De 10 beste industrielle albumene du bør eie på vinyl

Throbbing Gristle 20 Jazz Funk Greats

Throbbing Gristle oppfant industriell musikk. Faktisk, de myntet begrepet — Industrial Records var deres plate-label, og uttrykket “industriell musikk for industrielle folk” ble deres slagord, som startet med 1977s The Second Annual Report. Selv om det i begynnelsen ikke var så godt definert hva «industriell» betydde. De dannet seg som COUM Transmissions i Storbritannia på midten av -70-tallet, og Genesis P. Orridge, Chris Carter, Cosey Fanni Tutti og Peter “Sleazy” Christopherson ga til slutt navnet Throbbing Gristle, og fremførte konfrontasjonelle livesett som inneholdt pornografiske eller voldelige bilder mens de skapte kakofonisk musikk, ofte med tale som akkompagnement, noe som førte til mesterverk av skrekk som 1978s “Hamburger Lady.”

Deres største prestasjon var 1979s 20 Jazz Funk Greats, et album som representerer Throbbing Gristle på sitt mest musikalske — selv om det er et relativt begrep. Omslagsbildet viser bandet som ser glade ut på Beachy Head, et beryktet selvmordsted i Storbritannia, en slags lokke-og-bytte bevegelse som skulle provosere intetanende lyttere som bladde gjennom platebutikkens hyller. Likevel, selv om dette albumet er hardt, er det også rytmisk og ofte tilgjengelig i deler, og tilbyr deres fortolkninger av exotica, dub og minimal synth-punk i ånden av Suicide. Det inneholder også “Hot on the Heels of Love,” deres mest direkte disco-nummer, som henter rikelig fra Giorgio Moroders triks. Det finnes øyeblikk av relativ ro, til og med refrenger, men hver låt føles prekær og ubehagelig, hvert melodisk øyeblikk eksisterer for å skape en falsk følelse av komfort — bare for at bandet skal rive det bort et øyeblikk senere.

Killing Joke: Killing Joke

London post-punk-gruppa Killing Joke forvandlet seg til industriell metal først på 90-tallet, da de ga ut Extremities, Dirt and Various Repressed Emotions. Likevel ligger grunnlaget for de ubarmhjertige, malende hymner i den harde punkrock-stompen fra deres selvbetitlede debut. Albumet — mens det er helt laget med en tradisjonell gitar, bass og trommer konstellasjon — er gjennomsyret av kalde, metalliske lyder og korroderende effekter. Synth-lyden som introduserer “Requiem” er noe som en primitiv mal for de bearbeidede, sekvenserte lydene som Ministry og Nine Inch Nails senere skulle ta i bruk, mens Jaz Colemans desorienterende og forvrengte vokaleffekt i “Wardance” gir sangen en slags bisarr terror som kan knyttes tilbake til tidligere industriell. Når det gjelder industriell, er Killing Jokes debut mer avgjørende for å legge grunnlaget enn å se lyden fullstendig realisert, men det er en essensiell manglende link.

Nurse With Wound: Homotopy to Marie

Stephen Stapleton er ikke bare en viktig skikkelse innen eksperimentell musikk, men en svært produktiv en. Hans katalog skryter av mer enn 60 studioalbum, samt en lang liste av samarbeid med artister innen industriell musikk (Current 93), prototyper av sjangeren (Faust) og de som er helt utenfor (Stereolab). Hans mesterverk, Homotopy to Marie, kom relativt tidlig i karrieren hans, og er en 50-minutters lydkollasje som parrer performancekunst-estetikken fra Throbbing Gristles avantgardisme med en enda mer absurd, surrealistisk sans. Scant få øyeblikk på Homotopy to Marie ligner faktiske melodier, og de øyeblikkene kommer ofte etter at lytteren har blitt ledet gjennom skremmende labyrinter av klirrende cymbaler, funnede dialoger, knirkende dører, bjeffende hunder og ulike andre lyder som er mest uhyggelige når lysene er slukket og alt annet er skremmende stille. At så mye av albumet er tomrom tjener bare til å gjøre lydene på Stapletons båndsløyfer enda mer skremmende. Mens senere industrielle artister ville lage rytmiske mønstre av så harde lyder og effekter, fant Stapleton sin kunstneriske uttrykk i en vridd symfoni av kaos.

Cabaret Voltaire: 2x45

Sheffield’s Cabaret Voltaire begynte mye som Throbbing Gristle, gjennom performancekunst-opplegg kombinert med båndloop-eksperimenter. Bandet — oppkalt etter en klubb i Zürich som var sentrum for Dada-bevegelsen på tidlig 1900-tallet — utviklet seg gjennom ulike faser i karrieren, og gjorde et tidlig inntrykk med synth-punk-singler som “Nag Nag Nag” før de inkorporerte mørkere, hardere lyder som mer nært lignet den intense tilnærmingen til det vi nå kjenner som “industriell.” Deres fjerde album 2x45, utgitt etter deres hardere tidlige plater og det mer dansevennlige materialet fra EBM-perioden, er Cabaret Voltaires mest vilt kreative utgivelse, som blander dance punk, no wave og de elektronisk tunge militarismen fra tidlig industriell. Det er et av deres mest morsomme album, drevet av groove fra høydepunkter som åpningssporet “Breathe Deep” og “Protection,” men det er også blant deres mer merkelige og uhyggelige innspillinger. De vridde vokalene og den kaotiske tettheten av “War of Nerves” kommer over som en funky Godflesh. Det er blant bandets mer tilgjengelige album, til tross for de noen ganger harde elementene, og ikke overraskende, var det det første som kom inn på den britiske albumlisten.

Einstürzende Neubauten: Halber Mensch

Einstürzende Neubauten’s navn oversettes til “kollapsende nye bygninger,” noe som i essens oppsummerer det tyske bandets etos. De tok ideen om industrielt til sin litterære ekstreme, og laget lyder fra metallbiter og hardware, de harde lydene de laget er ofte mer i tråd med musique concrete enn faktisk låtskriving. Halber Mensch (oversettelse: halv mann) representerte et gjennombrudd for bandet i den forstand at komposisjonene deres ble mye mer musikalske, mer menneskelige, om enn fortsatt ganske skremmende. Albumets tittelspor er et kormusikkstykke, for eksempel, men det er stoffet fra mareritt — en septett av stemmer som synger som om de er engasjert i en kultritual. “Yü-Gung,” hvor hard den enn måtte være, er fortsatt drevet av en jevn 4/4-beat og Blixa Bargelds rytmiske vokalbjeff. Det er til og med en merkelig skjønnhet til høydepunktene “Seele Brennt” og “Sensucht.” I årene som kommer ville gruppen omfavne mer konvensjonelle melodier, deres videoer ville til og med dukke opp et par ganger på MTVs 120 Minutes, men ingen album klarte så flytende å smelte kakofonien av deres skrapmetallinstrumentasjon med ekte sanger som dette.

Foetus: Nail

J.G. Thirlwell har samlet nesten like mange alias som han har innspillinger gjennom årene — You’ve Got Foetus On Your Breath, Scraping Foetus Off the Wheel, Steroid Maximus og Clint Ruin, for å nevne noen. Men utviklingen av hans mange navnetiketter vitner om den konstante kreativiteten fra tankene til den australske musikalske gale vitenskapsmannen. Nail, hans fjerde studioalbum som Foetus (Scraping Foetus Off the Wheel, for de som følger med), er både hans mest tilgjengelige og mest grensesprengende kreative musikk. En sammensmelting av industriellts klang, metalliske perkusjonslyder med blues, jazz, post-punk og til og med musikk fra musicals, har albumet til tider en følelse av at Raymond Scotts tegneserie-musikk er utført av onde roboter.

Thirlwells referanser er tallrike og mangfoldige, låner fra Shakespeare på punk-blues stomp “Throne of Agony,” mens “Enter the Exterminator” inkorporerer elementer fra Griegs “In the Hall of the Mountain King” og “DI-1-9026” nikker til Timothy Leary. Når albumet når den siste låten “Anything (Viva!)”, hyler Thirlwell, “Jeg kan gjøre hva i all verden jeg vil!” Det kan han.

Coil: Horse Rotorvator

Omslagskunsten til Coils Horse Rotorvator, et enkelt men uhyggelig bilde av en tom gazebo med skygger som strekker seg over et tomt felt, er preget av en kort fortelling om en “immens jordflyttemaskin” laget av kjevene til hestene til de fire apokalyptiske rytterne. Det er en god indikasjon på hvilke typer truende grusomheter som venter lytteren på albumet. Hvor en artist som Nurse With Wound er skremmende på grunn av fullstendig uforståelighet i hva som skjer, lager Coil en lignende type skrekk fra noe mye mer tilgjengelig, til og med vakkert. John Balance, Stephen Thrower og tidligere Throbbing Gristle-medlem Peter Christopherson finner skjønnhet i depravasjon og vice versa, og viser en skremmende øm side på balladen “Ostia (The Death of Pasolini),” en proto-neofolk klagesang om det brutale mordet på filmskaperen Pier Paolo Pasolini i 1975. Det finnes også den straffende militære stompen av EBM på “Penetralia” og blod-kvelende atonalitet i “Blood From the Air.” En kjent stemme for new wave-lyttere dukker også opp på death-blues høydepunktet “Slur,” nemlig Soft Cells Marc Almond, kreditert under navnet Raoul Revere. Faktisk hadde Coil bare to år tidligere gjort sin egen cover av “Tainted Love,” som Soft Cell gjorde berømt, med Almond som dukket opp i videoen som symboliserte Dødsengelen.

Ministry: The Land of Rape and Honey

Ministrys tidlige år ble brukt til å kaste omtrent alt mot veggen og se hva som festet seg (synth-pop, ny romantikk, goth rock), og de siste tiårene har vi sett dem slå seg til ro med politisk, punchline-heavy industriell metal. Men på midten av -80-tallet traff Al Jourgensen og kompaniet sitt stride, og skapte i essens malen for industriell rock. Hvor industriell har historisk hatt en fot i kunstrom og den andre på dansefølelsen, har Ministeriet lenge foretrukket det siste, deres sample-tunge lyder skaper en kollisjon av elektroniske beats og heavy metal gitarer.

The Land of Rape and Honey er på ingen måte deres mest strømlinjeformede album, men det er lett deres beste, en kreativ eksplosjon av mørkt atmosfærisk trussel og ren volum. Med “Stigmata” skapte de en klubbhymne som rivaliserte deres tidligere, kitschy singel “Every Day Is Halloween,” mens “The Missing” fant dem som presset lenger inn i metallestetikk og “Golden Dawn” fremkalte en apokalyptisk, cinematisk atmosfære som framkaller bilder av falleferdige bygninger og røyk-søyler. Selv om Ministry er langt fra det mest seriøse bandet i industriens historie, var de de første til å mestre det som en storstilt, mainstream-vennlig produksjon.

Godflesh: Streetcleaner

Justin Broadrick var bare 19 år gammel da han laget sitt banebrytende industrielle metaldebut med Godflesh, 1989s Streetcleaner. Det er et bemerkelsesverdig faktum med tanke på at det ikke høres ut som arbeidet til knapt et voksent menneske — det er en lyd man ville forvente å høre fra onde, udødelige vesener som lever under jordens overflate. Hvor røttene til industriell metal først kom fra artister som utviklet seg fra industriens tidlige post-punk-røtter — slik som Killing Joke eller Ministry — var Godflesh-personellet allerede litt mer etablert innen metal selv, Broadrick hadde kort spilt i Napalm Death før han senket tempoet og rekrutterte en trommemaskin. Streetcleaner er, som et resultat, ikke noe som minner om et dansealbume — det er en hard serie med toneforskjøvede primitive skrik, raspende gitarriff og Roland-bass-smeller. Det er lyden av en særlig sadistisk dystopi.

Nine Inch Nails: The Downward Spiral

For det store flertallet av banebrytene industrielle handlinger, var mainstreamaksept ikke mye av en faktor, og i tilfelle Throbbing Gristle var tverrsuksess en idé som gikk helt imot deres provokative sanser. Likevel for Trent Reznor, en artist som faktisk samarbeidet med medlemmer av Throbbing Gristle, var pop og industriell ikke motsetninger. Rolling Stone beskrev Nine Inch Nails’ debut Pretty Hate Machine som “det første sanger/låtskriver industriell albumet,” og med sin oppfølger fra 1994, The Downward Spiral, brukte Reznor den tidlige malen for å bygge et sammenhengende, konseptuelt kunst-rock-album ved hjelp av verktøyene fra industriell for å skape dens bredbåndslyd.

Ved utgivelsen var The Downward Spiral et utenkelig gjennombrudd for industriell musikk, og viste frem både de maniske ekstremene av sample-basert industriell metal (“March of the Pigs”) samt dens mest introspektive og ødeleggende ballader (“Hurt”). Til tider ligner albumet til og med en robotisk enhet som tramper gjennom dusjer med gnister, som på den rasende “Reptile.” Det er et mesterverk av produksjon, en som gjorde ideen om industriell musikk universelt anerkjent, takket være ikke så lite til den uimotståelige hit-sekslåten, “Closer.” Det faktum at Maxwell dekket låten på MTVs Unplugged bare et par år senere markerte et noe surrealistisk øyeblikk hvor grensen mellom en gang støyfylt underground-kultur og Top 40 endelig hadde blitt utydelig.