksjon til rytmiske bevegelser som snart vil komme. “Annotation” nærmer seg med hast, som bare bremser opp for å forsterke sin oppriktighet og subtilt speile klassiske aksenter, mens “Kundalini” begjærer en åndelig måte å komme til et mål. “The Abyss Of Doubt” surrer høyt med malfunksjon og utspekulerthet, med flere klipp som klirrer på måter som får en til å undre seg på hvordan de antatt desorienterte danserne takler det i opptredenen.

Noen måneder tilbake, i et kunstgalleri i Manhattan, feiret produsent Hiro Kone utgivelsen av sitt album med en utrettelig opptreden. Sammen med Dais-kameraten og den overlevende Coil-medlemmet Drew McDowall, viste hun en overveldende fornyelse av den industrielt musikkens stolte ånd. I motsetning til EBM-gjenopplivingskunstnerne og techno-støyene som for tiden tar på seg, går bredden og kompleksiteten i komposisjonene hennes utover mørket og inn i dybden. Fra den ritualistiske tittellåten til fabrikkgulvet grooveren “Truth That Silence Alone,” Pure Expenditure tilbyr en klumpete, ufiltrert oppdatering av en sjanger som altfor ofte blir destillert til neo-gotiske poseringer på bekostning av kunsten. Spor av Throbbing Gristles diaspora, ikke minst av den senere Carter Tutti-eventyret, gjenopplever de stekte kretsene av “Disoccupation Of The Sphere” og “Poortgebouw” med rastløse maskingjester. Men det er tilstedeværelsen av den revolterte poeten / torchsong-sangerinnen Little Annie på “Outside The Axiom” som fullt og helt innlemmer platen i kanon.

Selv om P. Adrix for tiden bor i Manchester, vokste han opp i Lisboa. Den eksponeringen for de eksperimentelle techno-kuduro-hybridene i hjemlandet hans gjør ham til en ideell ambassadør for lyden til Storbritannia. Bygget inn i hans morsomme kaotiske debut er vanskelige tempoer og fengslende polyrhythmus, blottlagt på den tilsynelatende minimale banger “Abertura Da Roda” og den kaustiske vindusvaskeren “Tejo.” Som så mye av det storslåtte Principe setter ut i verden, er Álbum Desconhecido en innrømmet krevende, men dypt givende lytting, med sine discordante tendenser som en sil for å sile ut de som ører og hofter ikke kan holde følge. Adrixs tilnærming blander av og til batida med mer distinkte britiske lyder, spesielt fra regionens fruktbare bass- og grime-scener. “Viva La Raça” bruker første halvdel på å bygge seg opp som en Skepta-instrumental før den lanserer afro-portugisiske percussive elementer inn i miksen. En ødelagt vuggevise av glitrende jazz, “Sonhos” faster seg på nett rundt melodien.

Denne globale påvirkningen av bass fortsetter å sende rippler av rippler over danseflater og studioer. Ingen unntak fra denne situasjonen, Barcelona avdekket en av sine mer polyamorøse arrangementer med Worldwide Ángel, en fantastisk plate som la sticky gloss til edgy urbano. Mens tidligere arbeider som 2016’s Slow Wine og det påfølgende årets imponerende single “Jacaranda” noen ganger føltes litt for nær Rihanna-tilbedelsen, løfter dette prosjektet den framtidige stjernen opp på en scene som fullt ut er hennes egen. Med produsenter Dubbel Dutch og Jam City ved sin side for fengslende insta-klassikere “Candela” og “Internationally,” matcher hennes autotunede teknikk her hennes kjærlighet for reggaeton, dancehall og poppete R&B. Hun klargjør gulvet for både dutty wine og perreo på “Tra” og går seg vill i sausen på ekko-kamrants hymn “Yo Sigo Iual.” Dembow grunner hennes eteriske sang på “Tu Moto”, mens hun hever seg på flere måter over den begrensede dancehall-rytmen laget av Paul Marmota og Fakeguido på single-vurderte “Realize.”

Nå mer enn et tiår etter at han introduserte 0PN-monikeren på 2007’s Betrayed In The Octagon, fremstår Daniel Lopatin som sin generasjons viktigste avantgarde-musikant i et uvanlig og presserende nytt lyddokument. Hvor 2015’s Garden Of Delete opplevde Cronenberg kroppsskrekk og fjorårets Good Time soundtrack leverte nøkkeldoser av ren Tangerine Dream, er Age Of galaksehjernen meme ommunt i uforståelighet. En forvirrende isolert og kunstnerisk tett presentasjon bebodd av mishandlede avatarer, nukleare vintercowgirls og grittier reboot av Geoffrey Chaucer, disse interessante sangene smelter sammen den metafysiske sølen av videospill med de innbilte restene av arkaiske kulturer. Mens de mangfoldige referansene som skjules her og settes inn der kan etterlate lekfolk i filosofisk lammelse, finnes det fortsatt merkbar skjønnhet og oppriktighet på spor som “Last Known Image Of A Song” og “Toys 2.” Med en gjestestemme fra ANOHNI, lar det dystopiske R&B av “Black Snow” i det minste Lopatin si mening, så mørk som den måtte være.

Mye av Kevin Martins arbeid har kommet gjennom samarbeid, fra den fjerntliggende hip-hop til Techno Animals dansehallødeleggelse. Enten det er Ballardiansk drone metal med Dylan Carlson eller dystopisk dub for Roger Robinson, skuffer den Berlin-baserte produsenten sjelden, om noen gang. Som om det ikke var nok å samarbeide med dubstep-mysteriet Burial for å starte sitt nye Pressure-imprint dette året, henter han dynamiske vokalist Miss Red til labelens første fullengderprosjekt, med seg selv som produsent. Et fantastisk fleksibelt instrument, stemmen hennes viser seg å være uforutsigbar på K.O., et album hvis tittel og coverkunst hyller hennes tidligere bokserpappa. Med en lignende pugilisk holdning, puster hun ut på kraftige kutt som “Shock Out” og “Slay,” begge drevet av Martins piston sterke riddimer. Ellers viser hun en sinister kulde, noe som resulterer i uhyggelige øyeblikk som “Dust” og “One Shot Killer.” Selv om reggaeens bredde tar opp mesteparten av platen, vrir den boom bap bugaboo “Memorial Day” seg ut av sjangeren som en grådig orm, Miss Reds papirtynne hvisking høres som alarmer.

Mens den amerikanske mainstreamen brukte “Despacito” -etterdønningene til å bli bedre kjent med urbano-pop-stjerner som J Balvin, Ozuna og Daddy Yankee, holdt reggaeton-undergrounden seg i gang. Og ingen representerte så effektivt som Tomasa Del Real, Chiles ledende neoperreo-forkjemper. Med produksjonsbidrag fra brunOG, Toy Selectah, og Ulises Lozano, blant andre, utstråler Bellaca del Año autentisitet mens den tilbyr et levende alternativ til crossover-singler som for tiden pepperer Billboard-listene. En hymne i tradisjonen til Ivy Queens “Yo Quiero Bailar,” hennes “Perra Del Futuro” setter damene først på dansegulvet. Mens mye av materialet her er fremtidsrettet skatter som “Marcame” og “Sirena,” når hun tilbake for å samarbeide med kjente aktører i sjangerens suksesshistorie, inkludert DJ Blass og den hyppige Don Omar-partneren Alcover. Selvfølgelig topper intet prosjektets strålende lead single “Barre con el Pelo,” en trap Rapunzel-historie farget av rykkete synth og dreving.

Vanlige lesere av denne månedlige spalten kan sikkert intuitere en ikke akkurat mild forakt for normalitet som er holdt av undertegnede. I disse politisk delte tider føles det ofte syndig å trekke seg tilbake til det musikkalsk grunnleggende, mindre selvpleie enn villet uvitenhet. Selv om det kan høres urettferdig ut for dem som tilbringer den siste måneden av 2018 med å undre seg over de nyeste pop-hitsene og analysere tegneseriefilmtrailere, dominerer slik åpenlys forbruk altfor ofte samtalen, og kveler kunst som adresserer virkelig presserende saker viktige for menneskeheten og samfunnet. Revolusjonær musikk sliter med å heve seg over Spotify-algoritmen, prøver så hardt den kan å konkurrere i et voldsomt megasentrisk markedssted. Et av de beste albumene jeg noen gang har hørt i hele mitt liv, for ikke å snakke om dette året, Basic Volume både fanger og utfordrer våre tumultuariske tider, disse stygge realitetene som blir skjøvet til side av et kollektivt ønske om å trekke seg tilbake til evig iPhone-sjarm. GAIKA dukker opp som en barberblad fra tennene, klar til å kutte mot fiendens halspulsåre med skarpe tekster som gjentatte ganger krever bokstavelig opprør. På den storslåtte og glitrende “Immigrant Sons,” appellerer han direkte til ungdommen om å få opprøret til å skje, fullt klar over hvor samsvaret må finne sted for å gjennomføre endring. En dødelig emcee og sjanger-flottende produsent, han presenterer saken sin i personlige, tilgjengelige og kunstneriske termer, overtar dancehall for “Black Empire” og drill for “Crown & Key.” For vår framtids skyld håper man at ungdommen tar hensyn.