Vinyl die je nodig hebt: De platenruil

Vinyl You Need vraagt de mensen in platenwinkels welke platen zij essentieel vinden. Deze editie bevat The Record Exchange in Boise, Idaho.

De grootste platenwinkel in heel Idaho heeft twee deuren. Eén ingang aan de 11^de straat en één aan W. Idaho Street – beide geven toegang tot de muzikale mekka van het centrum van Boise, The Record Exchange. De ene deur leidt je naar een café dat als de eerste espresso-bar van Boise diende, en brengt je in een wereld van lokale producten, popcultuur snuisterijen en gebrandmerkte artikelen. De andere deur daarentegen leidt je direct de doolhof van vinylrekken in. Tegen de muur van de muzikale kant staat een klein podium, hooguit een voet of twee boven de grond, maar prestigieus genoeg om acts zoals La Luz en Willis Earl Beale te hosten tijdens het recente stad brede Treefort Music Festival in maart.

Nu de bevolking van Boise blijft groeien (Forbes heeft het onlangs genoemd als een van de 20 snelst groeiende stedelijke gebieden van het land), zou de wanhoop van de mensen naar live en opgenomen muziek, koffie en een gevoel van gemeenschap theoretisch parallel moeten lopen aan deze groei. Gelukkig bedient The Record Exchange de goede mensen van Boise al 36 jaar en is het van plan dit te blijven doen. We hebben vijf medewerkers van The Record Exchange gevraagd welke platen zij denken dat je op vinyl zou moeten bezitten.

Vijf Essentiële Platen om te Hebben op Vinyl, dankzij The Record Exchange

Rachel Prin, Inkoper

Artiest: The Clash
Album: Combat Rock
Reden: Dit was het allereerste album dat ik ooit op vinyl luisterde. Echt luisterde. Mijn vader zette me met een paar koptelefoons neer, gaf me de liner notes en ik was gefascineerd door de eerste klingelende gitaarnoten. Na Sandinista! uit 1980 voelt dit album als een ware terugkeer naar vorm voor The Clash. Lyrisch gezien toont Combat Rock enkele van Joe Strummer’s beste werk terwijl hij onderwerpen zoals Vietnam, burgerrechten, apocalypse, drugsverslaving en een algemeen gevoel van frustratie aanpakt. En toch, ondanks de zwaarte van enkele van de lirikale inhoud, slaagt The Clash erin om de intensiteit te balanceren met enkele geweldige popsongs. "Should I Stay or Should I Go?" is pop goud, en ik daag je uit om niet te dansen op "Rock the Casbah." Er komt iets door als je dit album op vinyl luistert dat ik altijd het gevoel heb dat verloren gaat in elk ander formaat. De intensiteit en wanhoop van de teksten, de vage klank van Paul Simonon’s bas, de twang van Mick Jones’ gitaar, en het gesnuif van Strummer’s stem voelen allemaal krachtiger aan als ze door wax komen. Met de klassieke bezetting voor de laatste keer, is Combat Rock misschien wel het beste werk van The Clash en een must-have voor elke verzamelaar.

Brion Rushton, Assistent Winkelmanager/Indie Inkoper

Artiest: Arthur Russell
Album: World of Echo
Reden: Opgenomen met niets meer dan een cello, een pool van reverb en zijn hunkerende stem, is het album World of Echo van Arthur Russell uit 1986 het geluid van treurige ballades die uiteenvallen en in de ether dreigen te vervagen. Het is essentiële luistermateriaal voor liefhebbers van onder anderen Eleanor Rigby, Father McKenzie, en al het eenzame volk.

Chad Dryden, Marketing- en Promotiedirecteur

Artiest: Leonard Cohen
Album: The Songs of Leonard Cohen
Reden: Toen ik in 1998 terugkwam naar vinyl, was dit het eerste album dat ik kocht. Ik was op de universiteit – ontvankelijk, vatbaar, en geneigd tot romantisch idealisme. Platen hebben een manier om je aan te kijken in de rekken, om je uit te roepen, en The Songs of Leonard Cohen had me maandenlang verleid in een platenwinkel in een kelder in Athens, Ohio. Toen ik het eindelijk mee naar huis nam, kon ik het niet van de draaitafel afhalen. Verleidelijk en mystiek, diep van betekenis, trokken Cohen’s flamenco-geïnspireerde verhalen van het hart en het lichaam me keer op keer in. Ik wist niet wat ik er allemaal van moest maken, of wat het allemaal betekende, maar ik wist dat ik niet zo diep had geleefd en bemind en ik wilde leren hoe. Dus bleef ik het draaien. En draaien. Het steeds omdraaien. Alleen in het donker. Tussen vrienden en filosofieën en het roes van de late nacht. Met mijn nu-vrouw de nacht dat we elkaar ontmoetten; jaren later, toen ik uiteindelijk mijn krakende eerste exemplaar had versleten, deed ze het in een lijst, hing het aan de muur en kocht me een vervanging als jubileumcadeau. Nu ik bijna 40 ben, is The Songs of Leonard Cohen een veel andere, veel diepere luisterervaring dan het was op 21. Dat is hoe het gaat als je met een plaat leeft. Je verandert, het verandert. Soms wordt het beter, soms slechter. Leonard en ik delen een verjaardag. Dat vind ik leuk. En ik hou van deze plaat. Het wordt alleen maar beter.

John O’Neil, Winkelmanager

Artiest: Wipers
Album: Is This Real?
Reden: Punk rock kwam mijn leven binnen op het moment dat ik het het meest nodig had. Ik herkende de terugkeer van het korte nummer als iets goeds, omdat ik opgroeide met het luisteren naar de muziek van mijn oudere broers en zussen. Ik haatte de bombastische, dwalende rock waaraan ik was blootgesteld door mijn tijdgenoten, d.w.z. andere kinderen. Ik vond soms nummers die ik op de radio hoorde leuk, maar ik was gefixeerd op jazz uit het big band-tijdperk, zoals Ellington en Shaw, en Bob Wills en His Texas Playboys.

Ik was een vreemde jongen.

Opgroeiend in een dunbevolkt deel van Oregon gebeurden er niet veel bandzaken. Dat was iets waarvan ik dacht dat het in New York of Londen plaatsvond. De verschijning van Is This Real? verbrak dat misverstand. Onmiddellijk, energiek en somber tegelijkertijd, het blies mijn hoofd op om iets te horen dat in mijn staat was gecreëerd en dat zo geweldig klonk als wat er elders gebeurde. Greg Sage, de zanger/songwriter/gitarist van Wipers, was zijn tijd ver vooruit omdat hij geloofde in buizenamplifiers, pure signalen, thuisopnames en een doe-het-zelf esthetiek. Hij was een moeilijk te doorgronden, zelfverzekerde man met dunner wordend haar, zonder neiging tot kostuums of showbusiness (hoewel hij wel van professioneel worstelen hield!).

Deze plaat, en de opvolger Youth Of America, explodeerden van de draaitafel in een rush, met een agressief vooruitstrevend geluid, repetitieve baslijnen en leadgitaren in plaats van overmatige solo's. Er waren zeker melodramatische momenten, maar het gebrek aan bombast was verfrissend. Hij inspireerde velen van ons in de Pacific Northwest om gitaar te spelen, bands te vormen, onszelf op te nemen en vooruit te gaan. En we zochten actief de andere mensen in de andere kleine steden die hetzelfde deden.

Dat is de kracht van een plaat. Ik ben nog nooit moe geworden van deze. Dank aan Jackpot Records in Portland voor het zorg dragen voor deze heruitgave, en aan Greg Sage voor de inspiratie.

Catherine Merrick, Assistent Manager van de Cadeauwinkel

Artiest: Karen Dalton
Album: In My Own Time
Reden: Nick Cave zei ooit dat Karen Dalton zijn favoriete zangeres was; dat was genoeg voor mij om te onderzoeken wie ze was (zij het vele jaren na haar dood) en dit album, haar laatste voor haar overlijden in 1993, was mijn eerste kennismaking met haar. Van de eerste akkoorden van "Something On Your Mind" – een repetitieve drone die leidt naar haar eenzame, gebroken vocale uitvoering, was ik al vanaf dat nummer alleen al gegrepen, en de manier waarop het perfect het gevoel vastlegt van iemand die van nature en liefdevol de pijn erkent die binnen een persoon vlakbij hen draait. Met versies van meer bekende nummers ("When a Man Loves a Woman" en "How Sweet It Is"), was ik enthousiast over Dalton's interpretaties en vooral haar unieke, bijna jazzy uitspraak, die me soms deed afvragen of ze er weer "terug in" zou komen, maar dat deed ze elke keer. Opgenomen door veel andere artiesten, wordt Dalton's versie van "Katie Cruel" (een traditionele Amerikaanse/Scotische folk melodie) vaak als de beste beschouwd. Met alleen banjo, fiddle en haar stem, transporteert het je praktisch naar een beboste bergtop - de lucht zwaar van kampvuurrrook en natte bladeren. Hoewel de Amerikaanse versie van het nummer terug te traceren is tot de Amerikaanse Onafhankelijkheidsoorlog, kon ik niet helpen maar me af te vragen of Karen zich op een meer persoonlijke manier met het nummer verbonden voelde, aangezien ze ooit deel uitmaakte van de folk muziek scene in Greenwich Village in de jaren '60 (en destijds hoog gewaardeerd werd door Bob Dylan en anderen), maar dat is de genialiteit van haar stem. Ze had het vermogen om nummers zo diepgaand te interpreteren dat je niet anders kunt dan geloven dat ze over zichzelf zingt. Het andere nummer dat voor mij opvalt is "Are You Leaving For the Country," een ontspannen, wandelende fusie van R&B en folk, waarbij Dalton's zoete, gebroken stem languide boven de akoestische gitaren en bas zweeft, wat me altijd de neiging geeft om in de auto te springen en een oude onverharde weg te vinden om over heen te rijden. Om de waarheid te zeggen, ik heb dit ook op cd, puur voor in de auto, maar de warmte en kwetsbaarheid van Karen Dalton's stem, evenals de puurheid van de akoestische instrumenten, komen zoveel beter door op vinyl. Er is iets veel magischer aan het horen van deze nummers terwijl je op de vloer zit in een zacht verlichte kamer, vooral als je bij een vriend bent die jouw enthousiasme om de plaat opnieuw te starten deelt.