De 10 beste coveralbumene å eie på vinyl

Noen ganger er resultatene banebrytende, andre ganger ikke. Altfor ofte lukter hele album av coverversjoner av en kynisk pengemaskin. De kan være en halvhjertet nødløsning mellom “ordentlige” studioalbum eller rett og slett noe Rod Stewart kan sysselsette seg med i tiden fram mot hver jul.

Når det gjøres godt, kan imidlertid coveralbum være et virkelig storslått vesen. De beste vil tolke andres sanger på en så dyp måte at de vil lykkes i å endre ikke bare musikken det er snakk om; artisten selv, sammen med deres hengivne lyttere, vil komme ut på den andre siden forvandlet av den stimulerende opplevelsen. Fra metalleksperimenter til dubbehandlere, her er ti essensielle coveralbum for din samling.

Bryan Ferry: These Foolish Things

Mens tidligere sangere som Sinatra eller Elvis kun noen gang sang andres material, hadde det på 1970-tallet blitt bredt akseptert at ALVORLIGE ROCK ARTISTER skulle skrive sine egne sanger. Roxy Musics Bryan Ferry brøt denne konvensjonen med sitt debut soloalbum i 1973, hvor han covret sangene til sine helter, og, før lenge, fulgte David Bowie og John Lennon suit med lignende prosjekter. Slike øvelser i nostalgi ble avvist som et “avskyelig fenomen” av rockkritikeren Lester Bangs, selv om han måtte innrømme at Ferrys tolkninger av standarder, soul-låter og -hits fra 60-tallet utgjorde et mesterverk. Med sin glitrende hornseksjon og Motown-stil backingvokaler fra Manchesters The Angelettes, These Foolish Things er mer konservativt enn Roxy Musics eksperimentelle Brian Eno-epoke, men Ferry beholder den tiltrekkende fasaden av å være en sjarmerende vampyr fra en fremmed planet takket være den helt karakteristiske krøllingen som forblir på riktig side av ustabilitet.

David Bowie: Pin Ups

Tilsynelatende var Bryan Ferry ikke spesielt underholdt da, kort tid etter fullførelsen av These Foolish Things, David Bowie ringte for å gladelig meddele at han nettopp hadde laget et veldig lignende album. Mens Ferry hadde kastet sitt nett bredere, fokuserte Bowie på britiske grupper fra perioden 1964 til 1967. Utgivelsen lå mellom det mer konseptuelle Aladdin Sane og Diamond Dogs, og Bowies coveralbum fortsetter å bli mislikt av de som foretrekker det når David later som han er en krysse-kledte alien, fascistisk hertug eller en sexy dystopisk hund. Pin Ups markerer faktisk et viktig stadie i Bowies kanon, da det ble spilt inn akkurat når han begynte å kvitte seg med glam rockens fiksjoner. Langt fra å være fastlåst i fortiden, binder dette LP-en gapet mellom de britiske invasjonene som ble covret og punkrock-eksplosjonen som lurte rundt hjørnet. Musikkens stomping proto-punk umiddelbarhet ble støttet av de livlige gitarriffene fra Mick Ronson, som fremførte sitt Bowie-album avskjedssang i stil.

Nick Cave: Kicking Against The Pricks

1986s Kicking Against The Pricks ble tenkt som fyll. Det ble innspilt i en tid da The Bad Seeds ikke hadde skrevet nok materiale til sitt neste album fordi Nick Cave hadde vært verbos skrivende på sin debutroman And The Ass Saw The Angel. Det er et vitnesbyrd om talentet til Cave og hans kolleger at resultatene langt overskred standarden for avskrift av coverprosjekter. Faktisk, takket være Mick Harveys strykearrangementer, debutopptredenen til trommisen Thomas Wydler og det brede spekteret av stilarter som ble taklet, representerte LP-en et kreativt gjennombrudd. Den gikk gjennom gotisk blues (“Muddy Water”), godtid gospel (“Jesus Met A Woman At The Well”), croonede ballader (“Something’s Gotten Hold Of My Heart”) og uregjerlig psykedelisk musikk (“All Tomorrow’s Parties”), albumet sparket ikke bare mot nålene, men i tillegg sparket opp døren til de Bad Seeds’ påfølgende lydutviklinger. Hva mer, Cave & co. beviste å være foran spillet ved å hedre Johnny Cash flere år før Rick Rubin gjorde countrystjernen kul igjen ved å råde ham til å spille saker skrevet av Trent Reznor og U2.

Metallica: Garage Inc.

Garage Inc. er en del av Metallicas evig fascinerende 90-tallsperiode der LA thrashere ble det største metalbandet i verden med 1991s selvtitulerte “Black Album,” klippet håret sitt og omfavnet en grungier retning for Load/Reload diptyken, og toppet tiåret med å spille inn et live dobbeltalbum med et stort orkester. Dette settet tok eldre kutt fra Metallicas tilbake-katalog (som så bandet dekke Diamond Head, Killing Joke, Misfits, Queen og andre) og samlet dem sammen med nyinnspilte versjoner av låter av Discharge, Blue Öyster Cult, Black Sabbath, Nick Cave og Diamond Head (igjen). Frigjort fra presset med å lage et offisielt studioalbum, kunne Metallica la håret falle (eller det som gjensto av det, i det minste) og ble dermed fanget mens de spilte løsere, friere og langt mindre stive enn de ville høres ut på mange av sine mer kritisk granskede langspillere.

Rage Against The Machine: Renegades

Rage Against The Machines debutalbum fra 1992 var et rap-metal mesterverk som ingen i historien noen gang har diskutert uten å bruke ordet “brannfarlig.” Innen år 2000 hadde sjangeren gått litt på avveie. Hvor RATM hadde brukt rap og riff for å protestere mot urettferdigheter, ulikhet og autoritet, spydde Limp Bizkit rim om rollin’, nookie, og Fred Dursts hovednyttelige tema (seg selv), og jo mindre det ble sagt om Kid Rock, desto bedre. Rage ble oppløst nesten umiddelbart etter at de fullførte Renegades og, til tross for at det var helt laget av andre artisters sanger, hørtes de mer ivrige ut enn de hadde vært på flere år. På den betalte de hyllest til banebrytende hip-hop legender som EPMD, Afrika Bambaataa og Cypress Hill samt garasjerockrebeller som MC5 og The Stooges, de gjenoppfant protestlåtene til Bob Dylan, Bruce Springsteen og The Rolling Stones ved å få dem til å høres, vel, ganske mye som Rage Against The Machine. Intens, fet og funky som helvete, Renegades var det siste store rap-metal albumet.

Cat Power: The Covers Record

Redusert coverversjoner har siden blitt kooptert av TV-reklame over hele landet i et åpenbart forsøk på å tilknytte en vag følelse av emosjonell betydning til hva enn kalde forbruksvarer de tilfeldigvis sliter med. Likevel beholder Cat Powers The Covers Record fra året 2000 sin følelse av stille radikalisme. På den ene siden fremstår Chan Marshall som mer skjør enn en papirparaply på disse innspillingene (og denne oppfatningen av henne ble forsterket av hennes tendens til å plutselig avslutte live-opptredener på grunn av lammende sceneangst og overdreven egenmedisinering). Slike beskrivelser gjør en urett mot hvor dristig Marshall gjør disse sangene til sine egne, noe hun gjør ved å bruke bare den sparsommeligste akustiske gitar- eller pianokompagnement. Se for eksempel hennes tolkning av The Rolling Stones’ “(I Can’t Get No) Satisfaction,” som er avrevet så langt ned til de bare beinene at ikke engang refrenget er igjen, eller de lignende frihetene Marshall tar med The Velvet Undergrounds “I Found A Reason.” Hvis hennes minimalistiske versjon av det sporet ikke får deg til å få gåsehud, da frykter jeg at du kanskje er uten puls.

Easy Star All-Stars: Radiodread

Etter å ha dekket hele Pink Floyds mest feirede album på 2003s Dub Side Of The Moon, vendte denne reggae-kollektivet håndene sine til Radioheads deprimerte opus av premillennial nevrosene OK Computer. Langt fra å lage et dumt noveltalbum, viste All-Stars at komposisjoner som “Subterranean Homesick Alien” og “Exit Music” overraskende godt egner seg til ganja-glade dub-arbeid. Deres tolkning klarer til og med å forbedre det opprinnelige albumets uheldige midtpunktsnedtur med “Fitter Happier” og “Electioneering” som begge overgår underholdningsverdien av Radioheads blåtrykk. Ellers, med hjelp fra Toots & The Maytals “Let Down” blir en lett, hoppende og livsbekreftende affære, mens “Paranoid Android” erstatter Jonny Greenwoods nervøse angst-rock gitar med varme jazzy trompet sprøyt. Slik oppnår albumet den bemerkelsesverdige prestasjonen av å injisere i Radioheads musikk minst én følelse som alltid har unngått den plagsomme Oxford kvintetten, nemlig glede.

Dirty Projectors: Rise Above

Å dekke et annet artists klassiske album i sin helhet er alltid et dristig trekk. Det kreves en spesiell type musikalsk maverick for å påta seg den oppgaven uten faktisk å ha hørt albumet det er snakk om på 15 år. Historien går at David Longstreth kom over sin gamle kassettkopi av Black Flags banebrytende hardcore album Damaged da han hjalp foreldrene med å flytte ut av huset hvor han ble oppdratt. Dessverre var saken tom og kassetten manglet. Naturligvis bestemte Longstreth seg for å remake albumet fra hukommelsen uten å lytte tilbake til noe av den opprinnelige musikken eller engang kaste et blikk på tekstarket. Det er tilstrekkelig å si at resultatet er dramatisk forskjellig fra Black Flags versjon. Faktisk får det nevnte reggae-tilpassningen av OK Computer til å se positivt trofast ut. Rise Aboves merkelige polyrhythmiske arrangementer, euforiske harmonier og tynne gitarmønstre er nesten så langt unna den skitne aggresjonen fra kildematerialet som man kan forestille seg, hvilket resulterer i et eksemplarisk tilfelle av å gjøre noe gammelt til noe helt friskt og nytt.

Tortoise And Bonnie “Prince” Billy: The Brave And The Bold

Hva får du når du krysser alt-country’s største singer-songwriter med Chicagos beste jazz-inspirerte post-rock gruppe? En plate som ikke høres mye ut som hverken artists tidligere produksjon, viser det seg. Sammen, Tortoise og mannen som ble født som William Oldham, stripped bombast og optimisme fra Bruce Springsteens “Thunder Road” slik at alt som gjensto var en trist og spindelaktig skjelett. På den annen side, tok de Minutemens “It’s Expected I’m Gone” og fylte det ut med forvrengning, feedback og andre delikate tullball. Elton Johns “Daniel”, i mellomtiden, ble utsmykket med trip-hop glitches og ambient gitartrekk mens Bonnie Prince’s falsett beholdt originalens emosjonelle trekk. Etter rett burde dette fantastiske møtet også inkluderes i “10 Beste Samarbeidsalbum Som Du Bør Ha På Vinyl” når vi får tid til å trykke opp den listen.

Sonic Youth: Goodbye 20th Century

Når det ble utgitt på slutten av 1999, ble dette dobbeltalbumet sett på av mange som den logiske konklusjonen av Sonic Youths selvtilfredse, “vanskelige” og “umulige å lytte til” tendenser, som er akkurat derfor det regjerer. “Goodbye 20th century and goodbye career,” ertet NME når de ble konfrontert med denne feiringen av 100 år med avant-garde musikalsk utforskning (eller mer presist de siste 50 årene). Over to plater med spor lengder fra 12 sekunder til over 30 minutter, omtolket art-rocks mest kunstneriske band og deres samarbeidspartnere verk av komponister inkludert John Cage, Steve Reich, Yoko Ono og Christian Wolff. Hva er en bedre måte å vise frem dine høykulturelle musikkrenomé på enn å vise dette stolt frem i samlingen din? Bare sørg for at du har et svar klart til spørsmål som “Så hvordan sammenlignes Sonic Youths tolkning av George Maciunas’ “Piano Piece #13” med tidligere oppføringer av hans skapelse?” (Mulig svar: “Det er en viss postmoderne nyanse i den avslappede måten som Sonic Youth hamrer de spikrene ned i pianoets tangenter, som, selv om det ikke er helt fritt for hipster-ironi, burde hjelpe den anarkistiske ånden av den neo-Dadaistiske Fluxus-bevegelsen til å beholde sin relevans for yngre generasjoner av tverrfaglige abstrakte ekspressivister.”)